Urban Sketcher - ¿Qué es el movimiento Urban Sketcher?

 Urban Sketcher - Cádiz

Calle Ancha – Salón Italiano

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com

 

El movimiento Urban Sketcher, nacido en 2007 en la plataforma Flickr y cuyo iniciador es Gabriel Campanario, tiene miles de seguidores, e incluso un manifiesto, en el que se estipulan las bases generales.


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Urban Sketcher - Cádiz - Calle Ancha
Macarena Márquez - Septiembre 2020

Pertenecen a él artistas que se reúnen en un lugar del planeta y dibujan y pintan, compartiendo después sus obras. Como hecho aislado, dibujar de forma abocetada in situ es algo que tiene una historia larga, que existe desde que el artista abandona su estudio y se lanza al exterior, en donde toma apuntes con grafito o plumilla, que muchas veces se llevarán a una obra de mayores dimensiones, ya en el estudio, o que se quedarán en fase de boceto. Lo que es original de este movimiento es su carácter global y narrativo, que une a artistas de todo el mundo, pero no sólo a artistas profesionales,  sino a otros con diferente grado de preparación técnica. También es único a lo largo de toda la Historia del Arte, el hecho de que se origina en una red social en donde se comparten los trabajos.

Campanario, ilustrador y periodista español, creador de contenido visual, nació en Barcelona, estudió Periodismo en la Universidad de Navarra y vive en Seatle (EEUU), en donde forma parte de la plantilla de The Seattle Times. Aglutina y lidera un movimiento mundial cuyo lema es: “Enseñando el mundo, dibujo a dibujo”.

Todo empezó compartiendo dibujos de tipo periodístico, después se creó el blog. A la bitácora se fueron uniendo artistas y corresponsales. Los dibujos se hacen a mano alzada, y se acompañan de textos o anecdotarios que añaden contenido al boceto o sketch. Lo primordial, según lo entiendo, es que une a personas muy diferentes pero que tienen un interés común y poderoso, son artistas visuales. Ven y viven el planeta con otros ojos narran el planeta y sus calles, sus lugares, a las personas que lo habitan.

Barcelona o Madrid son ciudades que aglutinan multitud de urban sketchers. Pero estamos en todos los sitios. El manifiesto del movimiento tiene bases entre las que cabe destacar: Ser fiel a las escenas que se ven, ayudar a otros con sus sketchs, y compartir el trabajo en Internet.

Se dibuja en cuaderno. Como ya expliqué en el artículo dedicado a Cuadernos de Viajes, estos cuadernos pueden ser encolados o de espiral, hay sketchers que se fabrican los suyos propios con el número de páginas y gramaje necesarios.  Todo en el boceto es artesano. Lo importante después de dibujar y pintar es compartirlo. El movimiento tiene página oficial en Facebook, en Flicr -en donde empezó-, y en todas las redes sociales. No hay que olvidar que Internet es aglutinante de una multidud de artistas que antes dibujaban solos bocetos de su ciudad y que no compartían su arte más que con su familia. A lo sumo.

Hay diferentes estilos, y dentro de unas bases comunes encontramos técnicas variadas. Unos sketchers delinean con bolígrafo, otros con pluma o plumilla, otros con Roller Pen. Unos delinean antes de pintar con acuarela, y otros -entre quienes me incluyo-, pintan antes, estableciendo las masas y planos de color. Al final delinean. Lo importante aquí es que los rotuladores o plumillas sean de tinta indeleble al agua.  

Al compartirse en redes, el movimiento tiene un crecimiento exponencial. Hay artistas muy grandes en este movimiento, empezando por su fundador, cuya obra me quedo observando muchas veces durante largos ratos y que recomiendo seguir como aprendizaje. Siempre se aprende de los que saben más.

El boceto boceto in situ, o dibujo de ubicación, tiene un valor artístico que este movimiento ha puesto en su lugar. Según el manifiesto se puede dibujar en exteriores o interiores, y siempre es un tipo de composición narrativa, algo que sucede en el tiempo y en un lugar del planeta.

Me encanta este movimiento. Quiero añadir a este artículo, que empecé siendo una especie de urban sketcher muy joven, cuando el movimiento aun no existía. Íbamos en grupos al Café Viena de Madrid, y después al Templo de Debod, a los Jardines de Sabatini, a un banco de la calle a pasar frío o calor con nuestros cuadernos. Éramos todos artistas del emblemático y antiguo Estudio Gutiérrez-Navas de Madrid, y al frente de nosotros se encontraba Concha María Gutiérrez-Navas, a la que -rondando la década de los ochenta del pasado siglo- sólo le faltó para convertirnos en auténticos sketchers la conexión Internet.

A ella le dedico este artículo y este sketch. Se trata de un cuaderno realizado en Cádiz en Septiembre de este año 2020, el año de la pandemia. Cádiz siempre es alegre. El color y la luz de esta ciudad, el clima que lo permite, me dejaron con ganas de volver sólo para hacer Sketching. Nunca es suficiente.

En esta acuarela, en concreto, quise dejar constancia de la densidad de población que había en un par de bancos situados en la Calle Ancha de esta ciudad, frente al Salón Italiano, llegando ya a la Plaza de San Francisco. Cuando se estaba haciendo de noche, y los colores inigualables que se ven allí, ya eran imposibles de reflejar -hay un tipo de belleza que se queda con nosotros, pero que no se puede sacar de su sitio-, observaba y plasmaba un sketch de los bancos que podíamos ver desde el balcón. El banco frente a la famosa heladería se quedaba vacío. A continuación, venían otras personas con nuevos helados. Se iban. Se sentaban otras. No daba abasto con mi cuaderno.

¡Menos mal que llevaba dos!

Material empleado:

Cuaderno de bocetos: ARTEZA. Cold Press, Acid Free. 21x21. 230 g/m2

Gouache:

            Blanco – White

Acuarela en pastilla:

            Paleta básica caja de 12 colores

Tinta china de colores

Pinceles:

Redondos del 2, 4, 6

Planos del 2, 10

Roller Pen de Tinta Líquida resistentes al agua:

            De punta redonda y plana. Números: 0.2, 0.4 y 0.7

Lápiz: 2HB

Goma de borrar de miga de pan

 

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Macarena Márquez Jurado

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Watercolour. How to darken yellows without ceasing to be yellows.

How to darken yellows without ceasing to be yellows.
Painting a quince with watercolor. Step by Step

To Antonio López. Master in the Art of painting quinces. Spanish painter of Universal History of Art.

I encourage all those who want to do development and exercises with yellows to paint quinces. A single quince is a boast of this colour. As you can see, to say yellow is to say the yellow pigment and multiple tones, a lot of tints.

I have selected the quince, because that way you can mix with ochre and blue and see how what at first seems to us apple or lemon is transformed into that aged and almost dirty texture of the yellow that we call quince.


    How to darken yellows. www.macuarela.com

Material:

Canson paper: 21 x 29.7 cms. 300 g / m2 or any other heavyweight rough paper.

Brushes: Round 12, 10, 6, 4, 2 and a Rigger to outline.

Pencil or mechanical pencil: H

Watercolor:

Cadmium Yellow Light Hue

Cadmium Yellow Deep Hue

Yellow ochre

Burnt Sienna

Hooker's Green Dark

Cinnabar Green (Or Sap Green)

Vermilion Red

Ultramarine Blue

Payne’s Gray

How to darken yellows without ceasing to be yellows by Macarena Márquez


 







We start by drawing the fruit in a very shallow way, a kind of flattened and sinuous circumference is enough. The pencil must be an H (Hard). We are talking about yellows, which, with their transparency, would show the drawing if we mark a lot.

The model that I show you has a reading from left to right and is numbered. At the top left you have some coloured lines; they are the colours used.

1. Paint with light cadmium yellow, very thinned with water. Clearer -more water- the higher up and to the right. It is assumed that here we will have the entrance of light. Let dry perfectly.

2. With a 12-round brush, give a second layer of dark cadmium yellow with a tip of burnt sienna, but we no longer enter the entire surface of the quince, only the outer part as shown in figure 2. Move the brush making sinuosities, or the quince will be an apple. It is important to think that it is not a fruit with a smooth surface, but a very rough one, and that effect must be borne in mind from the beginning. Let dry perfectly.

3. With a round brush Num.10, repaint the outer area, without already covering the surface painted in number 2. It is the way to gradually reach volume, and to enter the three dimensions, avoiding all flatness. We will paint with dark cadmium yellow mixed with a little yellow ochre. Yellow colour is very difficult to darken. Always more quantity in the lower left area, which is where less light reaches. Before it dries, in the lower part, we will put a little burnt sienna very thinned with water.

4. Figure 4 shows how these layers would look. In the central part, only the initial light cadmium would be seen, in the upper part two layers would be seen: light and dark cadmium, in the lower part, the three layers of light + dark cadmium + yellow ochre + very reduced burnt sienna.

5. Step 5, please, do not do it. I leave it here because I did a test. I did it just to always encourage you to try, to check. Go observing the figure. I painted some background and leaf with Hooker Green. With that same Verde Hooker very thinned with water, I entered from the lower right -as the arrows show-, with the greenish water on the quince, and made the sinuosities that you can see. Before that greenish dried up, I put a tip of Vermilion Red in the middle (Wet on wet, so it blends). It is what I define in figure 5 as 4a. I let it dry, it was a test. When checking the result, I saw that it was looking more like a tomato than a quince, so I made a new one, changing the hue, to darken. That is why I tell you that this step number 5 is only so that you can see the difference and the reason that painting is not doing a division, or a multiplication. They are not exact sciences, it is experimental, and until it is painted and tested, it is not learned. Therefore, we turn to figure 6. I do not want to get to tomato, apple, or pear. I want to get to quince.

6. We had left our quince project at point 4. Now we go to 6. We paint the background green, this time, I change the Hooker, for a Green Cinnabar or a Sap. If you do not have one, you can add a little yellow ochre and burnt Sienna to the Hooker and you already have it. With that gouache I have entered the quince making starters, cavities, scrambled. When it was still wet, I put a tip of Vermilion Red in the central part (Wet on Wet). I left it to dry perfectly. Next, I have given another layer of ultramarine blue, very lowered, from the green of the background to the inside of the quince. As you can see, now I am getting a velvety aged skin effect, just like the quince has. Wait for it to dry.

7. Once everything is dry, we let a drop of clean water fall in the middle with the brush. We work wet on wet. We drop a little Payne Gray again, very reduced, as it is a colour that stains a lot. And a new point of Vermilion. These two drops are for depth. I recommend that, if it looks good, you do wet-on-wet tests on another paper. As for the lower part, we outlined a bit with the Rigger and with Pure Ultramarine Blue. A little higher we do it with Siena Tostada.

Finally, and once it is dry, we continue to give a few small touches to refine outlining or to get those small dark holes, which are reduced to minimal brush strokes with a brush number 2 or 3 of Siena, Payne Gray or even Ultramarine Blue. We can slightly outline the greens to make them look like the leaves of the quince. Below it, always a dark and flat brushstroke to settle the piece to the ground, and that does not have the effect of a rolling ball.

 

9. Don't forget to sign. But only if it is worth it. If you have only learned things, don't sign a watercolour until you're really happy with it. There are minimums, which you will understand and which you will access.

I hope you enjoyed it.

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