Monocromía - Cine y Acuarela: El cabo del Miedo. 1962. J.Lee Thompson.

Este artículo trata de la relación directa entre arte plástico -en este caso acuarela- y cine. Los directores cinematográficos, los de fotografía, llegan más lejos cuanto más saben de arte, y lo mismo sucede con cualquier artista plástico, que se nutre de la realidad circundante. Mientras más sepa acerca de la técnica cinematográfica y sea capaz de observar la realidad como un director de fotografía, mas allá podrá llegar en su obra.  

Eso me pasó a mí con esta acuarela, que parte del mundo del cine.

© Macarena Márquez Jurado

 

Si tuviera que reducir esta escena de la película "Cape Fear" a una frase, diría que Leavitt me dejó la luz, como si se pudiera coger con la mano. 

Macarena Márquez

  

Estaba viendo una serie de clásicos del cine en Filmin, en concreto una película estadounidense llamada: Cape Fear rodada en 1962. El director es J. Lee Thompson y está basada en una novela de John D. MacDonald.

La película atrapa. Es un thriller psicológico en el que el abogado, Sam Bowden, pierde la paz de su vida, cuando un criminal sale de la cárcel después de haber cumplido ocho años de condena. El criminal, Max Cady, está representado por Robert Mitchum en un papel inolvidable. La música fue dirigida y compuesta por Bernard Herrmann, quien, al año siguiente, en 1963, pondría música también a la mítica película: Los Pájaros, de Alfred Hitchcock y en 1976 a Taxi Driver. Imposible no recordar: The Main Theme, de Taxi Driver.

De la película Cape Fear. J. Lee Thompson. Acuarela: Macarena Márquez

El Cabo del Miedo, Cape Fear, fue llevada posteriormente al cine por Martin Scorsese en 1991. En la versión de Scorsese, el papel de Max Cady lo inmortalizaría Robert de Niro, aunque prefiero el estilo Mitchum.

Pero volvamos a la versión de 1962, en blanco y negro. Aunque está considerada como un clásico, hay críticos de cine que no le dan la excelencia absoluta, salvo a la actuación de Robert Mitchum, que mantiene en tensión al espectador desde que entra en juego. La fotografía, en blanco y negro, fue lo que a mí más me llamó la atención de esta película. Los contrastes, poderosos, sin grandes matices, con claroscuros en bloque que parecen sacados del barroco italiano más grandilocuente, me tenían con los ojos bien abiertos a lo largo de toda la película.

El director de fotografía, Sam Leavitt, utiliza en esta película luces de alto rendimiento, lo que produce contrastes sin tregua. El efecto de oscuridad lo obtiene a base de mucha luz. Todo ello se basa en el principio de que no hay luz sin sombra. Lo mismo sucede cuando pintamos. Si esbozamos una figura en la arena cuya sombra proyectada apenas produce contraste, es que el sol no irradia luz de mediodía, ni de estío. O que, simplemente, está nublado. Cuando el sol es nítido y abrasa, la sombra que proyectan los cuerpos es muy oscura. Esos contrastes de alto voltaje utilizados por Leavitt contribuyen a algunos ambientes de sobresalto, de miedo.

Y no digamos ya con las escenas de exterior. El claroscuro es de tal potencia, que tuve que parar la película varias veces para poder deleitarme. Me dejó tan fascinada esta escena de exterior, que la reproduje con acuarela, algo distorsionada en los personajes, pero con la misma vibración de luz que el efecto de Leavitt produjo en mí.

Decidí trabajar en monocromo. Podía haber traducido a colores. Pero ya no hubiera tenido el mismo efectismo.

Material empleado:

Cuaderno de bocetos: Algodón 100% 21,5X21,5. 300 g/m2

Acuarelas de tubo: Azul Ultramar

Tinta china: Azul Ultramar

Pinceles:

Redondos del 2, 4, 6 y 18

Plano del 10

Roller Pen de Tinta Líquida resistentes al agua:

        Signo. Pigment Ink White. Mitsubishi Pencil. Co. Ltd.

Roller Pen water and fade proof. Pigment Ink

        Uni Pin Fine Line 0.4    

Lápiz: Portaminas 2HB

Goma de borrar de miga de pan

 

La falta de sutilidad en los matices, la ausencia de valores medios en el tono, contribuyen a ese efecto de calor sin humedad, de luz de verano vibrante. Me encanta esa época, los sweter de rayas, los zapatos blancos, la estética de los sesenta. Le pasa a mucha gente, y es porque somos muchos los nacidos en esa década.

Las primeras imágenes, la moda, las fotos, el cine, la música, todo lo que entra por nuestros sentidos en los primeros años de nuestra vida es de un valor inconmensurable, que a veces no sabemos descifrar, al menos no hasta que somos adultos y ciertas imágenes nos devuelven lo que algún día nos deleitó sin palabras. Quizá esto se produce porque en los primeros años de vida sólo tenemos capacidad para percibir, para dejarnos impactar por el mundo circundante, sin explicaciones, sin raciocinios ni metáforas, sin definiciones.

Después vino el color. Y para eso tenemos toda la paleta y su combinatoria. Pero trabajar en monocromo tiene sus atractivos, porque la sensación al ver esa película, la luz que te queda, racional y sin artificios, no puede ni debe ser traducida al mundo technicolor. Reducir la realidad a un solo color tiene un valor de síntesis, de concretar la luz y sus efectos. 

Si tuviera que reducir esta escena a una frase, diría que Leavitt me dejó la luz, como si se pudiera coger con la mano.

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El Fantasma de Cervantes

 

Qué es el punto de vista cenital. Aplicación en el boceto de acuarela.

Este artículo explica qué es el punto de vista cenital en la pintura de boceto y de cómo los sketcher y acuarelistas de campo actuales, han llegado a seleccionar este punto de vista como uno de sus favoritos para realizar sus composiciones. No es algo fortuito. Tiene una razón de largo desarrollo que se explica a continuación. 

Gracias a Google Earth.
Y al esfuerzo colectivo que nos ha hecho llegar aquí.

 

 © Macarena Márquez Jurado

El punto de vista cenital es aquel que sitúa el punto de fuga en el plano superior al objeto pintado. Es un punto de vista que tiene un desarrollo histórico en el Arte, empezando por una necesidad estratégica militar, siguiendo con la invención del globo aerostático y alcanzado su máximo desarrollo a partir de la fotografía.

 El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina. Autor: Utagawa Hiroshige. 1857.
Museo Brooklyn. Nueva York. 

El final de la maravillosa película que se llama Google Earth, programa que cualquiera puede instalarse en su ordenador, empieza en el origen de la fotografía aérea. Dicha fotografía, como tantas otras cosas, nace por la necesidad estratégica militar de conocer mapas, terrenos y bases en donde establecerse. Con todo, quien ha pasado a la historia por concretar este hecho de tomar fotografías desde lo alto es Gaspar Felix Tournachon, más conocido como Nadar. Cuando él nació en Paris en 1820, ese deseo estaba en el magma de los deseos del imaginario colectivo, con todo, fue este aeronauta, periodista y grandísimo fotógrafo, quien lo llevó a cabo.

El efecto Google Earth en el boceto - Macarena Márquez

Pero no sólo fue este descubrimiento ejercido desde globo aerostático el que contribuyó al cambio de perspectivas. También tiene que ver la renuncia a la visión real en tres dimensiones que ejercieron pintores como el gran Cezanne o Gauguin. Gauguin y los pintores postimpresionistas fueron  aficionados a la pintura japonesa. Conocían la obra de Katsushika Hokusai, autor de: La gran ola de Kanagawa. También de otros autores, cuyas estampas llegaron a Paris a mediados de siglo XIX. El arte japonés se difundió a través de las Exposiciones Universales de la época, como la de París de 1867.

 

El punto de vista superior en el boceto - Macarena Márquez

La llamada “perspectiva japonesa” muestra la realidad de otra forma, con un punto de vista desde arriba que, hasta entonces, no había calado del todo en la Historia del Arte europea. Pongo como ejemplo una preciosa pintura de Utagawa Hiroshige: El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina para comprender la importancia de esta influencia. Esta obra, realizada con técnica xilográfica, que se puede contemplar en el Museo Brooklyn de Nueva York, fue realizada en 1857. Su calado fue tan importante que Vincent Van Gogh la copió en 1887 bajo el título: Puente bajo la lluvia. Sobre Utagawa Hiroshige, dejo aquí la referencia de un libro precioso, que aclara la importancia de este pintor, hasta el punto de que ha sido punto de referencia para fotógrafos, cineastas e ilustradores. Se llama: 36 VISTAS DEL MONTE FUJI POR HOKUSAI y HIROSHIGE. El autor es Souso Morelo.  Y está editado por THE GALOBART BOOKS. 

Portada del Libro: 36 VISTAS DEL MONTE FUJI POR HOKUSAI y HIROSHIGE (ILUSTRADO)  De Souso Mourelo. Ed. The Galobart Books

 El puente Ōhashi en Atake bajo una lluvia repentina. Autor: Utagawa Hiroshige. 1857.
Museo Brooklyn. Nueva York. 

Como se puede observar en la imagen, la perspectiva isométrica utilizada por los japoneses no tenía en cuenta el punto de fuga y el infinito de líneas que se estrechan hacia el fondo. Es una perspectiva en la que las paralelas se mantienen equidistantes, lo que quiere decir que, si tomamos como ejemplo unas vías de tren que se alejan hacia el fondo, la perspectiva clásica occidental las pintaría con los raíles en triangulo, más cercanos entre ellos cuanto más al fondo, para simular lejanía. Además, cuando utiliza la visión elevada, el occidental aminorará las figuras cuanto más lejos se hagan las tomas. La razón estriba en el principio de tridimensionalidad universal llevado a la bidimensionalidad del papel o soporte sobre el que se trabaja. En cambio, con el punto de vista japonés, eso se hará, o no. Hay veces en que los artistas japoneses reflejan la realidad desde arriba sin tener en cuenta aminorar las figuras para simular que están lejos del espectador.

 

Todo esto lo digo porque en el momento presente existe fascinación generalizada por las composiciones desde arriba - o desde abajo- , me incluyo aquí porque considero este punto de vista el más artístico de todos. Pero esto no es una invención del siglo XXI. Estamos en el final de un desarrollo en el que intervienen, como vemos, múltiples factores. Ahora observamos el mundo desde arriba con naturalidad. Es el punto de vista divino, y a todos nos seduce. Pero no hay que olvidar la progresión de todo esto.

 

El gran fotógrafo Nadar hacía tomas desde su globo sobre los cielos de Paris y sus entornos. Ahora se hacen desde un avión, desde helicópteros o drones, y, si nos vamos más arriba, desde naves espaciales y satélites. Cada vez vamos siendo más pequeños.

 

No olvidemos en todo este desarrollo, que culmina en una moda maravillosa – el universo Internet está plagado de pinturas con punto de vista desde arriba -, el esfuerzo colectivo y el influjo de unas culturas en otras, unas formas de ver y plasmar la realidad diferentes que se van incardinando hasta llegar al cubismo y estilos posteriores.

 

Van Gogh pintando girasoles ( Arlés 1888) Autor: Paul Gauguin
Museo van Gogh, Amsterdam

Para comprender por qué pintamos así, hay que tener presente esa evolución de perspectivas, el cambio en los puntos de fuga y en los puntos de mira traspasados al mundo del arte. Para llegar a esta corriente, en la que están nuestros pequeños bocetos con acuarela, hay todo un recorrido en el que se han embarcado muchas personas: artistas, ingenieros, fotógrafos, militares o pilotos. Todos ellos tuvieron antes que nosotros la audacia de sobrevolarnos. Empezando por las necesidades militares, siguiendo por Nadar y su globo: El Gigante, continuando con los japoneses y su modo de plasmar la realidad desde arriba, con Manet y Cezanne, a quienes les gustaba esa forma de mirar y que la hicieron suya, con Gauguin que supo plasmarla a la perfección, con Van Gogh que la copió, e incluso la mejoró, con el personaje de Heidi de los dibujos animados corriendo por los Alpes solo con su cabeza y un minúsculo atisbo de sus pies, con Amenábar reduciendo la refinada sociedad de Alejandría, y a Hipatia, a un grupo de hormigas vistas desde Marte, y aun más allá, con el esfuerzo aeroespacial que hoy nos devuelve el mundo en miniatura. Terminando este desarrollo -o quizá comenzando una nueva entrega- está Google Earth, que resume, focaliza desde arriba y sintetiza el planeta, que nos ofrece los ojos de Dios, que todo lo ven. Desde arriba. Tal y como ahora nos gusta pintar.

 

Aquí os dejo este boceto con acuarela.  He utilizado rotuladores de acuarela de doble punta y también acuarela en pastilla. Mi dron solo alcanza 60 centímetros. Son mi cuaderno y mis brazos. Como mucho.

 

La playa me gusta de todas formas. También desde arriba.

Cuaderno de bocetos: Strathmore  

Strathmore 467-5, Álbum Watercolor 400 Series, Blanco Nat, Papel, 48 paginas - 21.6 x14

Acuarelas en pastilla

Pinceles:

Redondos del 2, 4, 6 y 18

Plano del 10

Roller Pen de Tinta Líquida resistentes al agua:

        

Uni-Ball Mitsubishi Pencil – 3 bolígrafos de tinta gel Signo blanco – Punta 0,7 mm – Escritura mediana – Roller Fantasía para Ocio Creativo y Carterie

Roller Pen water and fade proof. Pigment Ink

        Uni Pin Fine Line 0.4    

Rotuladores de Acuarela Lyra – Aqua Brush duo

        Color Light Blue

Lápiz: Portaminas 2HB

Goma de borrar de miga de pan

 

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EL VERDE HOOKER - HOOKER´S GREEN

En este artículo se explica todo sobre el color Verde Hooker:  Su evolución a lo largo de la Historia del Arte. Su uso en Acuarela con ejemplos prácticos. 

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com

Índice Internacional de los Colores.

Número IC:  PG7/PY150

Descripción Química: Chlorinated copper phthalocyanine/nickel azomethine yellow

Nombre: Verde Hooker

Conociendo la obra de este ilustrador botánico, al cargar verde en nuestro pincel haremos del acto de pintar algo más pleno. La Historia es necesaria para tomar conciencia de cualquiera de nuestros actos, pequeños o grandes. Macarena Márquez

Verde Hooker - Hooker´s Green - Ilustración de Macarena Márquez

Entre todos los verdes de un acuarelista, habrá uno que no faltará, el Verde de Hooker. Este color toma el nombre del ilustrador botánico, William Hooker, al que no hay que confundir con otro gran botánico de su mismo nombre, Sir William Jackson Hooker.  El segundo llegó a la fama porque fue director del Jardín Botánico de Kew. Tenía un herbario conocido a nivel internacional y era escritor científico y colaborador de publicaciones como la Revista Botánica de Curtis, cuyos textos se acompañaban de ilustraciones. Dichas ilustraciones, inicialmente, se coloreaban de forma manual y eran el documento gráfico de las explicaciones acerca de cada planta. Para poder hacernos idea de la importancia de esta revista, hay que decir que se hacían tiradas de 3000 ejemplares, lo cual, en aquella época era un triunfo.  Pensemos que el periódico The Sun, en la segunda década del siglo XIX, tiraba 5000 ejemplares, a lo que se añade que la Revista Botánica de Curtis era una publicación para especialistas, destinada a los amantes de la Botánica del siglo XIX. Con todo, también es recomendable en la actualidad para todos aquellos que quieran ver las ilustraciones coloreadas de la época. Pueden verse en un ejemplar escaneado por la BHL (Biodiversity Heritage Library)

En 1820, William fue nombrado catedrático de Botánica de la Universidad de Glasgow y en 1841 director del Jardín Botánico de Kew.  Por todo ello, a menudo se piensa, y así está reflejado en algunos artículos que corren por la estratosfera Internet, que el inventor es él.

Pero es un error.

A pesar de sus contribuciones a la botánica y de su trabajo también como ilustrador: Las ilustraciones de las plantas, una serie de libros de ilustración botánica recopilatorio del herbario por él creado, no es el inventor del verde que lleva su apellido. 

El inventor fue el otro William Hooker, nacido en 1779 y fallecido en 1832, también ilustrador británico que llegó a desempeñar el cargo de artista oficial de La Sociedad de Horticultura Británica. El ilustró sus publicaciones, y muchos otros recopilatorios botánicos como Hooker's Finest Fruits. Este William Hooker, el creador del color, está considerado como uno de los más grandes ilustradores pomológicos que han existido. En 1818 publicó la obra: Podoma Londinensis, libro que contiene ilustraciones muy copiadas por su inigualable belleza, además del valor botánico. Se puede ver en Google Books. Es toda una escuela de aprendizaje en el arte de la ilustración botánica, y del verde en cuestión.

Como ilustrador botánico que da nombre a un color, lo que buscaba Hooker  era obtener un tono básico para sus contribuciones editoriales, y ėsta es la base comprensible del verde en estudio. Se trata de un verde profundo, algo apagado, opaco, pero muy versátil para mezclas. Lo empezó a utilizar para ilustrar hojas de plantas, tallos, nogales y crisantemos, pero también frutas como los pomelos o las manzanas. Llegaría a ser un verde tan sutil, que que se vería en casi todas las pinturas de paisaje del siglo XIX, sobre todo en las de mediados y segunda mitad del XIX. Si buscamos cuadros de Carlos de Haes, por ejemplo, podremos encontrar este color en muchas de sus obras. 

Aunque él encontró su verde a partir de mezclar Gamboye y Azul de Prusia, el color histórico más parecido se hace con Azul Hierro (PB27) y Amarillo de níquel (PY150) y es algo más oscuro y menos brillante que los actuales.

Acerca del Índice Internacional de los Colores, el nombre y número IC de este color consta de dos pigmentos. Al ser un verde, es un color secundario, por lo que en su composición hay más de un color: uno azul y otro amarillo.

Creo que es importante que sepamos leer bien estas referencias, que vienen en todos los botes, sean de la marca que sea o en el formato y soporte que sea: acuarela líquida, en pastilla o tubo.

El verde Hooker se nombra PG7/PY150.

Esto se traduce así: PG 7 quiere decir: Pigmento Verde Green núm. 7 y PG 150: Pigmento Amarillo-Yellow núm. 150.

El PG 7, es el color Verde de Ftalocianina + El PG 150 es el color Amarillo Níquel de Azo.

Podemos encontrar otros Verde Hooker, dependiendo de que lleven en su composición un amarillo u otro. Así sucede, por ejemplo, con el verde: PG 7/PY 154. Quiere decir que es un Hooker, con Verde de Ftalocianina, pero su amarillo ha cambiado, es el Amarillo de Bencimidazolona.

En la siguiente ilustración queda claro de qué se compone este color.

Formación del Verde Hooker. Ilustración de Macarena Márquez

Esto es muy importante. Si aprendemos a traducir la numeración de los colores, podremos comprar cualquier marca de acuarela -muchas de ellas de excelente calidad-, sin llevarnos sorpresas cuando vamos a pintar nuestro césped o nuestras ilustraciones botánicas, las plantas, los árboles, las praderas y bosques. Gran parte del planeta es verde.

Todas las marcas tienen inscrita esta numeración, por lo que os animo a aprender a descifrar el código. De esta forma elegiremos de una forma un poco profesional.  El verdadero pigmento, en acuarela, no se conoce realmente hasta que hacemos pruebas sobre papel con pincel y agua. Hasta ese instante, no sabemos con precisión el alcance de nuestro pigmento.  Para oscurecer este color, podemos hacerlo con una punta de carmín, o con gris de Payne, pero muy poco. Otra cosa que hay que tener en cuenta con este color es que pierde saturación, y mucha, al secar. Esto quiere decir que cuando pintamos, lo que nos parece un verde muy profundo y oscuro, al secar pierde estos dos valores, aclarando más de lo que quisiéramos.

En las muestras siguientes se puede ver el resultado de mezclar Intense Blue (Azul Intenso) con Verde Hooker Oscuro. El resultado son ciertos tonos marítimos muy profundos. En cuanto a la suma de Amarillo Limón con Hooker es un verde de césped o pradera en verano, de limón virgen. Y animo a probar la mezcla de Verde Hooker con Violeta. El resultado es un gris acerado muy interesante.

Verde Hooker + Azul Intenso

Verde Hooker + Amarillo Limón

Como siempre, animo a todos a hacer pruebas, ya que el Verde de Hooker con Bermellón, poniendo otro ejemplo, da como resultado un gris muy profundo, de olivar en la lejanía, que también es digno de ser considerado y a mí me encanta.

Bermellón + Verde Hooker

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Los pinceles de la Reina Victoria de Inglaterra

En este artículo se profundiza en la historia de los pinceles Serie 7 de la casa Winsor & Newton. Esta serie fue creada en 1866 para la Reina Victoria de Inglaterra. Son de extrema calidad y siguen fabricándose de forma artesana.

Al firmar cada pincel, el artesano que trabaja para un artista se convierte a su vez en artista. Macarena Márquez.

© Macarena Márquez Jurado

Foto 1 - Pinceles SERIE 7 Winsor&Newton
Acuarela sobre papel negro de Macarena Márquez

Material empleado:

Sobre esta acuarela, en la que he pintado una caja con pincel de la serie 7 de Winsor & Newton, he de decir que ha sido un auténtico placer trabajar con acuarelas metálicas sobre papel negro (Foto 1) No tengo palabras. El avance y la innovación de los materiales es algo que siempre debemos tener en cuenta. No quiere decir que debamos comprarlo todo, pero sí conocer, e incluso probar algunas cosas. Dejo una foto del cuaderno en cuestión (Foto 2)  Sólo tiene 12 x 18 cms. Es así de bonito:

Foto 2 - Cuaderno Papel Negro Fontaine -  ClaireFontaine
www.macuarela.com

Resumo el material:

• Cuaderno de bocetos: FONTAINE. Aquarelle. Watercolour. Papier Noir, negro. Algodón 100% 12x18. 300 g/m2

• Acuarelas en pastilla metálicas: Caja de 12 unidades

• Pinceles Serie 7 Winsor & Newton - Caja de 3 pinceles

      

• Metallic Marker:

            Staedtler 1-2 mm.

•  Lápiz: Portaminas Parker 2HB
• Pluma: Parker
• Goma de borrar de miga de pan

• Roller Pen de Tinta Líquida resistentes al agua para la firma (Foto 3):

            Signo. Pigment Ink White. Mitsubishi Pencil. Co. Ltd.  

 

Hemos escuchado mucho de pinceles, numeraciones y calidades. Y también acerca del “rey de reyes”, una serie de pinceles ya mitológica por haber sido creados por la casa Winsor & Newton para la mismísima Reina Victoria de Inglaterra.

Por un lado, esta Reina, cuya importancia fue de tal calado que marcó su época con su nombre: Época Victoriana, empezó a escribir una serie de diarios desde muy niña. Fue su madre, María Luisa Victoria, princesa de Sajonia-Coburgo-Saalfeld, quien se los regaló cuando aún era una niña. Empiezan con una frase de dominio público:

“Este libro, me lo dio mamá, para que pudiera escribir en él el diario de mi viaje a Gales"

En ellos, no sólo escribió, sino que plasmó su vida familiar y política a lo largo de su extenso reinado. Lo hizo desde 1832, en que tenía 13 años, hasta 1901 en que murió. Incluyen pinturas y dibujos y se publicaron en 2019 con ocasión del aniversario de su nacimiento, 24 de Mayo de 1819.

Los Archivos Reales, junto con la Biblioteca Bodleian de la Universidad de Oxford y la compañía ProQuest han llevado a cabo la fabulosa acción de digitalizar toda esta obra de corte autobiográfico. Para más información, remito a los enlaces de acceso. En el caso de que se quiera realizar una investigación académica, para acceder hay que escribir al correo electrónico de los Archivos Reales. 

 

Por otro lado, al margen de haber escrito e ilustrado sus diarios a lo largo de toda su vida, hay que decir que no era autodidacta. Su profesor de acuarela fue William Leighton Leith, maestro escocés de acuarela de paisaje, que había comenzado pintando escenas en el Royal Theatre de Glasgow.  Fue a Italia, haciendo el viaje iniciático de los artistas y aventureros de la época. Allí pintó numerosas acuarelas, bocetos y dibujos que se trajo de vuelta a Inglaterra y que le sirvieron de carta de presentación ante las familias acaudalas y aristocráticas del momento. Otro profesor fue Edward Lear, paisajista victoriano que se convirtió en profesor de dibujo de la reina. De Lear son esas fabulosas acuarelas de Meteora, muy famosas y que aconsejo ver para poder comprender mejor las acuarelas e ilustraciones de esta reina. Además, este era un artista que siempre aportaba novedades, ya que estaba instalado en la moda de nomadismo del momento, pasar en Inglaterra el verano, y los meses de frío en poblaciones del Mediterráneo.

 

Estos artistas enseñaban a la futura reina ya en 1817, cuando todavía no había alcanzado los 10 años. Por lo tanto, Victoria no empezó a pintar cuando se iniciaron estos cuadernos, sino mucho antes, desde niña, siempre. Sobre todo, desde que se quedó viuda en diciembre de 1861 después de 21 años de matrimonio con el príncipe consorte Alberto de Sajonia-Coburgo-Gotha. La Reina, más que nunca, se aferró a esos diarios.

 

Esto en cuanto a los diarios, cuadernos de viaje, dibujos y acuarelas de la Reina.

 

En cuanto a los materiales que utilizaba, paso a hacer una síntesis de los orígenes de la Casa Winsor&Newton y de cómo acaban adquiriendo el sello de abastecedor de la Casa Real y fabricando los pinceles de la Reina.

 

La casa Winsor&Newton abre su primera tienda en el número 38 De Rathbone Place en el año 1832. Por un lado, estaba Henry Newton, el artista, que aportó los conocimientos de técnica pictórica. Por otro lado, estaba Winsor, un químico que contribuyó al incipiente emporio en su parte científica, que en aquella época estaba en plena efervescencia. Los colores, hasta llegar aquí eran inestables y adolecían de calidad. En 1835 introdujeron la glicerina, el elemento que aporta esa untuosidad característica de la acuarela. Fueron avanzando en la creación y resultados, tanto de acuarelas como de pinceles. Desde 1841 tienen el sello de proveedores de la casa real, lo que forma parte también de su prestigio, al margen de la calidad.

 

La Serie 7 de Winsor&Newton se creó en 1866. Es la serie que se hizo para la Reina Victoria de Inglaterra. Hablo un poco de ella porque son pinceles de extrema calidad y que siguen fabricándose de forma artesana.

Pinceles Serie 7 Winsor & Newton 

La Serie 7 cuenta con pinceles de pelo de marta Kolinsky que se fabrican a mano por expertos iniciados. Los de numeración alta pueden tardar en fabricarse una semana. El mechón sale de una parte de la cola de las martas. Todo el proceso de fabricación y manufactura, desde la adquisición de la materia prima, es sostenible. Cada pelo se revisa a mano, y los mangos son de madera de abedul, llevando impresos en ellos en oro el sello de la serie.

 

Los originales de la reina Victoria tenían mangos de marfil y las virolas eran de metales nobles como la plata.

 

Actualmente el mechón está atado a mano por hilo de lino dentro de la virola, y lógicamente, las virolas no son de planta sino de un latón, que, chapado en níquel, no se pica ni oxida con el agua y restos de pigmentos. Añaden a la virola una doble hendidura profunda. Una de las cosas para que la punta tenga su eficacia, es el equilibrio que los artesanos tienen que conseguir entre convexidad del mechón y punta. Si no hay proporción, la punta no describirá y descargará acuarela en la medida necesaria, a lo que habrá que añadir que el pincel se abrirá, no volviendo la punta a su estado de origen una vez que ha descargado la mezcla. Hasta ese punto todo es importante en un pincel de calidad. Al combinar pelo de distinta longitud con convexidades diferentes se obtiene un pincel de cuerpo ancho. Parece ser que esta corporeidad del mechón de los pinceles es lo que le gustaba a la reina.

 

En cuanto a la cuestión de la punta del pincel es relevante. Si, cuando el acuarelista desembarca sobre el papel con un pincel cargado, la punta se abre a la menor presión y no retorna a su estado inicial, no seremos dueños del todo de nuestras pinceladas. Está bien el índice de sorpresa en la pintura con acuarela y en toda pintura, pero no todo debe ser sorpresa, hay una parte, siempre, en que el capitán de este barco somos nosotros. Es igual que sucede en el movimiento de unas bolas de billar. Parece que nosotros no controlamos apenas nada de su recorrido. Pero no es así, y, al igual que el agua y sus reacciones, podemos saber con gran precisión qué pasará en la mesa de billar, y también 

en nuestro cuaderno.

 

En los pinceles de Serie 7, la punta no se modifica cuando llega al papel y el pincel pinta llevado por nuestra mano. Se llama Memoria de Forma. Esta memoria de forma la tienen motivado entre otras cosas por las diferentes longitudes del pelo perfectamente enrolladas, a las que se hace girar una y otra vez por las manos de un artesano. Pero también por la convexidad del mechón y el equilibrio del que hablaba. Si todos los pelos son iguales, por muy buena calidad que tenga, al pintar no se obtendrá la misma precisión, será mucho más difícil controlar las circunvoluciones que describen los trazos. Del mismo modo, si el pincel tiene algún pelo de final romo o achatado, que aparece como cortado en seco, tampoco podremos conseguir precisión para una pincelada final que así lo requiera. En la Serie 7, los artesanos de Winsor&Newton comprueban pelo a pelo si hay en todo el mechón un solo pelo cortado.

Sobre esto es bueno que recordemos que, en un pincel malo, a las pocas sesiones, la virola estará por un lado y el mango por otra causado por unos pegamentos de ínfima calidad y su contacto con el agua y uso que le demos al pincel. Pasa a menudo cuando compramos una cosa por otra. En la serie 7 todo es artesano y calidad. No hay que decir que las virolas en esta serie no tienen soldaduras. Son de una pieza. Pero no debemos admitir pinceles en que haya soldadura, sean de la serie que sean. Ahí se meterá el agua, el pigmento, y al pintar, una gota de suciedad acumulada caerá sin freno a través de la soldadura pudiendo arruinar una pintura.

Finalmente se prueban y estuchan. Algo que me gusta y que dice mucho de la marca, es que, en pinceles grandes, en la caja se pone el nombre del artesano que ha realizado el pincel, hasta ese punto el artesano que trabaja para el artista se convierte a su vez en su artista.

La serie 7 es todo un universo. Y no digo que todos los pinceles que tengamos sean de la serie de la Reina, -me encantan los acrílicos-, pero alguno podemos ir coleccionando para pintar. Cualquier regalo de línea electrónica vale mucho más que un pincel-joya.

Antes de decidirnos por un pincel u otro, propongo observar bien los pinceles, y hacer pruebas. Si conocemos desde la base de qué están fabricados y cuál es la causa, podremos seleccionar mejor.

Foto 3 - Detalle del Roller Pen de Tinta Líquida para firmar sobre negro
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Signo. Pigment Ink White. Mitsubishi Pencil. Co. Ltd.  

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