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Qué es un Sketchbook

 El Sketchbook, o cuaderno de bocetos, es un bloc que lleva el artista o aficionado cuando sale del estudio. Tiene alguna característica básica. Aunque los hay de muchos modelos y calidades, lo idóneo es que tenga tapa dura.

Cuando estamos en la calle o en medio de la naturaleza no hay mesa. Debemos poder apoyar sin que se nos arrugue el papel. Por otro lado, dependiendo si vamos a dibujar o a pintar con acuarela, necesitaremos un tipo de papel de mayor o menor gramaje. Si vamos a hacer apuntes, elegiremos un papel de grano más fino y menor gramaje, pero en cuanto entra en juego el agua, hay que ir subiendo el gramaje y la calidad. El papel deberá tener mayor consistencia. Si es posible libre de ácidos para que resista mejor el paso del tiempo, que es lo que yo quiero.

<alt="Sketchbook Malasaña Madrid"/>
Sketchbook - Madrid - Malasaña
Macarena Márquez Jurado
www.macuarela.com

Hay veces en que pintamos sentados sobre una piedra, en la arena de la playa o la tumbona, sobre una silla plegable, en un poyete o banco. Nuestra mesa normalmente son nuestras piernas, por eso la tapa dura del cuaderno es fundamental. También es posible que queramos pintar desde arriba, o que no nos podamos sentar. Entonces nos pondremos de pie, cogeremos el cuaderno con una mano, a modo de atrio, y pintaremos o dibujaremos con la que queda libre.

Hay sketchbook con forma panorámica, horizontal, que son los que mejor se adaptan para ciertos paisajes de campo o marítimos, aunque en ocasiones, como la que ilustra este artículo, me gustan los tamaños algo más cuadrados, de modo que quede papel suficiente para poder escribir.

El sketchbook no sirve sólo para plasmar espacios, imágenes o el mundo que nos rodea, para el artista todo es motivo de creación. Hay artistas plásticos, o aficionados, a los que no sólo nos gusta la imagen, sino también la palabra. Para ello, la elección de nuestro cuaderno de bocetos será fundamental. Soy escritora.

En los ratos de tranquilidad, en vacaciones o cuando salimos intencionadamente a pintar al exterior, muchas veces nos sobrevienen ideas. Puede ser una frase sin mucho sentido, una reflexión, la descripción personal de una imagen. Todo quedará reflejado en nuestro diario plástico.

<alt="Malasaña Madrid Calle del Espíritu Santo"/>
Sketchbook - Madrid - Malasaña
Macarena Márquez Jurado
Texto. Pag. Izquierda

Iba de paseo por Malasaña, bajaba por la calle Espíritu Santo, al llegar a la de Santa Lucía me encontré con este esquinazo. Ahí paré. Se acababa de disparar la creatividad. Era un edificio azul sobre un cielo azul de los intensos. Abajo estaba anocheciendo. Arriba aún era de día. Un verdadero lío de luces y de azules.

No había banco. No había silla. Así que esbocé de pie, abriendo las líneas hacia arriba, exagerando la inclinación para reflejar mi situación de calle. Tuve que hacer un esfuerzo para comprender qué era más azul, el cielo, el edificio, o la atmósfera de la calle, a donde la luz ya casi no llegaba. Eso de que abajo sea casi de noche y arriba aún de día es algo que me encanta y que se da en las ciudades. 

Fijé la luz y los colores in situ, con pinceles de agua que llevo cargados, y escribí con un rotulador metálico. 

<alt="Pincel con cargador"/>
Pincel con cargador

Rotulador Metálico Staedtler

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Fijé la luz y los colores, ese momento. Rematé líneas ya en casa. Me quedé sin luz. Ni abajo, ni arriba.

<alt="Urban Sketch Madrid"/>
Sketchbook - Madrid - Malasaña
Macarena Márquez Jurado
Página derecha


Pero la luz se ha quedado en el cuaderno. Se trata de otra luz y otros colores que los que aporta una o un millón de esas fotografías de las que llenan de bytes nuestros teléfonos. La fotografía es un arte que también me encanta y que me ayuda a la hora de enfocar o de llevarme paisajes cuando no voy con cuaderno. Esto es otra cosa.

<alt="Calle Espiritu Santo Madrid Acuarela"/>
Sketchbook - Madrid - Malasaña
Macarena Márquez Jurado
Detalle

Sinceramente, si solo hubiera disparado veinte fotos, que es lo que solemos hacer, esas fotos hubieran caído en el olvido porque casi todas las esquinas de mi ciudad, Madrid, tienen vida, arte, más vida, energía. No pararía de fotografiarla. Pero eso no es lo que quiero. Sobran fotografías rápidas. Y faltan instantes o luces detenidas. 


Hablamos de slow life, slow travel o slow cooking. Empecemos a hablar de slow art.

Esta esquina en concreto no se me va a olvidar nunca, porque, además, no quiero hacerlo. No sé de quien será este cuaderno cuando ya no esté en el planeta. Quien quiera que sea, no tendría la foto, y tampoco ese punto de vista parado en el tiempo en el que algún día yo estuve. Espero despertar la curiosidad de esa persona que lo herede y que se dé el paseo por Malasaña en busca de la casa. A lo mejor pintan las fachadas de otro color. También espero que no lo hagan, porque es preciosa así, y supone un alegre reto contra los azules de los cielos madrileños, esos de los que nunca quiero alejarme y a los que siempre echo de menos cuando no estoy.

El sketchbook es cuadrado, de 19 x 19 cms. y gran calidad: 300 g/m2, 100% algodón, libre de ácidos. Está encuadernado con las tapas de piel sintética, es de la marca Viviva. Y en honor a la marca, espero que viva. Ahí quedará.

Así quedó al completo:

Sketchbook - Madrid - Malasaña
Macarena Márquez Jurado
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En otro artículo hablaré de otros cuadernos de bocetos, de otros bocetos que nada tienen que ver con los paisajes, otras experiencias.

 

Macarena Márquez Jurado

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Rotuladores acuarelables. Water Colour Marker.

 © Macarena Márquez Jurado

En este artículo se explica cómo utilizar los rotuladores acuarelables. Para ello se utilizan ejemplos claros de modo que, cada uno pueda elegir cuándo o cómo utilizarlos; saber, si quiere incorporar todos, algunos o ninguno a su maletín de acuarelista.


Lo primero que quiero expresar es que, cuando nos disponemos a llevar a cabo una acuarela, no siempre nos tenemos que ceñir a un solo material. Imaginemos que iniciamos un boceto sobre papel. Podemos utilizar solo un tipo de acuarela en toda nuestra composición, o mezclar varios tipos. Voy unos días a la montaña, en concreto a una estación de esquí. Pinto varios bocetos de personas en movimiento sobre fondo nevado y diferentes cielos. Puedo utilizar acuarela en tubo para la figura y decidir pintar el cielo con rotulador acuarelable.

Para tomar estas sencillas decisiones del día a día de cualquier pintor, antes hay que conocer materiales y hacer pruebas con ellos.


<alt="Rotuladores Acuarelables para bocetos"/>
Figura 1
Esquiador. Rotuladores Acuarelables.
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Teoría sobre cada material hay mucha, y es muy importante. No me voy a cansar nunca de decir que el que no conoce materiales y texturas, quien no experimenta con ellos, difícilmente puede crear algo diferente, innovar, o sencillamente dar forma a lo que hay en su mente. Eso no quiere decir que tengamos que utilizar todo cada vez que pintamos. La creación de materiales nuevos avanza a un ritmo tan vertiginoso como toda la industria planetaria. Debemos probar lo que se innova o se recrea, al menos algunos elementos, siempre en la medida de nuestras necesidades. Al experimentar con lo novedoso, puede que nos enamoremos de algo y añadamos ese material a nuestra mochila de acuarelista.

A mí me sucedió con los Rotuladores Acuarelables para pintar ciertos cielos. Y lo tengo incorporado a mi maletín cuando voy de viaje o salgo al exterior.


El nivel de pigmentación de estos water colourmarker es alto como se puede observar en la figura 2. En este caso, para pintar un boceto rápido en el que el suelo es nieve, es el propio pigmento azul el que marca la línea de horizonte de la nieve.

<alt="Cielos con acuarela"/>
Figura 2
Detalle cielo. Rotuladores Acuarelables.


Yo utilizo un set de 6 de la marca Winsor&Newton para superficies medianas o  grandes, sin olvidar otras marcas de las que hablaré en otro momento. Es cómodo de llevar, viene en una caja que me recuerda algunas vintage que hicieron historia. Son estos. A continuación dejo explicado cómo los utilizo.


Set de 6 Rotuladores Acuarelables  Winsor - Newton


Tienen dos puntas, una que se puede utilizar como pincel directamente, y otra para remarcar, o delinear. Estamos hablando de un material inteligente. Para no dudar, para no machacar las puntas, los tapones están diseñados ad hoc. Esto es, tanto la punta a pincel como la fina están diseñadas para que las podamos distinguir y no machacar, una es con forma apuntada -la fina- y la otra es de base plana - el pincel -.  


Rotulador Acuarelable Winsor - Newton
Dos Tipos de Punta
Diseño inteligente con dos tipos de Tapón para no confundir
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Hay varias formas de utilización. 

Imaginemos que salimos a pintar al aire libre, es muy cómodo llevarlos. No ocupan, son rotuladores. Podemos llevar nuestro pequeño bote de agua y aplicarlos de múltiples formas.

Rotulador Acuarelable Winsor - Newton
Formas de utilización
1- Rotulador directamente sin agua
2- 1º Rotulador y después aplicar agua
3- 1º Agua y después aplicar rotulador

La primera, directamente pinto sobre una lámina plástica y añado agua. Con esa mezcla pinto en mi cuaderno de bocetos. La segunda, pinto directamente sobre mi cuaderno de bocetos y después añado agua, a todo o a algunas partes de la composición. Y la tercera, doy una pincelada de agua en mi cuaderno y después pinto con el rotulador azul, sin ejercer excesiva presión sobre el papel.


Personalmente me gusta esta tercera forma, y es la que he aplicado en el cielo de este boceto. Dibujé la línea de horizonte. Apliqué agua con el pincel sobre el cielo, y después, con la punta gruesa del rotulador, sobre húmedo, describí varios trazos. Lo dejé actuar. Y este es el resultado.

Esa es la magia, experimentar. Nunca se sabe del todo qué va a suceder cuando lo que pintemos esté seco. Hay que probar mucho y dejar hacer a nuestros materiales. En este caso he trabajado sobre un papel nada poroso de grano fino, un cuaderno de bocetos.

Aquí dejo una muestra de lo que explico. Particularmente me gusta más aplicar antes el agua, pero todo es cuestión de gustos y depende no solo del momento y circunstancia, sino también del objeto de nuestra acuarela. En trabajos de ilustración o diseño, casi siempre utilizaré el rotulador acuarelable directamente sobre el papel. 

En cuanto a las firmas, en este caso he utilizado un rotulador metálico dorado. Me encantan. Como siempre digo, la firma es parte de nuestro dibujo, es un dibujo que forma parte de nuestro dibujo valga la redundancia. Es pintura. Además, es composición siempre que así lo deseemos. En este caso he puesto a esquiar las letras. Ese juego creativo es algo que recomiendo.  

Figura 4
Detalle Firma. Rotuladores Acuarelables.
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Se me olvidaba algo. Por tratarse de tintas al agua, no tenemos esa sensación de olor poderoso de los rotuladores de tinta permanente. Estos últimos también me encantan, pero para otras cosas, y, además, esto es un blog de acuarela.

 

 

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Cómo pintar VACAS en 5 pasos

 © Macarena Márquez Jurado

En este artículo se dan las consignas para pintar una vaca con acuarela en 5 pasos. Pintar animales es un reto. Cada uno de ellos tiene su carácter, su postura, una particular forma de moverse en el espacio o de prestar atención. No tienen palabras, así que sus silencios son muy largos y observables. Eso es lo que me atrapó de esta vaca. Su forma de prestar atención, su cabeza arrimada a la sombra en un día caluroso de primavera.

<alt="Pintar Vacas Paso 1"/>
Cómo pintar vacas en 5 pasos
Acuarela de Macarena Márquez
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Vaca a la sombra. Fotografía de Sofía Rico.


Es la primera vez que pinto una vaca. Prefiero pintar personas, la verdad. Pero ésta en concreto es una vaca atenta, que mira con una tranquilidad seductora.

Para insertar en este blog el momento de estallido primaveral, la mirada de la vaca y su estar en el mundo, haré varias consideraciones que acompañarán el proceso paso a paso de esta acuarela. Es lo que más me pedís siempre, los pasos, la traducción de la realidad. Podéis seguir el proceso al mismo tiempo que lo explico y pintar vosotros mismos.

Paso 1 Pintar una vaca

No me propuse pintar una vaca. Encontré una vaca. Lo fácil es pintar una con manchas blancas y negras. Al menos es más fácil que una como ésta en que la piel es más o menos homogénea. El contraste del blanco y el negro es un recurso que ayuda mucho a la hora de pintar, más a la hora de pintar una vaca.

Me llevé un cuaderno de bocetos que me gusta mucho cuando salgo al exterior. Es de papel de gramaje 170 g. y tiene unas medidas adecuadas para llevarlo encima 14,8 x 21 cms. A ello se suma que tiene portada y contraportada de cartón fuerte para poder apoyar. Y lo mejor, unas grandes anillas -no es encolado- que permiten pasar de hoja sin estropear alguna. Dejo aquí la referencia, utilizo muchos tipos de blocs y gramajes, pero para este tipo de excursión, me encanta éste, con su tapa dura tipo lienzo natural. Es para boceto con acuarela suave, no admite mucha agua, pero sí técnica mixta, es decir, que puedes utilizar rotuladores acuarelables, crayons, tinta china o acuarela, pero siempre con poca agua. Para trabajos más elaborados, es necesario más gramaje. Os dejo el enlace a Amazon por si interesa: Bloc encuadernado con gusanillo - Papel cartridge - 170 gsm -  Artway Enviro - 35 hojas - Apaisado

Y ahora, a pintar, lo primero que hice después de terminar el dibujo, muy esquemático, fue dar una base de azul ultramar aguado a toda la zona de sombra. Poco pigmento y poca agua. Esta suave aguada es una forma de cohesionar todos los elementos que están en nuestra composición. Hay algo que riega o que unifica todas esas cosas y que al final, cuando hayamos acabado, dará como resultado eso que llamamos ambiente, la atmósfera. En este caso concreto, ese ambiente lo da el azul ultramar de base. Muchas veces nos detenemos en el detalle y al final tenemos composiciones frías, en donde todos los elementos aparecen cada uno en su espacio y universo. Esta reflexión es importante. La vaca no es únicamente la vaca, en realidad es una tonalidad, una mancha inserta en otras manchas, otros dibujos. Todos los elementos de un cuadro están insertos en una atmósfera. Eso es algo que unifica. Para no atascarnos con detalles y al mismo tiempo perder el miedo al papel blanco, hagamos la mancha. Azul.

Cierra un poco los ojos y observa la foto, de ese modo aislarás perfectamente las sombras de las luces. Plasma con una mancha azul lo que tú creas que está en sombra, o lo que quieras que quede en sombra. Puedes pensar que no es una vaca blanca y negra, sino más bien sin manchas, pero que lo que no es de ninguna manera es una vaca azul.

<alt="Pintar Vacas Paso 1"/>
Cómo pintar una vaca paso 1
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No te preocupes. PINTA AZULDa el salto. Te sorprenderás de llegar a la vaca, y, sobre todo, a ese ambiente de primavera. Observa la mancha. Y olvida todos los miedos. 

El azul utilizado y recomendado, como se puede observar en el enlace anterior, es el Azul Ultramar de Winsor y Newton. Un tubo de 14 ml. de acuarela profesional. Cuando se está empezando, no todos los colores de nuestro material tienen que ser de clase A, pero en el caso del Ultramar, yo siempre recomiendo una buena marca y en su vertiente profesional. Es un tubo que dura bastante y que tiene gran permanencia.  El azul es la base de la atmósfera y de todos los matices agrisados de nuestra paleta. Es el aire, es el mar, y mezclado es la tierra. Podemos invertir un poco más en él. 

Paso 2 Pintar una vaca

Voy a ir entonando los verdes. A la izquierda de la composición tengo azules, si ahora meto amarillos,  ya tengo verdes. Observa. El mismo amarillo de la franja superior es el de la franja inferior de vegetación. En este paso vuelvo a la fotografía. Entorno los ojos hasta tenerlos casi cerrados y compruebo que el punto de máxima oscuridad es el tronco y la parte inferior izquierda. Hay otros oscuros, pero poco a poco. De momento doy otra capa de azul ultramar a ese tronco que define el primer plano. Y con un poco de Gris Payne, doy otra capa en el tramo de montaña que hay sobre la vaca y en el extremo inferior izquierdo. Oscurezco desde este paso las orejas de la vaca. Pongo el papel vertical. Me interesan esas gotas de azul de las patas de la vaca.

<alt="Pintar Vacas Paso 2"/>
Cómo pintar una vaca paso 2
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Paso 3 Pintar una vaca

Me doy cuenta de que, para conseguir ese ambiente de sombra en primavera, bastante cálido, tengo que ir consiguiendo que la vaca deje de ser una entidad azul para empezar a ser una vaca. Para ello utilizo el siena tostada. Al mezclar con los azules, consigo grises terrosos. Así voy acercando planos y dando volumen al cuerpo de la vaca. Oscurezco la cara. Con ese Siena Tostada mezclado con Verde Hooker pinto algunas zonas de vegetación a la derecha, en la base de la montaña. También entono el suelo con una base muy suave de Ocre Amarillo y Verde. Doy una pincelada al ojo izquierdo y nuevos oscurecimientos a orejas, morro y pezuñas.

<alt="Pintar Vacas Paso 3"/>
Cómo pintar una vaca paso 3
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Paso 4 Pintar una vaca

Sigo metiendo oscuros. Es la hora de ponerle cuernos a la vaca. Con sienas. Con ese mismo Siena Tostada y Gris Payne hago un oscuro. Necesito algunas pequeñas manchas que den contraste y dibujen. Con un poco de arte, describo alguna línea en la pata izquierda, debajo de la panza de la vaca. También mancho el ojo derecho. Sin pasarme de oscuridad o sólo habrá ojos en esta acuarela. Observo al alejar mi papel que la parte izquierda de la cara de la vaca se pierde. Hago un verde muy oscuro y pinto esa especie de vericueto calado, que hace que la cara resalte, aunque todo está dentro de la sombra. Debajo está el detalle de este paso.

Además, voy añadiendo pinceladas de color Siena Tostada al tronco del árbol. Dejo que el agua caiga. Pongo el papel vertical para ello. Me gusta el efecto de la gotas de pintura que caen y se secan lentamente. En ellas está la máxima acumulación de pigmento. Y siempre aportan algo de sorpresa cuando se evapora el agua.

<alt="Pintar Vacas Paso 4"/>
Cómo pintar una vaca paso 4
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Cómo pintar una vaca paso 4 -  DETALLE
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Paso 5 Pintar una vaca

Este paso es muy importante. Hasta que la vaca no proyecte su sombra, no habrá luz en mi acuarela. Esa sombra la defino con una mancha de Siena Tostada que, en realidad, como se puede observar, es una continuación de la mancha de las patas.

 

Cómo pintar una vaca paso 5
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<alt="Pintar Vacas Paso 5"/>
Cómo pintar una vaca paso 5 - DETALLE sombras
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Resultado

Y aquí está la vaca, muy atenta. Es mi traducción de la realidad. Si observáis el fondo superior, hay más vegetación y menos montañas. En tu caso debes pintar y seleccionar lo que quieras, y traducir con tu estilo. Yo he querido que se vea la atmósfera que une todos los elementos, que esa atmósfera sea azul, que la sombra cálida la llenen amarillos y sienas. Creo que mi vaca es más guapa que la real y que sus ojos son más grandes. Pero su mirada sigue siendo tranquila y atenta. Quizá eso es lo que hoy nos falte.

En cuanto a la primavera, llega todos los años.

Cómo pintar una vaca. Resultado proceso paso a paso
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Cómo pintar un RETRATO en clave FAUVISTA en 3 pasos

 © Macarena Márquez Jurado

Pintar un retrato en clave fauvista es entrar en otra dimensión, ser libre para retratar a una persona en todos sus planos y universos, sin ceñirse a la realidad visual y sin que deje por ello de ser dicha persona.

<alt="Pintar retrato paso a paso"/>
Cómo pintar un retrato en clave fauvista
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Retrato de Dolly Martín White


Material Utilizado:

·         Papel de grano fino, 300 gr/m2. 

·         Acuarelas líquidas

·         Témpera

 

Para comprender los fundamentos de este movimiento, que siempre me ha seducido, os remito al artículo:  Fauvismo. Lo FAUVE en Acuarela. Allí están las claves para agrandar nuestra percepción a la hora de ponernos frente a un paisaje o retrato de Matisse, por ejemplo. En este artículo me quiero detener, no en el movimiento fauvista en sí, sino en expresar de forma descriptiva – con imágenes y palabras - la fuerza que confiere liberarse del dibujo y de todos los cánones aprendidos para adentrarnos en lo que el artista intuye. Es el pintor el que expresa según el motivo que ve, lo que ve o a quien ve. Y hay diferentes claves o estilos para hacerlo. Dichos estilos, los cánones o las claves, son vehículos de expresión. Mientras mejor los conozcamos y los apliquemos, más cerca estaremos de aportar algo. Hay veces en que es mejor no expresar. Cuando la realidad nos supera, si la reflejamos de forma deficiente o sin hacer aportación alguna, resulta mejor seguir aprendiendo antes de conformarnos y colgar nuestra obra en el salón de nuestra casa. Claro que lo podemos hacer, pero eso no es arte. A veces es mejor una pared vacía.

Hay personas que expresan mucho sin herramientas ni horas de estudio. Por otro lado, hay quienes ejecutan con gran virtuosismo, que tienen todas las herramientas y conocimientos, pero que no expresan nada. Con todo, ni lo uno ni lo otro es lo común, estos ejemplos marcarían los dos extremos. En cuanto a los estilos, unos se adaptarán mejor que otros a nuestra forma de conocimiento del mundo, aunque no son excluyentes. El artista puede expresar a través de vehículos o estilos diferentes y no siempre tiene que utilizar la misma línea en la práctica.

Con esta liberación de todo el aprendizaje académico que propongo en este artículo, no quiero decir que no sea necesario saber dibujar o pintar. No es eso. Hay personas que piensan que pueden pintar maravillosamente sin saber. Y eso solo sucede cuando el genio supera a todo lo aprendido y solucionado a lo largo de la Historia del Arte por los pintores y artistas. Paolo Uccello, uno de los artífices del invento de la perspectiva, no dormía estudiando la forma de colocar las lanzas de sus cuadros en el suelo de forma que parecieran oblicuas al espectador. Oblicuas: esa dificultad superada por los artistas del Renacimiento. Ahora nos parece muy fácil traspasar a las dos dimensiones de nuestro papel la tercera dimensión, el profundo, en el Quattrocento no. El hombre medieval aun no sabía pintar con perspectiva. Dicho invento, comprender cómo se podía plasmar el volumen de un ser humano en un soporte plano, fue la gran revolución y uno de los grandes aportes de los artistas del Renacimiento a la Historia de la Pintura. También fue precisamente esta contribución la que nos llevó a querer plasmar la realidad cada vez de una forma más fidedigna, más real, hasta llegar a lo fotográfico. En ese bagaje, los artistas perdieron muchas veces fuerza, el estro artístico, la esencia. Esto no siempre reside en la realidad y su fidedigna plasmación, sino en una meta realidad que no todos pueden aislar o percibir, y mucho menos plasmar. Del mismo modo, no todo el mundo es capaz de aislar un elemento en una probeta, o de obtener el pigmento de la falla de la mina.

Dicen que solo el arquitecto que sabe y conoce puede derribar el edificio. Lo hemos podido ver en algunos casos en que un rascacielos ha ardido y ha sido el arquitecto quien ha tenido que dar las pautas para acabar de derribarlo. Es una metáfora. Después, han podido pasar varias cosas, o que se construya un nuevo edificio o que no se construya nada. Pero si se construye de nuevo, esta nueva construcción puede ser diferente. Y el espacio sigue siendo el mismo.

Lo mismo puede suceder en pintura. Se puede retratar a una persona con realismo, con hiperrealismo, con pintura, escultura, arquitectura o con una cámara de fotos. Pero también se puede intentar captar a esa persona derribando todas las pautas aprendidas, como el arquitecto del que hablaba, para reflejar una meta realidad, que solo es alcanzable a partir de estilos que no abordan al retratado con las claves clásicas. El fauvismo es uno de los estilos artísticos que considero más libres para el retrato. Hablo de ese retrato que no pierde la base del retratado, algún punto de parecido con la realidad, de una meta realidad que aun conecta con lo descriptivo. Por supuesto que existen otras formas, otros caminos, estilos artísticos. Pero en este artículo he querido hablar de éste.

Desde esta libertad de ejecución, he pintado este retrato, que en realidad es un metaretrato fauvista.

He utilizado tres de las muchas claves de este tipo de pintura. Son las siguientes. Te animo a seguirlas, que emprendas un retrato con estas pautas, libre, y que compruebes el resultado:

1.- Hay que Liberarse de todo lo aprendido. Aunque digo liberarse, no quiero decir no conocer o no haber aprendido. Para pintar bien es necesario saber. En ocasiones es necesario saber y olvidar, aunque sea momentáneamente. Para deconstruir es necesario saber construir. Para derribar su edificio el arquitecto ha sabido levantarlo previamente. Tanto si sabes mucho como si sabes poco, haz la prueba. Libérate de ello y ponte frente a la persona que quieres retratar, frente a ella o frente a una foto. No para copiarla. Es algo más profundo. Inténtalo hasta conseguirlo. La persona ¿es rubia y de grandes ojos azules con pestañas larguísimas y mirada profunda? Olvida todo y quédate con la mirada profunda. A ver cómo se pinta eso.

<alt="Pintar retrato paso a paso. 1"/>







Retrato Fauve con Acuarela: Hexágono inferior izquierdo. El ojo no es un ojo, la nariz no es una nariz, la frente no es una frente, la ceja no es una ceja. Pero lo son.

2.- Es el color el que dibuja y no la línea. Piensa en ello antes de abordar tu retrato. El valor es el color. Y son colores planos. A través de las masas planas de color se puede obtener volumen. Rosas. Verdes. Haz la prueba.

<alt="Pintar retrato paso a paso. 2"/>

3.- No hay más lejos o más cerca, no hay perspectiva atmosférica, aquella que aprendimos por la cual, dicho de una forma simplista, mientras más lejos está un cuerpo hay que pintarlo más claro. La única profundidad en este tipo de pintura es el color. La luz no proyecta sombras. No hay degradación tonal producida por el grado de humedad o la temperatura. No hay distancias.


<alt="Pintar retrato paso a paso. 3"/>



 




Te animo a que pruebes. Pinta un retrato con estas tres claves. No busques parecido con la realidad, el parecido que se encuentra es de otro tipo. Investiga. Experimenta. Da un salto y comprueba tú mismo lo que hay.

Nota 1: Para comprender la pasión por la perspectiva generada en los pintores del Quattrocento, recomiendo el precioso relato de Marcel Schwob: Paolo Uccello: Pintor.

 

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ENTRADAS

Qué es un Sketchbook

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