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Cómo pintar en clave FAUVE. El fauvismo.

 

Lo plano es belleza. Hay veces en que uno quiere dejar atrás la perspectiva atmosférica -lo impresionista- y adentrarse provisto de acuarelas y gouache en el mundo de lo plano, en el de los planos y el cine. Esta composición está realizada con gouache y acuarela y texturizada con Office 365. Su título es: Entrar en la noche como en el cine. Y no es lo que puedo ver en el mundo real, pero sí en el artístico en que me muevo.

© Macarena Márquez Jurado

 

<alt="Pintar de forma fauvista"/>
Adentrarse en la noche como en el cine
Macarena Márquez
Acuarela y Gouache

Material Utilizado:

·      

Papel de grano fino, 370gr/m2.

 

Me gusta bastante este papel de grano fino para utilizar gouache y acuarela.

El gouache, al ser denso y mate, se desliza mejor

 

Acuarela de tubo

 

Gouache Blanco 

 

Acuarela Líquida

 

Dejo el enlace a este set de colores primarios para empezar a trabajar con este tipo de acuarela. La marca es de primera calidad. 


     Ceras Acuarelables 


Los colores seleccionados para esta composición inducen al sueño, a la calma. Vienen a ser como una clase de yoga, o una meditación, un adentramiento, pero en clave colorística. No es lo que veo, sino lo que quiero ver, y veo. Y plasmo.

 

He seleccionado antes de pintar el Movimiento Fauve porque es el que mejor permite esta abundancia. Para los Fauve, la predominancia está en el color. Es el color el que dibuja, y no la línea. Es un arte en donde la perspectiva atmosférica deja de funcionar como así lo vio y lo expresó uno de sus representantes principales, por no decir el principal, Henry Matisse. 


Matisse vivió durante casi toda su vida en Niza, en la Costa Azul. Al principio de su estancia, residió en primera línea de playa, en donde los contrastes de luz y sombra son continuos. Si habéis observado, se trata de un espacio en donde no hay un minuto sin que el grado tonal suba o baje.  En hoteles como El Mediterráneo, primero, en donde pintó su serie de Odaliscas, o el Hôtel Nice Beau Rivage, en donde pintó su famoso cuadro: Tempestad en Niza, reconocida su habitación por los balaustres que se atisban en la parte inferior.


Hablo de estos lugares porque son espacios marítimos, de luces, sombras y evoluciones de la luz. Son visitables. Y recomendable hacerlo. Niza es uno de los lugares más artísticos. Es difícil encontrar mejores luces y tonos en el planeta. Lo que resulta paradójico, y deja entrever al gran artista, es que, un pintor mediocre nunca se hubiera atrevido a modificar una realidad inigualable como es la marítima. Sin embargo, él entra en diálogo con la luz y su proyección, la temperatura, el grado de humedad. Hace una inmersión en los valores tonales de la atmósfera hasta dar con su canal de expresión, el fauvismo, en donde a todos estos valores han sido reducidos a un valor predominante: EL COLOR.




En el fauvismo, el sol no proyecta sombras. Y tampoco la luna. La degradación tonal no existe, de ahí la planitud de los colores. Para conseguir esos colores sin progresión de matices, sólidos, actualmente llamados colores block, el propio Matisse empezó a usar papeles coloreados con temperas. Los recortaba y así encontraba soluciones. Con esta técnica compuso su gran obra: La Danza, en donde predominan los tonos anaranjados, los azules y los verdes. Los fauvistas utilizaban una pincelada llena de vigor, tendente a lo grueso, sin matices ni gradación, en donde lo plano es la perspectiva. El término procede del crítico Luis Vauxcelles, que, al contemplar una pequeña escultura clásica de un niño, cuyo autor era Louis Marquet, y que se encontraba en el centro de la sala rodeada de los cuadros fauvistas, exclamó con sarcasmo: “Donatello entre las fieras”. La palabra Fauve significa fiera en francés. Sucedió en el Salón de Otoño de 1905. En París.

 

La acuarela, la témpera, la acuarela líquida, la tinta china o las ceras acuarelables, todas las pinturas al agua son sólo medios. Como el óleo o los acrílicos. Con ese medio se puede pintar en muchas claves. Está claro que hay un tipo de acuarela clásica, de transparencias, cielos gaseosos y barcos en donde quiero navegar. En donde navego. Pinto acuarela clásica. A veces. Pero el arte es inabarcable, y ese barco de acuarela clásica siempre está abierto a otras vías. El mar es el mismo: En este caso, la Acuarela, la témpera. Pero el rumbo cambia.

 

Hay acuarelistas ortodoxos que se resisten a salir de la línea acuarelística más clásica. Es respetable y no dejo de admirar su obra todos los días. Pero somos muchos, menos ortodoxos, los que nos abrimos a todas las aportaciones, las clásicas y las menos clásicas, y también las que aún están por llegar. Picasso pintaba con óleo, el óleo era el medio -aunque no siempre-. Y también Rubens pintaba con óleo. Uno en clave cubista, y el otro en la barroca. El medio es óleo, pero no las claves artísticas.

 

Lo mismo sucede con los acuarelables todos. Son medios. Con este medio se puede pintar en clave cubista, barroca, clasicista, naif, futurista, abstracta… Y también manierista. Nuestro tiempo es manierista. No se inventa nada. Con lo inventado, sea cual sea el medio en que cada artista se sienta cómodo, y los nuevos medios en batidora permanente, experimentamos.




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Con Dos Rombos - Novela

Treinta y siete minutos en el atasco - Novela

Bárbara de Braganza - Biografía Histórica

El Fantasma de Cervantes







Importancia del FONDO en los retratos. Acuarela.

Análisis sobre la Acuarela: Retrato de Ana y Andrés con fondo de fin de semana. Ana&Andrés watercolor portrait.

JAN VAN EYCK y VELAZQUEZ

© Macarena Márquez Jurado

Material Utilizado:

  •  Papel Guarro 240 gr.
  •   Acuarelas de tubo Sennelier Serie 2



<alt="Retrato Acuarela"/>
Retrato de Ana y Andrés con fondo de fin de semana

Se ha escrito mucho sobre la importancia del fondo en nuestras composiciones. Quiero intentar sintetizar en este primer artículo e ir a los dos puntos fundamentales a la hora de tratar este tema. Hay muchos matices que vendrán más adelante. Hoy voy a esquematizar, aplicando conceptos a esta acuarela e ilustrando sobre la base de dos obras de arte.

1.    Qué queremos resaltar.

Lo primero es elegir qué queremos resaltar, si el fondo, el retrato, o ambas cosas.  En el caso de este retrato de Ana y Andrés, he querido destacar, por un lado, la pareja que forman, pero sin olvidar que es una pareja que no se resiste al paso del tiempo en común. Por eso la he insertado en un esquema de ambiente de ocio.

Para aclarar bien esto, os remito al cuadro: El matrimonio Arnolfini, pintado por Jan van Eyck en 1434 (National Gallery, Londres). Podríamos hablar durante miles de páginas de este cuadro, pero sólo me referiré a que Van Eyck no pinta a este matrimonio con fondo neutro, sino que los inserta en su hogar, describiendo minuciosamente cada detalle que quiere resaltar, y añadiendo símbolos. Por ejemplo, en el cuadro el esposo sostiene la mano de la esposa, lo que hace referencia a la potestas, la autoridad en la casa. En cuanto a los objetos, además de estar cargados de símbolos, también reflejan el orgullo del bienestar de esta pareja. Sus muebles representan su herencia y sus logros. Ese orgullo es representativo de la incipiente burguesía flamenca de la época, una clase social nueva que se fue enriqueciendo y que empezó a adquirir obras de arte como símbolo de prosperidad. El gran historiador del arte alemán Erwin Panofsky, en su artículo: Jan van Eyck's Arnolfini Portrait (The Burlington Magazine for Connoisseurs, Vol. 64, No. 372. Mar.1934) hizo un estudio de este cuadro digno de ser leído, que aconsejo. Sólo he querido referirme aquí al hecho de: “Qué queremos resaltar”, a la hora de pintar un retrato o boceto de personas.

 

2.    Cómo lo hacemos.

Una vez que sabemos lo que queremos resaltar, procederemos a ver cómo lo hacemos. Si queremos dar importancia solo al retrato, a la esencia y sustancia del retratado, podremos elegir un fondo neutro, nada estridente, que no entretenga la atención de lo esencial. Pero si lo que queremos es reflejar el carácter social o ambiental del retratado, trataremos el fondo con especial atención, llevando a quienes observan nuestra obra a donde nosotros queremos.

Cuando pintamos, es el artista el que le pone el punto de vista al espectador. No olvidemos esto.  Al observar el retrato de Inocencio X de Velázquez (Galería Doria Pamphili, Roma), no somos nosotros -espectadores- quienes decidimos el punto de vista de la obra de arte, sino Velázquez – artista-, que en 1650 decidió pintar una mirada inteligente y turbadora que nos perseguiría a lo largo del espacio mientras observamos. ¿Sómos nosotros quienes nos acercamos o alejamos imponiendo así nuestro punto de vista, o fue Velázquez quien dejó inscrito para la posteridad cuál era el punto de vista?

Esto es algo que siempre hay que tener presente, sea en nuestro nivel o en el nivel que sea. No es el espectador el que determina el punto de vista, somos nosotros quienes guiamos al espectador hacia dónde tiene que mirar. Los historiadores del arte, estudiosos, aficionados, espectadores y turistas sensibles, sabemos que adentrarse en el cuadro de un maestro es ver a través de un artista, entrar en el sancta sanctorum de su atelier más profundo. Somos dirigidos por el artista, incluso cuando hay multipunto de vista, o sencillamente no lo hay.

Pasando al nivel sencillo de esta acuarela, en el humilde caso de este ejemplo propio, he querido resaltar el carácter de esta pareja como pareja con vida al margen del trabajo, por eso decidí desde el principio insertarlos delante de unas botellas y de un jamón serrano -pongo serrano porque nos leen no sólo en España-. La franja del fondo no es más que una síntesis del ambiente alegre de fin de semana, al que esta pareja no renuncia después de muchos años. Creo que ese no renunciar a la alegría del fin de semana, cuando se trabaja y se lleva muchos años juntos, es un éxito y así los he querido retratar, o más bien abocetar. La franja del fondo también condensa algunas conversaciones sobre jamón serrano que, siempre antes de las navidades, tuve con mi compañera: Ana Reques en momentos de calma laboral.

De una forma muy esquemática, este es el resumen de los dos puntos fundamentales a la hora de elegir fondo para nuestros retratados. Son elementos mínimos que también los fotógrafos conocen. Saben que, si retratan sobre una pared de cal blanca, el resultado será esencialmente retrato, y que, si el fondo es azul, traeremos a un primer plano mucho más próximo al retratado por una cuestión de longitud de onda.


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Collage con Acuarela

Si el lugar te parece oscuro, pinta una lámpara. Macarena Márquez.


Busqué el periódico por todos lados. Lo quería en papel para proteger la vista, mi más eficaz ventana al mundo. Ese día no quería leer en digital. Pero no tenía un quiosco ni una tienda de prensa cerca, así que me lo inventé. Lo pinté. Y también encendí mi lamparita, a pesar de que la tenía a 700 Kms.

¡Para un pintor todo es posible!

Material empleado:

Papel para Acuarela de gramaje 300g/m2. Grano grueso. Medio pliego.42x59 cm.
Spray Adhesivo Reposicionable
Cutter
Papel de periódico/revistas

Acuarela en pastilla:
Amarillo Cadmio Claro – Cadmium Yellow Pale Hue
Siena Tostada – Burnt Sienna
Ocre Amarillo – Yellow Ochre
Sombra Tostada – Burnt Umber
Carmín de Alizarina – Alizarin Crimson Hue
Azul Ultramar Oscuro- Ultramarine Deep
Azul Ultramar Claro - Ultramarine Light
Gris Payne – Payne´s Grey
Plata – Acuarela metálica - Silver (para firmas)
Café soluble: Nescafé Descafeinado

Pinceles:
Plano del 10, 12, 20, 24
Redondos del 18
Rigger

Collage con Acuarela - EL PAÍS

Por favor no me posicionéis por leer un periódico. Eso es muy fácil. Pero simplista. Este periódico me gusta. Me empecé a desarrollar como persona al mismo tiempo que él como periódico. Crecimos y crecemos juntos. Solo eso. Con todo, no es algo estanco. Los únicos compartimentos estancos en los que me gusta verme son los pocillos de los colores de acuarelas.

Imaginé mi rincón, con su lámpara roja encendida y una cabeza de Atenea de terracota que me traje de Roma medio saliendo de la penumbra. La lamparita iluminaba de forma precubista parte del espacio. Y eso reproduje: La atmósfera, el espacio que se concentra en torno a esa luz de siempre.

En este tipo de pintura no es el realismo lo que prima, sino la temperatura, el ambiente que quise traer hasta mí.

Es un ejercicio que aconsejo. Si algo os gusta, si de vez en cuando os ensoñáis con una o mil imágenes -a cualquier artista visual le sucede-, traedla a vosotros, plasmar esa ensoñación sin poneros barreras, tal y como sale. No tened miedo a que guste o no, a que os encasillen o no. Sed libres para pintar.

Proceso

1.     Dibujar en cuatro líneas nuestra composición situando objetos y teniendo en cuenta las luces. La línea de luz que irradia la lámpara está dibujada desde el principio. Sabía lo que quería ver.

2.    Pintar la cabeza de Atenea con Ocre Amarillo y Siena Tostada. Una vez seca, daremos una segunda capa, pero ya sólo en la parte de la cabeza que queda en la sombra. Aquí aplicaremos Sombra Tostada.

3.    Recortamos con un cutter un trozo de texto y lo pegamos con pegamento en spray. No pegar con otro tipo de pegamento, porque dejará bolsas. Lo recomiendo para todo tipo de collage.

4.    Damos una veladura de gris formado con Azul Ultramar y Siena tostada a parte del texto.

5.    A mano alzada, con pincel, pintamos las letras del logotipo, en este caso El País, con Gris Payne. No es un diseño, es una composición libre basada en el periódico realizada con acuarela, por lo que no quiero copiar exactamente. Las he recreado sin apartarme de su entidad de su self, que me encanta.

6.    Con Nescafé, al que añadiremos unas gotas de agua y un poco de Amarillo, daremos una primera capa a todo el pie de la lámpara.

7.    Con Amarillo Cadmio Claro daremos una veladura muy aguada a la parte superior de la pantalla de la lámpara. Dejar secar perfectamente.

8.   Con Carmín de Alizarina, pintaremos la pantalla. La parte central tiene una capa menos de Carmín, como se puede observar.




Collage con Acuarela. Detalle. www.macuarela.com


9.    Mientras seca, hacer un gris bastante saturado con Azul Ultramar y Siena Tostada. Hacer bastante cantidad en este caso, pues estamos trabajando en medio pliego, la superficie es amplia, y no nos gustaría quedarnos sin pintura a mitad de veladura. Aplicar por encima incluso de la cabeza de Atenea (sólo la parte que queda en penumbra) Al dar la pincelada de una veladura, no es bueno titubear. Dad con seguridad.

10  Volver a aplicar Nescafé con escasa agua en las pinceladas del cuadrado frontal del pie de lámpara tal y como se observa en la imagen.

11.  Volver a aplicar ese mismo Nescafé sobre el carmín de la pantalla. En los laterales, lleva más de una capa. Dejar secar perfectamente.

12.  Pintar el cable de la lámpara con Gris Payne. Son dos capas. Dejar blancos entre el cable y el pie de lámpara. Es un recurso muy acuarelístico con resultados muy impactantes.

13.  Pintar la parte izquierda al lado de la lámpara con Azul Ultramar Oscuro, al que se le ha añadido una gota -mínima- de carmín, y una gota -también mínima-, de Siena Tostada.

14.  Dibujar con pincel redondo del 6 las líneas que podéis observar. Lo he hecho con Sombra Tostada.

15.  Antes de firmar comprobé que me había caído dos gotas de agua sobre la zona de penumbra superior. Quedaban bien, así que no hice nada por arreglar. Hay que dejar que agua y colores nos sorprendan. Eso siempre.

16.  Firmad

¡Ya lo tenemos!

Si vuestro rincón de lectura no viene a vosotros, id vosotros a él.

Qué es la BICROMÍA en Acuarela

Bicromía.

Mujeres de Tahití de Gauguin por Julio Sendino


Lo primero, tendríamos que preguntarnos: ¿Qué es bicromía?


La RAE define el término como: Impresión a dos colores, y, ateniéndome a esta definición, os propongo un ejercicio, que, aunque os pueda parecer simple, es todo un EJERCICIO con mayúsculas con el que aprenderéis a reducir colores, planos y luces y acrecentaréis vuestra capacidad creativa. Y, si no, que se lo digan a Julio Sendino, pintor contemporáneo vallisoletano del que os dejo su página web y al que os animo a seguir.

Conocí a Julio en el año 2010 en Valladolid. Yo daba clases especializadas de Acuarela y él vino a apuntarse. Allí entré en contacto con personas que no he olvidado, con artistas que ahora tienen la pintura a la Acuarela como línea de expresión, algunas de ellas de una talla considerable en un mundo muy competitivo. De todos ellos me siento orgullosa. 

<alt="Bicromia"/>
Mujeres de Tahití de Paul Gauguin - Versión en Acuarela de Julio Sendino

Pero estaba hablando de Sendino.

El vino a mis clases como alumno. Hasta aquí, pintaba óleos y era autodidacta.

Nada más observar sus primeras acuarelas, siendo una persona de las que podrían abundar más, que nada en el silencio, sin andantes maestosos de ningún tipo pudiéndoselos permitir, me di cuenta de que tenía que crear para él un guion especial, que se saliera de la línea habitual de enseñanza del método de la Acuarela. Estaba ante todo un artista. Y un artista que sabía llegaría lejos, como así está siendo y será.

Lo más curioso es que el primer día le mandé este ejercicio, que os muestro, todos los alumnos intentaban transcribir -en clave de acuarela- el óleo de Paul Gauguín: Las mujeres de Tahití. Transcribir un óleo al lenguaje de la Acuarela no es tarea fácil. El óleo es todo un universo de colores no traslucidos, que se trabajan y rebajan con blanco, sobre los que se puede insistir sin temor a estropear por tener un tiempo de secado considerable. La acuarela, por el contrario, es otro mundo, en el que, o no se trabaja con blanco -la luz es el blanco del papel-, o se trabaja con blanco mínimamente. Además, al pintar con acuarela, como el soporte es papel, aunque sea de alto gramaje no se puede insistir.

Por tanto, mis queridos alumnos estaban aquel día en esa dificultad de transcribir, pero en multicolor.

Cuando llegué al sitio de Sendino, él no hacía nada. Había dibujado, pero sin atreverse a empezar. La mayoría había comenzado a trabajar, sobre todo los de nivel menor en esta técnica. La ignorancia siempre es atrevida. Y me encanta, porque ese atrevimiento es lo que nos hace pasar a un nivel superior en todas las facetas de la vida.

Cogí la pequeña caja de acuarelas de Sendino e hice que la guardara. Dejé en su mesa solo dos pastillas: El Azul Ultramar y el Siena Tostada.

Le dije:

Tienes que traducir el colorido de este cuadro de Gauguin a bicromía. Con solo dos colores, sin blanco y, a base de transparencias, deberás conseguir pintar este cuadro y que sigamos en la playa.


Mujeres de Tahití - Paul Gauguin

Julio se quedó callado. Pero no alegó ninguna dificultad. A pesar de empezar con el mundo de la acuarela, se puso a ello.

El resultado lo tenéis aquí.

El ordenador puede reducir a grises, pero no con esta sutilidad de tonos, con este arte y esta personalidad artística de música callada -como decía Juan de la Cruz- de Julio Sendino. Es un orgullo que tus alumnos te enseñen. Le he pedido a Sendino que me conceda una entrevista en que nos cuente su experiencia actual. Julio está trabajando y descubriendo la encáustica, una técnica milenaria elaborada con cera de abeja de la que espero nos hable pronto.

Material empleado:

Papel para Acuarela de gramaje 160g/m2. 14,8x21 cm.

Acuarela en pastilla:


Siena Tostada – Burnt Sienna

AzulUltramar Claro - Ultramarine Light

Pinceles:

        Plano del 10

        Redondos del 4, 6 y 8

        Rigger

Gracias, Julio Sendino, por haber podido abrirte la puerta al universo watercolor, y también por ser ahora tu aprendiz, aunque sea en la distancia. Te sigo. Y os animo a hacerlo. A veces tenemos la suerte, aunque no caigamos en la cuenta, de tener entre nosotros a un artista grande en desarrollo.

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El Fantasma de Cervantes


Qué es un CUADERNO DE VIAJE de acuarela y por dónde empezar

El cuaderno de viaje es una especie de diario de a bordo artesano en el que el capitán es el artista. Une literatura e imagen, y, aunque para crearlo y recrearlo se pueden utilizar muchas técnicas, los acuarelables son los idóneos.

Llevar una pequeña caja de acuarelas en un bolsillo, algunos pinceles, bolígrafos de tinta, algún tubo de gouache y el cuaderno en sí, es algo que no ocupa lugar. En cuanto al agua, todo acuarelista que viaje sabe que es posible tener siempre agua limpia a mano, aunque no se disponga de grifo. El secreto está en llevar dos pequeños botes que cierren bien. Uno siempre será para limpiar pinceles, y otro para aplicar agua limpia. La limpieza, en la técnica de acuarela es imprescindible. ¿No llevamos siempre la botella de agua encima? Pues para desarrollar un cuaderno de viaje, llevaremos dos pequeños botecitos, que pesan menos.

 A partir de aquí, todo es empezar.

<alt="Empezar un cuaderno de viaje"/>

Cuadernos de Viaje. Macarena Márquez. www.macuarela.com




Material empleado:

Cuaderno de Viaje. Hay muchos, de muchos gramajes y calidades. En este caso he utilizado uno que recomiendo para empezar. Más abajo explico la razón de elegirlo si aun no eres un acuarelista experto. Bloc encuadernado con gusanillo - Papel cartridge - 170 gsm -  Artway Enviro - 35 hojas - Apaisado

Gouache:

Blanco – White

Rojo Bermellón - Vermilion

Tinta China:

Negro – Schwarz

Acuarela en pastilla:

          Winsor & Newton - Caja de acuarela Sketcher Cotman – 12 medio godets - Paleta básica caja de 12 colores

Pinceles:

pinceles redondos del 12, 10, 6, 2, 1

pinceles de agua  Preparé azul cerúleo

Roller Pen de Tinta Líquida resistentes al agua:

De punta redonda y plana. Números: 0.2, 0.5 y 0.7




 

Yo recomiendo empezar con un cuaderno de espiral, los hay preciosos y de una calidad inestimable. Los precios, como en todo, también los hay variados, pero no hay que asustarse, el tipo medio es muy asequible. Recomiendo empezar con este tipo de cuaderno de tapa dura por varios factores, porque cada hoja tendrá un desarrollo y no nos descentraremos, pero también porque, si no nos gusta lo que está sucediendo en nuestro papel, lo que es normal, sobre todo cuando se está empezando, podemos arrancar la hoja sin temor a estropear el cuaderno.

 

Después de dos o tres cuadernos, ya podremos elegir cualquier tipo entre toda la oferta del mercado. Los expertos en cuaderno de viaje prefieren los que no tienen espiral, lo que también tiene un sentido concreto. Este tipo de cuaderno, al abrir, ya sea encolado o incluso grapado al centro, no tiene salto entre una hoja y otra. Imaginemos un periódico abierto, ese será nuestro cuaderno, y podremos pintar en el centro de las dos páginas siempre que nos convenga para los textos narrativos, o por la propia importancia que queramos dar a la imagen.

 

Se trata de dar contenido a nuestras visitas, plasmar aquello que nos ha llamado la atención, o dejar inmortalizado un punto de luz y temperatura que nos hizo feliz, o incluso menos feliz, pero fue importante. No todo lo bello es alegre.

 

La fotografía tiene su lugar. Incluso nos valdremos de ella cuando lleguemos a nuestro hotel o apartamento. Sería muy bonito pintar in situ, pero no siempre es posible. Por tanto, la fotografía será nuestra herramienta, en donde nos apoyaremos para transferir algo más. Cuando llegamos de un viaje a menudo nos encontramos con miles de fotografías repetidas, malas, buenas y buenísimas. También malísimas. La mayoría de las veces, no hablo de fotógrafos profesionales o aficionados con técnica y arte, no nos acordamos de seleccionar lo bueno y acabamos acumulando material digital que dejaremos en herencia a nuestros descendientes, y que estos, seguramente, no verán. No lo hacemos ni siquiera nosotros, que hicimos las fotos.

  

En cambio, un cuaderno de viaje es una semblanza propia. En ella mostraremos, no el viaje de la guía de turno, sino nuestro viaje, nuestras simpatías y antipatías, lo que nos hace felices o nos crea conciencia de belleza, de estabilidad y equilibrio. Y dibujaremos y pintaremos montañas, catedrales, mares, trenes, arte, música, Y también a quienes amamos y nunca olvidaremos. Y, además, lo dejaremos ahí para siempre. Casi seguro que no irá a la papelera, desde luego no irá a la papelera de nuestro ordenador porque se trata de un cuaderno, y de un cuaderno joya que, bien realizado, o más de principiante, se rifarán nuestros hijos o amigos cuando ya no estemos.

 

Podría hablaros de la historia de estos cuadernos, pero este post es solo de iniciación. Habrá más. En la muestra tan sólo he escrito a pincel. Un placer que hemos olvidado. Digitar es rápido, y si no que me lo digan a mí, que también escribo. Con todo, coger un pincel, cargarlo de pintura y deleitarnos en ello es entrar en el mundo de la conciencia plena del arte.

  

<alt="Escribir con acuarela"/>

No olvidemos lo esencial:

 

Lo importante de estos cuadernos es pintar lo que la fotografía no ve.

 

Ve mirando en cuál de ellos vas a empezar a plasmar esto último que acabo de decir. 


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