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Los pinceles de la Reina Victoria de Inglaterra

En este artículo se profundiza en la historia de los pinceles Serie 7 de la casa Winsor & Newton. Esta serie fue creada en 1866 para la Reina Victoria de Inglaterra. Son de extrema calidad y siguen fabricándose de forma artesana.

Al firmar cada pincel, el artesano que trabaja para un artista se convierte a su vez en artista. Macarena Márquez.


© Macarena Márquez Jurado

<alt="Pinceles Serie 7 Winsor&Newton"/>
Foto 1 - Pinceles SERIE 7 Winsor&Newton
Acuarela sobre papel negro de Macarena Márquez




Material empleado:

Sobre esta acuarela, en la que he pintado una caja con pincel de la serie 7 de Winsor & Newton, he de decir que ha sido un auténtico placer trabajar con acuarelas metálicas sobre papel negro (Foto 1) No tengo palabras. El avance y la innovación de los materiales es algo que siempre debemos tener en cuenta. No quiere decir que debamos comprarlo todo, pero sí conocer, e incluso probar algunas cosas. Dejo una foto del cuaderno en cuestión (Foto 2)  Sólo tiene 12 x 18 cms. Es así de bonito:

<alt="Cuaderno Acuarela ClaireFontaine Negro"/>
Foto 2 - Cuaderno Papel Negro Fontaine -  ClaireFontaine
www.macuarela.com


Resumo el material:



      

  • Metallic Marker:

            Staedtler 1-2 mm.

  •  Lápiz: Portaminas Parker 2HB
  • Pluma: Parker
  • Goma de borrar de miga de pan

  • Roller Pen de Tinta Líquida resistentes al agua para la firma (Foto 3):

            Signo. Pigment Ink White. Mitsubishi Pencil. Co. Ltd.  


 

Hemos escuchado mucho de pinceles, numeraciones y calidades. Y también acerca del “rey de reyes”, una serie de pinceles ya mitológica por haber sido creados por la casa Winsor & Newton para la mismísima Reina Victoria de Inglaterra.

Por un lado, esta Reina, cuya importancia fue de tal calado que marcó su época con su nombre: Época Victoriana, empezó a escribir una serie de diarios desde muy niña. Fue su madre, María Luisa Victoria, princesa de Sajonia-Coburgo-Saalfeld, quien se los regaló cuando aún era una niña. Empiezan con una frase de dominio público:

“Este libro, me lo dio mamá, para que pudiera escribir en él el diario de mi viaje a Gales"

En ellos, no sólo escribió, sino que plasmó su vida familiar y política a lo largo de su extenso reinado. Lo hizo desde 1832, en que tenía 13 años, hasta 1901 en que murió. Incluyen pinturas y dibujos y se publicaron en 2019 con ocasión del aniversario de su nacimiento, 24 de Mayo de 1819.

Los Archivos Reales, junto con la Biblioteca Bodleian de la Universidad de Oxford y la compañía ProQuest han llevado a cabo la fabulosa acción de digitalizar toda esta obra de corte autobiográfico. Para más información, remito a los enlaces de acceso. En el caso de que se quiera realizar una investigación académica, para acceder hay que escribir al correo electrónico de los Archivos Reales. 

 

Por otro lado, al margen de haber escrito e ilustrado sus diarios a lo largo de toda su vida, hay que decir que no era autodidacta. Su profesor de acuarela fue William Leighton Leith, maestro escocés de acuarela de paisaje, que había comenzado pintando escenas en el Royal Theatre de Glasgow.  Fue a Italia, haciendo el viaje iniciático de los artistas y aventureros de la época. Allí pintó numerosas acuarelas, bocetos y dibujos que se trajo de vuelta a Inglaterra y que le sirvieron de carta de presentación ante las familias acaudalas y aristocráticas del momento. Otro profesor fue Edward Lear, paisajista victoriano que se convirtió en profesor de dibujo de la reina. De Lear son esas fabulosas acuarelas de Meteora, muy famosas y que aconsejo ver para poder comprender mejor las acuarelas e ilustraciones de esta reina. Además, este era un artista que siempre aportaba novedades, ya que estaba instalado en la moda de nomadismo del momento, pasar en Inglaterra el verano, y los meses de frío en poblaciones del Mediterráneo.

 

Estos artistas enseñaban a la futura reina ya en 1817, cuando todavía no había alcanzado los 10 años. Por lo tanto, Victoria no empezó a pintar cuando se iniciaron estos cuadernos, sino mucho antes, desde niña, siempre. Sobre todo, desde que se quedó viuda en diciembre de 1861 después de 21 años de matrimonio con el príncipe consorte Alberto de Sajonia-Coburgo-Gotha. La Reina, más que nunca, se aferró a esos diarios.

 

Esto en cuanto a los diarios, cuadernos de viaje, dibujos y acuarelas de la Reina.

 

En cuanto a los materiales que utilizaba, paso a hacer una síntesis de los orígenes de la Casa Winsor&Newton y de cómo acaban adquiriendo el sello de abastecedor de la Casa Real y fabricando los pinceles de la Reina.

 

La casa Winsor&Newton abre su primera tienda en el número 38 De Rathbone Place en el año 1832. Por un lado, estaba Henry Newton, el artista, que aportó los conocimientos de técnica pictórica. Por otro lado, estaba Winsor, un químico que contribuyó al incipiente emporio en su parte científica, que en aquella época estaba en plena efervescencia. Los colores, hasta llegar aquí eran inestables y adolecían de calidad. En 1835 introdujeron la glicerina, el elemento que aporta esa untuosidad característica de la acuarela. Fueron avanzando en la creación y resultados, tanto de acuarelas como de pinceles. Desde 1841 tienen el sello de proveedores de la casa real, lo que forma parte también de su prestigio, al margen de la calidad.

 

La Serie 7 de Winsor&Newton se creó en 1866. Es la serie que se hizo para la Reina Victoria de Inglaterra. Hablo un poco de ella porque son pinceles de extrema calidad y que siguen fabricándose de forma artesana.

Pinceles Serie 7 Winsor & Newton 

La Serie 7 cuenta con pinceles de pelo de marta Kolinsky que se fabrican a mano por expertos iniciados. Los de numeración alta pueden tardar en fabricarse una semana. El mechón sale de una parte de la cola de las martas. Todo el proceso de fabricación y manufactura, desde la adquisición de la materia prima, es sostenible. Cada pelo se revisa a mano, y los mangos son de madera de abedul, llevando impresos en ellos en oro el sello de la serie.

 

Los originales de la reina Victoria tenían mangos de marfil y las virolas eran de metales nobles como la plata.

 

Actualmente el mechón está atado a mano por hilo de lino dentro de la virola, y lógicamente, las virolas no son de planta sino de un latón, que, chapado en níquel, no se pica ni oxida con el agua y restos de pigmentos. Añaden a la virola una doble hendidura profunda. Una de las cosas para que la punta tenga su eficacia, es el equilibrio que los artesanos tienen que conseguir entre convexidad del mechón y punta. Si no hay proporción, la punta no describirá y descargará acuarela en la medida necesaria, a lo que habrá que añadir que el pincel se abrirá, no volviendo la punta a su estado de origen una vez que ha descargado la mezcla. Hasta ese punto todo es importante en un pincel de calidad. Al combinar pelo de distinta longitud con convexidades diferentes se obtiene un pincel de cuerpo ancho. Parece ser que esta corporeidad del mechón de los pinceles es lo que le gustaba a la reina.

 

En cuanto a la cuestión de la punta del pincel es relevante. Si, cuando el acuarelista desembarca sobre el papel con un pincel cargado, la punta se abre a la menor presión y no retorna a su estado inicial, no seremos dueños del todo de nuestras pinceladas. Está bien el índice de sorpresa en la pintura con acuarela y en toda pintura, pero no todo debe ser sorpresa, hay una parte, siempre, en que el capitán de este barco somos nosotros. Es igual que sucede en el movimiento de unas bolas de billar. Parece que nosotros no controlamos apenas nada de su recorrido. Pero no es así, y, al igual que el agua y sus reacciones, podemos saber con gran precisión qué pasará en la mesa de billar, y también 

en nuestro cuaderno.

 

En los pinceles de Serie 7, la punta no se modifica cuando llega al papel y el pincel pinta llevado por nuestra mano. Se llama Memoria de Forma. Esta memoria de forma la tienen motivado entre otras cosas por las diferentes longitudes del pelo perfectamente enrolladas, a las que se hace girar una y otra vez por las manos de un artesano. Pero también por la convexidad del mechón y el equilibrio del que hablaba. Si todos los pelos son iguales, por muy buena calidad que tenga, al pintar no se obtendrá la misma precisión, será mucho más difícil controlar las circunvoluciones que describen los trazos. Del mismo modo, si el pincel tiene algún pelo de final romo o achatado, que aparece como cortado en seco, tampoco podremos conseguir precisión para una pincelada final que así lo requiera. En la Serie 7, los artesanos de Winsor&Newton comprueban pelo a pelo si hay en todo el mechón un solo pelo cortado.

Sobre esto es bueno que recordemos que, en un pincel malo, a las pocas sesiones, la virola estará por un lado y el mango por otra causado por unos pegamentos de ínfima calidad y su contacto con el agua y uso que le demos al pincel. Pasa a menudo cuando compramos una cosa por otra. En la serie 7 todo es artesano y calidad. No hay que decir que las virolas en esta serie no tienen soldaduras. Son de una pieza. Pero no debemos admitir pinceles en que haya soldadura, sean de la serie que sean. Ahí se meterá el agua, el pigmento, y al pintar, una gota de suciedad acumulada caerá sin freno a través de la soldadura pudiendo arruinar una pintura.

Finalmente se prueban y estuchan. Algo que me gusta y que dice mucho de la marca, es que, en pinceles grandes, en la caja se pone el nombre del artesano que ha realizado el pincel, hasta ese punto el artesano que trabaja para el artista se convierte a su vez en su artista.

La serie 7 es todo un universo. Y no digo que todos los pinceles que tengamos sean de la serie de la Reina, -me encantan los acrílicos-, pero alguno podemos ir coleccionando para pintar. Cualquier regalo de línea electrónica vale mucho más que un pincel-joya.

Antes de decidirnos por un pincel u otro, propongo observar bien los pinceles, y hacer pruebas. Si conocemos desde la base de qué están fabricados y cuál es la causa, podremos seleccionar mejor.


<alt="Roller Pen tinta blanca Signo Mitsubishi"/>
Foto 3 - Detalle del Roller Pen de Tinta Líquida para firmar sobre negro
www.macuarela.com

Signo. Pigment Ink White. Mitsubishi Pencil. Co. Ltd.  


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EL ROSA PERMANENTE

En este artículo se explica todo sobre el color Rosa Permanente: Su evolución a lo largo de la Historia del Arte. Su uso en Acuarela con ejemplos prácticos. 

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com

Índice Internacional de los Colores.

Nombre y número IC:  PV19

Rosa Permanente

Descripción Química: Quinacridona

Colores de Acuarela con los que se han realizado las pruebas:

Foto 1. - Acuarela en pastilla Rosa Permanente Winsor & Newton - Es medio godet. Serie Cotman. Y, Acuarela de tubo Rosa Permanente Winsor & Newton. La utilizo para rellenar los pinceles recargables, cuando pinto al exterior. 

 

Papel sobre el que se han realizado las pruebas:

Foto 1, 2 , 3 y 5 .- Papel Canson Teintes de 160 gr.  Este papel tiene dos caras, como todos, y las dos se pueden utilizar. Por un lado es grano fino y por el otro tiene el característico nido de abeja. Lo utilizo para este tipo de pruebas, pero no para otros trabajos que requieren más aguadas, porque no admite muchas capas de agua. Pongo el enlace. Es un pack de 25 hojas de A4 que también se puede utilizar para dibujar. 

Foto 4.-   Papel Guarro 240 gr/m2 Grano gruesoSe puede apreciar la diferencia con el anterior en la fotografía de la formación de gris con Rosa Permanente ( Foto 4). El Guarro es un papel de aspecto muy mate. Resiste muchas aguadas, por lo que lo recomiendo cuando se está empezando. También lo utilizo para muestras de colores porque no los desvirtúa, es muy blanco. Dejo el enlace del bloc de 23x32,5. Siempre tengo uno. Tiene un tratamiento antifúngico muy importante para los trabajos en acuarela, que suelen desarrollar hongos si no utilizamos material adecuado. 


<alt="Rosa Permanente"/>
Foto 1. macuarela.com: El Rosa Permanente


Decir rosa es algo muy vago que hacer referencia a un color, y a un tipo de flores. En cuanto a color, la gama del rosa es muy amplia. Los hay que viran hacia el azul y los que van hacia el rojo. Cennino Cennini en su Tratado de la Pintura, escrito hacia 1390 y considerado el primer compendio de técnica pictórica italiano, nos habla ya del color rosa, que en aquel momento era utilizado para las encarnaciones, pintura de rostros, cuellos, cuerpos, brazos, manos, piernas y pies. El color se hacía con Sinopia y Blanco de San Juan. Sinopia es un color ocre rojizo que según describió Plinio en su Historia Natural  tomó el nombre de la ciudad de Sinope, en el Ponto, de ahí que los romanos lo llamaran sinopis. Había tres tonalidades, oscura, clara y media dependiendo de que tuvieran más o menos rojo. Para las encarnaciones, Cennini recomendaba Sinopia Clara. Pero esto daba tonos rosados, amelocotonados, y no el Rosa del que vamos a hablar. 

Actualmente se desarrolla a partir del pigmento Quinaqridona, de gran resistencia e intensidad. Las quinacridonas magentas son más rojizas PR122 (en el Índice PR= Pigmento Rojo-Red). En cuanto a las quinacridonas violetas, tienden más a los violáceos/azulados, PV19 (en el Índice de Colores PV=Pigmento Violeta-Violet)

El color Rosa Permanente del que hablamos, el que la casa Winsor & Newton introdujo en su paleta en la década de 1950, es un PV19. De gran eficacia, este color puede permanecer en su propiedad de Rosa Intenso de gran coloración. Si añadimos agua de forma progresiva, nos llevará hacia tonalidades rosas transparentes que nos parecerán imposibles por su belleza. Tiende al violeta (PV).

El Rosa Permanente es un color muy versátil, con gran carácter en sí mismo, pero que también se puede usar para formar grises y otras tonalidades de gran variedad. Para transformar un ROSA PERMANENTE hay muchas formas. Yo os sugiero añadir una punta de AMARILLO LIMÓN al color original y que comprobéis la maravilla resultante.


<alt="Rosa Permanente mezclas con amarillo"/>
Foto 2. macuarela. com: El Rosa Permanente.
En el centro, resultado de mezclar Rosa Permanente con Amarillo Limón.
Los casilleros centrales de la fila superior con Rosa y Amarillo poco saturado. Los de la fila inferior, muy saturados. El resultado es un color asalmonado en mayor o en menor medida. El amarillo limón da calidez al Rosa.  


Si lo que se quiere es oscurecerlo sin que pierda su esencia, es conveniente utilizar Carmín de Alizarina y no Gris de Payne ni Negro. El Carmín de Alizarina potenciará el Rosa, le dará intensidad y oscurecerá sin que pierda su calidad de rosa. 

<alt="Rosa Permanente oscurecimiento"/>
Foto 3. macuarela.com:  El Rosa Permanente.
Oscurecimiento del Rosa con Carmín de Alizarina en el centro.

En cuanto a su mezcla con otros colores, el color ROSA PERMANENTE mezclado con el VERDE ESMERALDA, da como resultado un gris que podéis ver en la fotografía número 4. Se trata de un gris que no compraremos ya hecho, con registros y matices diferentes a cualquier otro gris. Os animo siempre a formar colores con vuestra base de paleta. Eso dará un toque personal a vuestras obras.


<alt="Rosa Permanente con verde esmeralda"/>
Foto 4 Rosa Permanente.
 Gris formado por Rosa Permanente y Verde Esmeralda


Otra de las variables muy ricas del Rosa permanente, es el violeta que resulta de mezclar este color con el AZUL INTENSO. Se puede ver en la fotografía 5. Es un violeta precioso. He mezclado con mucha agua, si se utiliza más pigmento las variedades de violeta pueden llegar a ser muy intensas.

<alt="Rosa Permanente con Azul Intenso"/>
Foto 5. Rosa Permanente.
Violeta formado por Rosa Permanente y Azul Intenso (Intense Blue)

El Rosa Permanente es un básico de acuarelista. Se puede adquirir en pastilla, o en tubo. Lo recomiendo en tubo si utilizamos pinceles de acuarela recargable. Este tipo de acuarela tiene más poder de tinción, y en algunos trabajos viene muy bien. Relleno el pincel recargable con un poco de acuarela de tubo, añado agua en mayor o menor medida y me voy de excursión. 

También tenemos Rotuladores. La marca Winsor and Newton ofrece este color en su gama de rotuladores de acuarela. Este producto tiene un pigmento especialmente hecho para rotulador. Son de doble punta, una fina para remarcar detalles, la otra de tipo pincel para áreas algo más grandes. Con estos rotuladores, con el Rosa Permanente en concreto, ya podremos realizar nuestros Urban Sketchs, o nuestros bocetos de Flores, nuestros diseños o acuarelas más clásicas. Si quiero pintar una fachada de la que cuelgan buganvillas, por ejemplo, y estoy en la calle pintando, utilizaré, además de los rotuladores, el Pincel de Acuarela recargable del mismo color, que lo traeré cargado de casa con acuarela ya líquida. Al final podré delinear con rotuladores, bien de este color, o de otros. Lo bueno que tienen todos estos materiales es que se pueden mezclar unos con otros. 


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Urban Sketcher

El movimiento Urban Sketcher, nacido en 2007 en la plataforma Flickr y cuyo iniciador es Gabriel Campanario, tiene miles de seguidores, e incluso un manifiesto, en el que se estipulan las bases generales.

 

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com



<alt="Sketcher"/>
Urban Sketcher - Cádiz - Calle Ancha
Macarena Márquez - Septiembre 2020

Pertenecen a él artistas que se reúnen en un lugar del planeta y dibujan y pintan, compartiendo después sus obras. Como hecho aislado, dibujar y pintar de forma abocetada in situ es algo que tiene una historia larga, que existe desde que el artista abandona su estudio y se lanza al exterior, en donde toma apuntes con grafitos o plumillas, que muchas veces se llevarán a una obra de mayores dimensiones, ya en el estudio, o que se quedarán en fase de boceto. Lo que es original de este movimiento es su carácter global y narrativo, que une a artistas de todo el mundo, pero no sólo a artistas profesionales, sino a otros con diferente grado de preparación técnica. También es único a lo largo de toda la Historia del Arte, el hecho de que se origina en una red social en donde se comparten los trabajos.

 

Campanario, ilustrador y periodista español, creador de contenido visual, nació en Barcelona, estudió Periodismo en la Universidad de Navarra y vive en Seatle (EEUU), en donde forma parte de la plantilla de The Seattle Times. Aglutina y lidera un movimiento mundial cuyo lema es: “Enseñando el mundo, dibujo a dibujo”.

 

Todo empezó compartiendo dibujos de tipo periodístico, después se creó el blog. A la bitácora se fueron uniendo artistas y corresponsales. Los dibujos se hacen a mano alzada, y se acompañan de textos o anecdotarios que añaden contenido al boceto o sketch. Lo primordial, según lo entiendo, es que une a personas muy diferentes pero que tienen un interés común y poderoso, son artistas visuales. Ven y viven el planeta con otros ojos narran el planeta y sus calles, sus lugares, a las personas que lo habitan.

 

Barcelona o Madrid son ciudades que aglutinan multitud de urban sketchers. Pero estamos en todos los sitios. El manifiesto del movimiento tiene bases entre las que cabe destacar: Ser fiel a las escenas que se ven, ayudar a otros con sus sketchs, y compartir el trabajo en Internet.

 

Se dibuja en cuaderno. Como ya expliqué en el artículo dedicado a Cuadernos de Viajes, estos cuadernos pueden ser encolados o de espiral, hay sketchers que se fabrican los suyos propios con el número de páginas y gramaje necesarios.  Todo en el boceto es artesano. Lo importante después de dibujar y pintar es compartirlo. El movimiento tiene página oficial en Facebook, en Flicr -en donde empezó-, y en todas las redes sociales. No hay que olvidar que Internet es aglutinante de una multitud de artistas que antes dibujaban solos bocetos de su ciudad y que no compartían su arte más que con su familia. A lo sumo.

 

Hay diferentes estilos, y dentro de unas bases comunes encontramos técnicas variadas. Unos sketchers delinean con bolígrafo, otros con pluma o plumilla, otros con Roller Pen. Unos delinean antes de pintar con acuarela, y otros -entre quienes me incluyo-, pintan antes, estableciendo las masas y planos de color. Al final delinean. Lo importante aquí es que los rotuladores o plumillas sean de tinta indeleble al  agua.  Aquí dejo enlace a una caja de rotuladores Lyra, que me encantan. Estos rotuladores los hay de otras marcas, y, se pueden comprar sueltos. De este modo podemos ir haciendo poco a poco nuestra paleta de color.

 

Al compartirse en redes, el movimiento tiene un crecimiento exponencial. Hay artistas muy grandes en este movimiento, empezando por su fundador, cuya obra me quedo observando muchas veces durante largos ratos y que recomiendo seguir como aprendizaje. Siempre se aprende de los que saben más.

 

El boceto in situ, o dibujo de ubicación, tiene un valor artístico que este movimiento ha puesto en su lugar. Según el manifiesto se puede dibujar en exteriores o interiores, y siempre es un tipo de composición narrativa, algo que sucede en el tiempo y en un lugar del planeta.

 

Me encanta este movimiento. Quiero añadir a este artículo, que empecé siendo una especie de urban sketcher muy joven, cuando el movimiento aun no existía. Íbamos en grupos al Café Viena de Madrid, y después al Templo de Debod, a los Jardines de Sabatini, a un banco de la calle a pasar frío o calor con nuestros cuadernos. Éramos todos artistas del emblemático y antiguo Estudio Gutiérrez-Navas de Madrid, y al frente de nosotros se encontraba Concha María Gutiérrez-Navas, a la que -rondando la década de los ochenta del pasado siglo- sólo le faltó para convertirnos en auténticos sketchers la conexión Internet.

 

A ella le dedico este artículo y este sketch. Se trata de un cuaderno realizado en Cádiz en Septiembre de este año 2020, el año de la pandemia. Cádiz siempre es alegre. El color y la luz de esta ciudad, el clima que lo permite, me dejaron con ganas de volver sólo para hacer Sketching. Nunca es suficiente.

 

En esta acuarela, en concreto, quise dejar constancia de la densidad de población que había en un par de bancos situados en la Calle Ancha de esta ciudad, frente al Salón Italiano, llegando ya a la Plaza de San Francisco. Cuando se estaba haciendo de noche, y los colores inigualables que se ven allí, ya eran imposibles de reflejar -hay un tipo de belleza que se queda con nosotros, pero que no se puede sacar de su sitio-, observaba y plasmaba un sketch de los bancos que podíamos ver desde el balcón. El banco frente a la famosa heladería se quedaba vacío. A continuación, venían otras personas con nuevos helados. Se iban. Se sentaban otras. No daba abasto con mi cuaderno.

 

¡Menos mal que llevaba dos!

 

Material empleado:

Cuaderno de bocetos: Cold Press, Acid Free. 230 g/m2

Gouache:  Blanco – White

Acuarela en pastilla:   Paleta básica caja de 12 colores

Tinta china de colores

Pinceles:

  • Redondos del 2, 4, 6
  • Planos del 2, 10

Roller Pen de Tinta Líquidaresistentes al agua: 0.7

Staedtler Lumocolor Permanent Duo Permanent Marker

Lápiz: 2HB

Goma de borrar de miga de pan

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Cómo pintar en clave FAUVE. El fauvismo.

 

Lo plano es belleza. Hay veces en que uno quiere dejar atrás la perspectiva atmosférica -lo impresionista- y adentrarse provisto de acuarelas y gouache en el mundo de lo plano, en el de los planos y el cine. Esta composición está realizada con gouache y acuarela y texturizada con Office 365. Su título es: Entrar en la noche como en el cine. Y no es lo que puedo ver en el mundo real, pero sí en el artístico en que me muevo.

© Macarena Márquez Jurado

 

<alt="Pintar de forma fauvista"/>
Adentrarse en la noche como en el cine
Macarena Márquez
Acuarela y Gouache

Material Utilizado:

·      

Papel de grano fino, 370gr/m2.

 

Me gusta bastante este papel de grano fino para utilizar gouache y acuarela.

El gouache, al ser denso y mate, se desliza mejor

 

Acuarela de tubo

 

Gouache Blanco 

 

Acuarela Líquida

 

Dejo el enlace a este set de colores primarios para empezar a trabajar con este tipo de acuarela. La marca es de primera calidad. 


     Ceras Acuarelables 


Los colores seleccionados para esta composición inducen al sueño, a la calma. Vienen a ser como una clase de yoga, o una meditación, un adentramiento, pero en clave colorística. No es lo que veo, sino lo que quiero ver, y veo. Y plasmo.

 

He seleccionado antes de pintar el Movimiento Fauve porque es el que mejor permite esta abundancia. Para los Fauve, la predominancia está en el color. Es el color el que dibuja, y no la línea. Es un arte en donde la perspectiva atmosférica deja de funcionar como así lo vio y lo expresó uno de sus representantes principales, por no decir el principal, Henry Matisse. 


Matisse vivió durante casi toda su vida en Niza, en la Costa Azul. Al principio de su estancia, residió en primera línea de playa, en donde los contrastes de luz y sombra son continuos. Si habéis observado, se trata de un espacio en donde no hay un minuto sin que el grado tonal suba o baje.  En hoteles como El Mediterráneo, primero, en donde pintó su serie de Odaliscas, o el Hôtel Nice Beau Rivage, en donde pintó su famoso cuadro: Tempestad en Niza, reconocida su habitación por los balaustres que se atisban en la parte inferior.


Hablo de estos lugares porque son espacios marítimos, de luces, sombras y evoluciones de la luz. Son visitables. Y recomendable hacerlo. Niza es uno de los lugares más artísticos. Es difícil encontrar mejores luces y tonos en el planeta. Lo que resulta paradójico, y deja entrever al gran artista, es que, un pintor mediocre nunca se hubiera atrevido a modificar una realidad inigualable como es la marítima. Sin embargo, él entra en diálogo con la luz y su proyección, la temperatura, el grado de humedad. Hace una inmersión en los valores tonales de la atmósfera hasta dar con su canal de expresión, el fauvismo, en donde a todos estos valores han sido reducidos a un valor predominante: EL COLOR.




En el fauvismo, el sol no proyecta sombras. Y tampoco la luna. La degradación tonal no existe, de ahí la planitud de los colores. Para conseguir esos colores sin progresión de matices, sólidos, actualmente llamados colores block, el propio Matisse empezó a usar papeles coloreados con temperas. Los recortaba y así encontraba soluciones. Con esta técnica compuso su gran obra: La Danza, en donde predominan los tonos anaranjados, los azules y los verdes. Los fauvistas utilizaban una pincelada llena de vigor, tendente a lo grueso, sin matices ni gradación, en donde lo plano es la perspectiva. El término procede del crítico Luis Vauxcelles, que, al contemplar una pequeña escultura clásica de un niño, cuyo autor era Louis Marquet, y que se encontraba en el centro de la sala rodeada de los cuadros fauvistas, exclamó con sarcasmo: “Donatello entre las fieras”. La palabra Fauve significa fiera en francés. Sucedió en el Salón de Otoño de 1905. En París.

 

La acuarela, la témpera, la acuarela líquida, la tinta china o las ceras acuarelables, todas las pinturas al agua son sólo medios. Como el óleo o los acrílicos. Con ese medio se puede pintar en muchas claves. Está claro que hay un tipo de acuarela clásica, de transparencias, cielos gaseosos y barcos en donde quiero navegar. En donde navego. Pinto acuarela clásica. A veces. Pero el arte es inabarcable, y ese barco de acuarela clásica siempre está abierto a otras vías. El mar es el mismo: En este caso, la Acuarela, la témpera. Pero el rumbo cambia.

 

Hay acuarelistas ortodoxos que se resisten a salir de la línea acuarelística más clásica. Es respetable y no dejo de admirar su obra todos los días. Pero somos muchos, menos ortodoxos, los que nos abrimos a todas las aportaciones, las clásicas y las menos clásicas, y también las que aún están por llegar. Picasso pintaba con óleo, el óleo era el medio -aunque no siempre-. Y también Rubens pintaba con óleo. Uno en clave cubista, y el otro en la barroca. El medio es óleo, pero no las claves artísticas.

 

Lo mismo sucede con los acuarelables todos. Son medios. Con este medio se puede pintar en clave cubista, barroca, clasicista, naif, futurista, abstracta… Y también manierista. Nuestro tiempo es manierista. No se inventa nada. Con lo inventado, sea cual sea el medio en que cada artista se sienta cómodo, y los nuevos medios en batidora permanente, experimentamos.




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Importancia del FONDO en los retratos. Acuarela.

Análisis sobre la Acuarela: Retrato de Ana y Andrés con fondo de fin de semana. Ana&Andrés watercolor portrait.

JAN VAN EYCK y VELAZQUEZ

© Macarena Márquez Jurado

Material Utilizado:

  •  Papel Guarro 240 gr.
  •   Acuarelas de tubo Sennelier Serie 2



<alt="Retrato Acuarela"/>
Retrato de Ana y Andrés con fondo de fin de semana

Se ha escrito mucho sobre la importancia del fondo en nuestras composiciones. Quiero intentar sintetizar en este primer artículo e ir a los dos puntos fundamentales a la hora de tratar este tema. Hay muchos matices que vendrán más adelante. Hoy voy a esquematizar, aplicando conceptos a esta acuarela e ilustrando sobre la base de dos obras de arte.

1.    Qué queremos resaltar.

Lo primero es elegir qué queremos resaltar, si el fondo, el retrato, o ambas cosas.  En el caso de este retrato de Ana y Andrés, he querido destacar, por un lado, la pareja que forman, pero sin olvidar que es una pareja que no se resiste al paso del tiempo en común. Por eso la he insertado en un esquema de ambiente de ocio.

Para aclarar bien esto, os remito al cuadro: El matrimonio Arnolfini, pintado por Jan van Eyck en 1434 (National Gallery, Londres). Podríamos hablar durante miles de páginas de este cuadro, pero sólo me referiré a que Van Eyck no pinta a este matrimonio con fondo neutro, sino que los inserta en su hogar, describiendo minuciosamente cada detalle que quiere resaltar, y añadiendo símbolos. Por ejemplo, en el cuadro el esposo sostiene la mano de la esposa, lo que hace referencia a la potestas, la autoridad en la casa. En cuanto a los objetos, además de estar cargados de símbolos, también reflejan el orgullo del bienestar de esta pareja. Sus muebles representan su herencia y sus logros. Ese orgullo es representativo de la incipiente burguesía flamenca de la época, una clase social nueva que se fue enriqueciendo y que empezó a adquirir obras de arte como símbolo de prosperidad. El gran historiador del arte alemán Erwin Panofsky, en su artículo: Jan van Eyck's Arnolfini Portrait (The Burlington Magazine for Connoisseurs, Vol. 64, No. 372. Mar.1934) hizo un estudio de este cuadro digno de ser leído, que aconsejo. Sólo he querido referirme aquí al hecho de: “Qué queremos resaltar”, a la hora de pintar un retrato o boceto de personas.

 

2.    Cómo lo hacemos.

Una vez que sabemos lo que queremos resaltar, procederemos a ver cómo lo hacemos. Si queremos dar importancia solo al retrato, a la esencia y sustancia del retratado, podremos elegir un fondo neutro, nada estridente, que no entretenga la atención de lo esencial. Pero si lo que queremos es reflejar el carácter social o ambiental del retratado, trataremos el fondo con especial atención, llevando a quienes observan nuestra obra a donde nosotros queremos.

Cuando pintamos, es el artista el que le pone el punto de vista al espectador. No olvidemos esto.  Al observar el retrato de Inocencio X de Velázquez (Galería Doria Pamphili, Roma), no somos nosotros -espectadores- quienes decidimos el punto de vista de la obra de arte, sino Velázquez – artista-, que en 1650 decidió pintar una mirada inteligente y turbadora que nos perseguiría a lo largo del espacio mientras observamos. ¿Sómos nosotros quienes nos acercamos o alejamos imponiendo así nuestro punto de vista, o fue Velázquez quien dejó inscrito para la posteridad cuál era el punto de vista?

Esto es algo que siempre hay que tener presente, sea en nuestro nivel o en el nivel que sea. No es el espectador el que determina el punto de vista, somos nosotros quienes guiamos al espectador hacia dónde tiene que mirar. Los historiadores del arte, estudiosos, aficionados, espectadores y turistas sensibles, sabemos que adentrarse en el cuadro de un maestro es ver a través de un artista, entrar en el sancta sanctorum de su atelier más profundo. Somos dirigidos por el artista, incluso cuando hay multipunto de vista, o sencillamente no lo hay.

Pasando al nivel sencillo de esta acuarela, en el humilde caso de este ejemplo propio, he querido resaltar el carácter de esta pareja como pareja con vida al margen del trabajo, por eso decidí desde el principio insertarlos delante de unas botellas y de un jamón serrano -pongo serrano porque nos leen no sólo en España-. La franja del fondo no es más que una síntesis del ambiente alegre de fin de semana, al que esta pareja no renuncia después de muchos años. Creo que ese no renunciar a la alegría del fin de semana, cuando se trabaja y se lleva muchos años juntos, es un éxito y así los he querido retratar, o más bien abocetar. La franja del fondo también condensa algunas conversaciones sobre jamón serrano que, siempre antes de las navidades, tuve con mi compañera: Ana Reques en momentos de calma laboral.

De una forma muy esquemática, este es el resumen de los dos puntos fundamentales a la hora de elegir fondo para nuestros retratados. Son elementos mínimos que también los fotógrafos conocen. Saben que, si retratan sobre una pared de cal blanca, el resultado será esencialmente retrato, y que, si el fondo es azul, traeremos a un primer plano mucho más próximo al retratado por una cuestión de longitud de onda.


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Macarena Márquez Jurado Wikipedia

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