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Qué es un CUADERNO DE VIAJE de acuarela y por dónde empezar

El cuaderno de viaje es una especie de diario de a bordo artesano en el que el capitán es el artista. Une literatura e imagen, y, aunque para crearlo y recrearlo se pueden utilizar muchas técnicas, los acuarelables son los idóneos.

Llevar una pequeña caja de acuarelas en un bolsillo, algunos pinceles, bolígrafos de tinta, algún tubo de gouache y el cuaderno en sí, es algo que no ocupa lugar. En cuanto al agua, todo acuarelista que viaje sabe que es posible tener siempre agua limpia a mano, aunque no se disponga de grifo. El secreto está en llevar dos pequeños botes que cierren bien. Uno siempre será para limpiar pinceles, y otro para aplicar agua limpia. La limpieza, en la técnica de acuarela es imprescindible. ¿No llevamos siempre la botella de agua encima? Pues para desarrollar un cuaderno de viaje, llevaremos dos pequeños botecitos, que pesan menos.

 A partir de aquí, todo es empezar.

<alt="Empezar un cuaderno de viaje"/>

Cuadernos de Viaje. Macarena Márquez. www.macuarela.com




Material empleado:

Cuaderno de Viaje. Hay muchos, de muchos gramajes y calidades. En este caso he utilizado uno que recomiendo para empezar. Más abajo explico la razón de elegirlo si aun no eres un acuarelista experto. Bloc encuadernado con gusanillo - Papel cartridge - 170 gsm -  Artway Enviro - 35 hojas - Apaisado

Gouache:

Blanco – White

Rojo Bermellón - Vermilion

Tinta China:

Negro – Schwarz

Acuarela en pastilla:

          Winsor & Newton - Caja de acuarela Sketcher Cotman – 12 medio godets - Paleta básica caja de 12 colores

Pinceles:

pinceles redondos del 12, 10, 6, 2, 1

pinceles de agua  Preparé azul cerúleo

Roller Pen de Tinta Líquida resistentes al agua:

De punta redonda y plana. Números: 0.2, 0.5 y 0.7




 

Yo recomiendo empezar con un cuaderno de espiral, los hay preciosos y de una calidad inestimable. Los precios, como en todo, también los hay variados, pero no hay que asustarse, el tipo medio es muy asequible. Recomiendo empezar con este tipo de cuaderno de tapa dura por varios factores, porque cada hoja tendrá un desarrollo y no nos descentraremos, pero también porque, si no nos gusta lo que está sucediendo en nuestro papel, lo que es normal, sobre todo cuando se está empezando, podemos arrancar la hoja sin temor a estropear el cuaderno.

 

Después de dos o tres cuadernos, ya podremos elegir cualquier tipo entre toda la oferta del mercado. Los expertos en cuaderno de viaje prefieren los que no tienen espiral, lo que también tiene un sentido concreto. Este tipo de cuaderno, al abrir, ya sea encolado o incluso grapado al centro, no tiene salto entre una hoja y otra. Imaginemos un periódico abierto, ese será nuestro cuaderno, y podremos pintar en el centro de las dos páginas siempre que nos convenga para los textos narrativos, o por la propia importancia que queramos dar a la imagen.

 

Se trata de dar contenido a nuestras visitas, plasmar aquello que nos ha llamado la atención, o dejar inmortalizado un punto de luz y temperatura que nos hizo feliz, o incluso menos feliz, pero fue importante. No todo lo bello es alegre.

 

La fotografía tiene su lugar. Incluso nos valdremos de ella cuando lleguemos a nuestro hotel o apartamento. Sería muy bonito pintar in situ, pero no siempre es posible. Por tanto, la fotografía será nuestra herramienta, en donde nos apoyaremos para transferir algo más. Cuando llegamos de un viaje a menudo nos encontramos con miles de fotografías repetidas, malas, buenas y buenísimas. También malísimas. La mayoría de las veces, no hablo de fotógrafos profesionales o aficionados con técnica y arte, no nos acordamos de seleccionar lo bueno y acabamos acumulando material digital que dejaremos en herencia a nuestros descendientes, y que estos, seguramente, no verán. No lo hacemos ni siquiera nosotros, que hicimos las fotos.

  

En cambio, un cuaderno de viaje es una semblanza propia. En ella mostraremos, no el viaje de la guía de turno, sino nuestro viaje, nuestras simpatías y antipatías, lo que nos hace felices o nos crea conciencia de belleza, de estabilidad y equilibrio. Y dibujaremos y pintaremos montañas, catedrales, mares, trenes, arte, música, Y también a quienes amamos y nunca olvidaremos. Y, además, lo dejaremos ahí para siempre. Casi seguro que no irá a la papelera, desde luego no irá a la papelera de nuestro ordenador porque se trata de un cuaderno, y de un cuaderno joya que, bien realizado, o más de principiante, se rifarán nuestros hijos o amigos cuando ya no estemos.

 

Podría hablaros de la historia de estos cuadernos, pero este post es solo de iniciación. Habrá más. En la muestra tan sólo he escrito a pincel. Un placer que hemos olvidado. Digitar es rápido, y si no que me lo digan a mí, que también escribo. Con todo, coger un pincel, cargarlo de pintura y deleitarnos en ello es entrar en el mundo de la conciencia plena del arte.

  

<alt="Escribir con acuarela"/>

No olvidemos lo esencial:

 

Lo importante de estos cuadernos es pintar lo que la fotografía no ve.

 

Ve mirando en cuál de ellos vas a empezar a plasmar esto último que acabo de decir. 


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Mezquita de Córdoba con Nescafé, Acuarela y Tinta china


Para realizar esta pintura de carácter “instantánea” en la que no me quise detener en el detalle, utilicé tres de los recursos con los que más me gusta pintar. El primero es el Nescafé soluble, el segundo: la Tinta China, un acuarelable con carácter permanente. Y el tercero es un tipo de papel utilizado en fotografía: El papel Couché.

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com

Material empleado:

Papel Couché Gramaje 300 gr. (Observaciones más abajo)

Nescafé Classic Natural. Café Soluble.

Tinta China de colores

A continuación, relaciono una serie de enlaces a tinta china de los colores que describo. Estos botes duran bastante. Sería para ir haciéndose una paleta básica de este material. 

                Amarillo – Gelb

                Azul Cobalto – Kobaltblau

                Negro – Schwarz

                Carmine – Karmin

                Bermellón – Zinnober

Pinceles:

Redondos del 12, 10, 4

                Plano del 10

Líquido Enmascarador

Es un material que también dura mucho. Os remito al artículo sobre su uso adecuado.



<alt="Mezquita de Córdoba"/>

Mezquita de Córdoba by Macarena Márquez Jurado



Sobre la técnica del Nescafé mezclada con Tinta China

 

Ya he hablado en anteriores artículos. Y habrá más. Adoro la inmediatez de esta textura al ser aplicada por el pincel mezclada con agua. Y como explico a continuación, esta vez lo he hecho en binomio perfecto con Tinta China de Colores, lo que, dado el carácter permanente de la Tinta China, y el aglutinante que resulta de los azucares del Nescafé, produce un efecto único al secar. Si a eso le añadimos que he trabajado sobre un papel Couché (fotográfico) brillante de 300 gr/m2 de gramaje, el resultado es el que tenéis aquí. A mí me encanta porque quise plasmar un Self de Mezquita, una sensación, una instantánea acuarelable. Y creo que ahí está. No es una pintura hiperrealista, es una sensación dentro de un ambiente. Y pintar el Tiempo.

 

Nescafé mezclado con colores es uno de mis recursos cuando quiero situarme en un ambiente de interior, o de exterior, que arropa. Aquello de los “Momentos Nescafé” fue y es una realidad transferible al arte y sus momentos, sus luces. Sólo tenéis que partir de Nescafé puro, añadir unas gotas de agua, mover hasta conseguir una mezcla glaseada, como un almíbar espeso, y ya tenemos la base. Iremos añadiendo tinta china de colores y haciendo pruebas hasta conseguir resultados. Lo mejor es la experiencia personal. A mí me gusta tener una hoja de papel al lado en donde hago rayas para probar texturas y tonos. El Nescafé con Carmín, Bermellón y Amarillo, como he utilizado en esta composición, da calor, ambiente, una sensación de estar dentro del lugar y sentir la luz, el olor, la temperatura del lugar.

 

La Tinta China

 

Es un tipo de pintura que se utilizó desde tiempos inmemoriales por los artistas chinos debido a varios factores, entre los que se encuentran que su arte no siempre busca la absoluta fidelidad al objeto representado y su entorno. Es un arte de tipo intelectual, en donde el paisaje alterado por los fenómenos de luz y temperatura no interesa.  La tinta china es de secado rápido, y muy contundente en cuanto a pigmentación, por lo que para conseguir medias gradaciones de luz no es la pintura más recomendable. Pero esa perspectiva, llamada atmosférica, en que la distancia y la cercanía la marcan la luz y otros elementos como el viento o el grado de humedad, no es algo que en este tipo de pintura se suela utilizar. A diferencia de la pintura occidental, en la oriental, el objeto o sujeto artístico se representa en sí mismo, teniendo el lugar o paisaje en donde se inserta una importancia relativa, a menudo simbólica. Las gradaciones medias no son las que más interesan, por lo que la tinta china es lo más recomendable.

 

Por eso también he elegido esta pintura como base para representar el “arbolado de columnas y arcos” de la Mezquita de Córdoba. Quería conseguir un efecto de visión rápida, un self de mezquita, pero no de cualquier mezquita, sino de la Mezquita de Córdoba. Utilizo la palabra Self en su valor, no fotográfico (selfie), sino en el más puro junguiano de “sí mismo”, en este caso “sí misma”, porque es mezquita.

 

El papel Couché

Se utiliza en fotografía y reprografía. Se trata de un papel impermeable, en que la pintura no penetra, por lo que es toda una experiencia deslizar el pincel y llegar hasta el final del pliego. La comparación sería, ir en patera sobre el mar o haciendo esquí acuático. Pintar sobre este papel es hacer esquí acuático. Brillante, suave e impermeable, todo un festival para un pincel que va cargado de Nescafé y Tinta China de colores.

 

En este caso he utilizado uno de gramaje 300 gr/m2. Y el resultado final lo podéis ver.

 

Como dejo reflejado en esta pintura y en este post, no he querido pintar de forma realista, lo que he querido es plasmar el self de la mezquita de Córdoba, la sensación, la temperatura y el tiempo. Si es que el tiempo se puede pintar.

 

Te lo recomiendo. Intenta pintar el tiempo. 


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EL AMARILLO de CADMIO

En este artículo se explica todo sobre el color Amarillo de Cadmio: Su evolución a lo largo de la Historia del Arte. Su uso en Acuarela con ejemplos prácticos. 

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com

Índice Internacional de los Colores.

Nombre y número IC:  PY37.

Amarillo de Cadmio.

Descripción Química: Sulfuro de Cadmio

Los amarillos tienen su origen en la tierra, en las plantas. Los carotenoides aportan el tono amarillo, por ejemplo al maíz, la yema de huevo, las hojas de los árboles, flores y ciertas frutas. Pero ese mismo amarillo también proviene del arsénico.

<alt="Amarillo de Cadmio"/>
El amarillo de Cadmio - www.macuarela.com

Etimológicamente procede del inglés antiguo: Geolu. En cuanto a la palabra castellana, en los diccionarios etimológicos se indica que proviene del latín hispánico: Amarellus, que a su vez se deriva de la palabra latina: amarus. Pero también lo hacen derivar de la palabra: Ambarellu, que a su vez proviene de la palabra árabe ámbar. Lo de enlazarlo con la palabra latina: Amarus = amargo, puede ser porque es el color que aparece en las personas que padecen del hígado o del páncreas, ya que el verdadero término latino para el amarillo es: Helvus. No podía ser otro, de ahí el nombre del dios sol: Helios. Si estáis interesados en profundizar en este término y su curiosa evolución, os remito Centro Virtual Cervantes, hay un foro en torno a este color que resulta muy esclarecedor.


En otro orden de cosas, que el que nos interesa en este artículo, podemos decir del color amarillo, que, aunque se utiliza desde la Prehistoria, fueron los egipcios quienes desarrollaron el pigmento, una especie de sulfuro de arsénico que llamaron Oropimente, originario de Esmirna. Era muy tóxico, y se llegó a utilizar a lo largo del tiempo hasta llegar a las letras miniadas de los códices medievales. Cennino Cennini, en su libro: El Manual del Artesano, habló de este Oropimente en el siglo XV. Lo alabó por su belleza, y también alertó sobre su carácter venenoso, aconsejando a quienes lo utilizaban no acercárselo a la boca para evitar daños.

 

Así hasta que se fabricó químicamente, surgiendo los amarillos modernos. El amarillo de cadmio, en todas sus tonalidades, desde los anaranjados hasta los tonos más verdosos como el cadmio limón, sustituyó al oropimente, al primitivo y al de fabricación artificial.

 

El Cadmio, elemento químico de la tabla periódica con símbolo Cd, fue descubierto por Fiedrich Stromeyer, un químico alemán, que observó en la fábrica de cinc de Salzgitter, ciudad del norte de Alemania, un óxido amarillento que se convertiría en un nuevo metal. El mineral del cinc se llamaba cadmia o calamina, de ahí el término cadmio. El sulfuro amarillo, bautizado por Stromeyer como sulphuret, se utilizaba en la pintura francesa y alemana a partir de 1830, aunque su uso generalizado en pintura no se desarrolló hasta finales de la década de 1840. Se trata de un metal de color grisáceo, siendo el sulfuro el que le da el carácter de amarillo. El Amarillo de Cadmio tiene una buena resistencia al calor y se presenta en tres tonos: Oscuro (núm.3), Claro (núm.1) y Medio (núm.2). También hay un Cadmio limón. El amarillo núm.4 es acuarela de tubo, y el núm.5 Tinta China Amarilla

 

Sea el que sea, resulta un básico en cualquier paleta de acuarelista. A excepción del Cadmio Limón, los amarillos de cadmio son colores cálidos, que dan una buena base para nuestras composiciones. 

Por ejemplo, si queremos pintar tomates maduros, daremos inicialmente una aguada de amarillo de cadmio medio/oscuro rebajado con agua antes de empezar a aplicar los verdes y
los rojos. Eso aportará luz y calidez a nuestros rojos.

<alt="pintar tomates"/>
Aplicación de Amarillo como base para pintar tomates
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Y también dará un efecto de calor a nuestros paisajes. Un recurso que ya utilizaban los grandes maestros del impresionismo fue el de pintar una línea de amarillo de cadmio rebajado en las líneas de horizonte. No hay más que observar los cuadros de Monet, que utilizaba de forma profusa este color, según demuestran los análisis de su paleta. Recomiendo ver los cuadros realizados por este pintor a partir de la Exposición Universal de París de 1867.

 

Por último, y en lo relativo al uso del amarillo de cadmio en acuarela, quiero decir que es el color más difícil de oscurecer, el cadmio y todos los amarillos. Si lo hacemos con Gris Payne, haremos un verdoso, y si lo oscurecemos con ocre, restaremos la vitalidad y brillantez al amarillo. Habrá que hacerlo o con siena, o con rojo muy oscuro, pero de forma moderada. Como mucho, podremos utilizar su complementario: el violeta.  Y del mismo modo, para aclararlo sin que pierda su entidad, habrá que hacerlo con amarillo limón o blanco.

<alt="Oscurecer el color amarillo"/>
Cómo oscurecer el amarillo
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Tutorial. Cómo pintar un boceto rápido. Sketcher Irlanda.

Un boceto rápido es un apunte realizado sobre un momento y espacio concreto, que se plasma para no olvidar. Suele contener la visión emotiva y particular del artista que lo ejecuta. Sirve para recordar dicha situación o experiencia estética. A veces, el pintor lo utiliza para desarrollarlo en un soporte mayor, cuando regresa a su estudio. Aquí dejo un Sketcher de un viaje a Dublin.



Cuando voy de viaje, me ocurre a menudo que me fijo más en lo que hay alrededor de los monumentos que en el monumento en sí. Soy apasionada estudiosa de la Historia del Arte, y profundizo en lo que voy a conocer antes de conocerlo, sobre la mesa.


Material empleado:

Papel Acuarela. 14,8x21 cm. Gramaje: 160 gr/m2

Pastillas de Acuarela

Amarillo de Cadmio – Cadmium Yellow pale

Rojo de Cadmio - Cadmium Red

Rojo Coral – Coral Red

Ultramar Francés - French Ultramarine

Azul Ultramar – Ultramarine Blue

Pinceles:

Redondos del 12, 4, 2, 1

Bolígrafos de tinta líquida para Diseño Gráfico – 0.2 y 0.7 – Roller Pen


Para un artista, el hecho de viajar a menudo es descubrir paisajes, monumentos en sus lugares, atmósferas desconocidas, personas que miran, que comen, que hablan o escuchan. La mayoría de las veces escucho, pero el monumento en sí es algo que me sé de memoria. Las obras de arte están en las dendritas más profundas y alegres de mi cerebro. Entonces observo. A quienes escuchan, a quienes miran como yo. Y a la vez retengo cosas, o fotografío y después recreo, como hacen los escritores, los pintores y escultores, arquitectos e ilustradores, todos aquellos que nos dedicamos y amamos el mundo del Arte.

 

En este boceto todos miran, pero hay una mujer que se ha despistado y que se encuentra con quien hace la foto. El boceto es actual y muy simple. Se trata de recoger una instantánea, que, en vez de haberse hecho con una foto, se ha realizado con acuarela. Lo hice sentada tranquilamente en un banco, en verano del Norte de Europa.

 

El boceto es simple, pero el recurso pictórico no. Esto es lo que me gusta enseñar a ver. El que todos miren hacia un lado, y un personaje mire al espectador es algo que ya hizo Velázquez en Las Lanzas, y Goya en San Bernardino de Siena predicando ante Alfonso V de Aragón, lienzo que se conserva en la Basílica de San Francisco el Grande de Madrid. En Arte, es muy difícil innovar, aunque esto es algo que no todos aprecian. Pensamos que somos originales, y lo somos, pero el acerbo cultural, el armario de un artista, si no es profundo, revuelto y múltiple, a veces puede contribuir a que se desvanezcan registros. Esos registros son importantes a la hora de expresar cosas, de recrearlas.

 

Aquí no he sido original ni contemporánea, aunque el boceto es de estilo contemporáneo. Es decir, la forma, el estilo es contemporáneo, pero no los recursos. Esos recursos los he extraído del armario de lo que conozco, del Arte y sus maestros mientras todos miran a algún lugar, en este caso era Dublín, el exterior de la universidad más antigua de Irlanda, El Trinity College.

 

El Trinity College de Dublín fue y será motivo de otros bocetos. Es un lugar telúrico que atrapa. Aquí de lo que he tratado es de reflejar un momento más que un monumento. Me encanta pintar personas. No me interesa tanto conocerlas como pintarlas. Aunque pintar, como escribir, es una forma de conocimiento. Gracias a que los he pintado, este momento y todos ellos están en la parte feliz de mi memoria.

 

 Proceso - Boceto de Viaje paso a paso

Pongo todas las fotos a continuación del proceso.

1.- Hacer un dibujo muy elemental.

2.- Dar una aguada azul con un pincel del número 12 a toda la masa de gente. Es la forma de no distraerse aun con detalles. Además, para las personas que se están iniciando, o que no dibujan muy bien, es la forma de no tener miedo a estropear nada. Empezar con un borrón de grupo. Lo que importa de momento es el grupo. Dejar secar.

3.- Pintar con colores más fuertes la figura que mira de frente. Apuntar algunas señas de identidad. Por simples que sean los bocetos, siempre hay algún detalle que identifica a las personas. En este caso es el corte de pelo tipo bloc, y las gafas de colores. Lleva dos. Eso es lo que he resaltado en este caso, pero puede ser una mochila, un sombrero, unos zapatos, una expresión distinta, una postura.

4.- Con tonos muy reducidos, apenas más azul ultramar, un poco de carmín y rojo de cadmio, ir plasmando las masas de matices del resto del grupo. Es importante utilizar tonos muy tenues, que nada sobresalga a excepción de lo que nosotros queremos que sobresalga. En este caso la mujer de las gafas rojas.

5.- Observad las fotografías, el proceso.

6.- Cuando seque, con un roller pen, siluetear contornos y firmar. Es interesante que esos contornos sean transgresores, que se salgan de las masas de color y sus formas definidas.


Boceto de viaje Paso 1 y 2

Boceto de viaje Paso 3

Boceto de viaje Paso 4

Boceto de viaje Paso 4 Detalle

Boceto de Viaje Paso 4 Primer plano

Boceto de Viaje Paso 5 y 6


 

¿A que lo puedes hacer?

  

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Miles Davis - Técnica: Nescafé y Acuarela

¿Se puede pintar la música?


A todos mis alumnos. Los de Madrid. Los de Valladolid. Los del mundo global Internet.

A aquellos que han estudiado y aprendido conmigo otras cosas, porque todo está en lo que pintamos.

A Nescafé.

A las horas de mesa: Las mejores.

<alt="Miles Davis"/>

Miles Davis So What - Macarena Márquez Jurado Técnica: Nescafé y Acuarela


Material empleado:

Canson. Papel de Acuarela 29,7x21 cm. Gramaje: 160 gr/m2

 Nescafé Classic Black Roast

 Pastillas de Acuarela:

Amarillo de Cadmio – Cadmium Yellow pale

Rojo de Cadmio – Cadmium Red

Verde Esmeralda - Esmerald

Azul Intenso – Intense Blue

 Acuarela Metálica - Oro - Gold

 Pinceles:

Redondos del 12, 10, 6, 1

Plano del 10

Líquido Enmascarador

A veces intento pintar la música, si es que la música se puede pintar.

Kandinsky ya hablaba de ello. Para él, la obra de arte plástica encerraba una partitura. Este concepto lo desarrolló en un libro sin desperdicio que tituló: Lo Espiritual en el Arte, que cualquier pintor debe tener en su base cultural. Porque pintar no sólo es técnica. Ahora mismo podemos encontrar cientos, y más que cientos, cientos de miles de tutoriales que nos enseñan técnica, por ejemplo, de la Acuarela. No hay que ir ni siquiera a clases para aprenderla. Pero insisto, hay algo que no se aprende en los tutoriales. La base cultural, esa hucha de conocimientos atesorada a lo largo de la vida, sea la vida la que sea y más o menos larga, es la que se despliega y esparce su buen aroma cuando pintamos.

Eso al margen del olor del Nescafé, la verdad. Me encanta pintar con este olor. El café limpia nuestras papilas olfativas y tras la limpieza podemos apreciar nuevos registros, por eso en muchas perfumerías encontramos pequeños tarros con café. Como veis, las analogías no son solo musicales, las hay olfativas, gustativas, visuales, táctiles. Nuestros sentidos son las ventanas al mundo. Para un artista son doblemente necesarios. Porque todo aquello que registramos confluye en un instante artístico. Los artistas necesitamos la técnica para no morir de instantes artísticos, para poder ex presar, lo que nos presiona desde dentro. Pero todo va unido. No solo arte, no solo técnica. Son las dos cosas.

Con todo, estábamos en los colores. ¿O también en los olores, en los sonidos? Todo va a la vez.

Hay pinturas planas. Reflejan muchos recursos, técnicas muy depuradas. Pero no encierran ninguna novedad. En ellas no se puede ver al artista, su self, como diría Jung. Son planas por mucha perspectiva que manifiesten. Esto lo aprendía pintando. Y también escribiendo. Me lo enseñaron en la Escuela de Escritores de Madrid. Había creado un personaje que era antipático y maleducado, hiriente. Ese era el personaje. Sin embargo, al actuar, al meter su diálogo entre guiones y plasmarlo en una novela, el personaje era educado y no hería la sensibilidad de nadie. Me costó darle profundidad, la mala educación, esa sinceridad mal entendida de los que por desgracia no quieren hacer suyas otras formas más evolucionadas. Ese carácter no estaba en mi cultura. Pero lo desarrollé para escribir. Es técnica.

Y lo mismo pasa al pintar. Al escuchar So What, ese hito musical de Miles Davis, la fosa téctonica que alberga todo lo aprendido, aquello que durante horas de mesa y experiencia acumulé a lo largo de la vida, y que también alberga a las personas, esos seres que acumularon cultura cerca de mí, esa fosa tectónica se abrió y dejó pasar, no al pincel cargado de acuarela y café soluble de mi marca predilecta. También me dejó pasar a mí en cuanto a ser fusionado a un músico. Tuvo lugar la analogía Aquí está. El pincel lleva, no años de técnica, que declina de la forma ortodoxa por todos lados, sino que me lleva directamente y ya no pinta la técnica. Pinta un trocito de alguien fundido en la música. Y experiencias.

Según Kandinsky, claros y oscuros, unas longitudes de onda u otras, producen diferentes vibraciones psicológicas dentro de nosotros, eso lo saben en el momento actual muy bien los neurocientíficos.

Goethe decía que el hombre lleva la música en sí mismo.

Y yo os sugiero, poned So What de Miles Davis, haced un dibujo de contorno, muy simple. Enmascarar blancos. En este caso no he matizado la línea inferior de debajo de los ojos porque quería resaltarlos, ni tampoco las uñas y sortija. Es algo que dejo así de claro y mal matizado de forma intencionada. Después de enmascarar, poned Nescafé en el centro de un plato, y azules, amarillos y verde esmeralda en los exteriores. Agua, pinceles y mezclar.

 

No tengáis miedo. Don´t be afraid.

No copies. Es imposible hacerlo por dos motivos. El primero, porque el café reacciona con la acuarela y la tinta de forma no matemática, no conmutativa. Importa el orden, el orden de los factores -tinta o acuarela- altera el producto. El segundo motivo y más importante eres tú. En tu forma de llevar el pincel estás tú. Original siempre que no quieras ser otro.

Plasmarás Miles Davis, pero también te dejarás una parte de ti.

Ánimo.

Es vivir, pero de forma plena. Y a base de pintar, acabarás adquiriendo técnica.

Os dejo las fotos de todo el proceso. 




 




 



 



 

 
<alt="Miles Davis con Acuarela"/>

<alt="Miles Davis"/>

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