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Monocromía - Cine y Acuarela: El cabo del Miedo. 1962. J.Lee Thompson.

Cine y Acuarela: El cabo del Miedo. 1962. J.Lee Thompson.

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com

 

Si tuviera que reducir esta escena de la película "Cape Fear" a una frase, diría que Leavitt me dejó la luz, como si se pudiera coger con la mano. Macarena Márquez

  

Estaba viendo una serie de clásicos del cine en Filmin, en concreto una película estadounidense llamada: Cape Fear rodada en 1962. El director es J. Lee Thompson y está basada en una novela de John D. MacDonald.

La película atrapa. Es un thriller psicológico en el que el abogado, Sam Bowden, pierde la paz de su vida, cuando un criminal sale de la cárcel después de haber cumplido ocho años de condena. El criminal, Max Cady, está representado por Robert Mitchum en un papel inolvidable. La música fue dirigida y compuesta por Bernard Herrmann, quien, al año siguiente, en 1963, pondría música también a la mítica película: Los Pájaros, de Alfred Hitchcock y en 1976 a Taxi Driver. Imposible no recordar: The Main Theme, de Taxi Driver.

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De la película Cape Fear. J. Lee Thompson. Acuarela: Macarena Márquez

El Cabo del Miedo, Cape Fear, fue llevada posteriormente al cine por Martin Scorsese en 1991. En la versión de Scorsese, el papel de Max Cady lo inmortalizaría Robert de Niro, aunque prefiero el estilo Mitchum.

Pero volvamos a la versión de 1962, en blanco y negro. Aunque está considerada como un clásico, hay críticos de cine que no le dan la excelencia absoluta, salvo a la actuación de Robert Mitchum, que mantiene en tensión al espectador desde que entra en juego. La fotografía, en blanco y negro, fue lo que a mí más me llamó la atención de esta película. Los contrastes, poderosos, sin grandes matices, con claroscuros en bloque que parecen sacados del barroco italiano más grandilocuente, me tenían con los ojos bien abiertos a lo largo de toda la película.

El director de fotografía, Sam Leavitt, utiliza en esta película luces de alto rendimiento, lo que produce contrastes sin tregua. El efecto de oscuridad lo obtiene a base de mucha luz. Todo ello se basa en el principio de que no hay luz sin sombra. Lo mismo sucede cuando pintamos. Si esbozamos una figura en la arena cuya sombra proyectada apenas produce contraste, es que el sol no irradia luz de mediodía, ni de estío. O que, simplemente, está nublado. Cuando el sol es nítido y abrasa, la sombra que proyectan los cuerpos es muy oscura. Esos contrastes de alto voltaje utilizados por Leavitt contribuyen a algunos ambientes de sobresalto, de miedo.

Y no digamos ya con las escenas de exterior. El claroscuro es de tal potencia, que tuve que parar la película varias veces para poder deleitarme. Me dejó tan fascinada esta escena de exterior, que la reproduje con acuarela, algo distorsionada en los personajes, pero con la misma vibración de luz que el efecto de Leavitt produjo en mí.

Decidí trabajar en monocromo. Podía haber traducido a colores. Pero ya no hubiera tenido el mismo efectismo.

Material empleado:

Cuaderno de bocetos: Algodón 100% 21,5X21,5. 300 g/m2

Acuarelas de tubo: Azul Ultramar

Tinta china: Azul Ultramar

Pinceles:

Redondos del 2, 4, 6 y 18

Plano del 10

Roller Pen de Tinta Líquida resistentes al agua:

        Signo. Pigment Ink White. Mitsubishi Pencil. Co. Ltd.

Roller Pen water and fade proof. Pigment Ink

        Uni Pin Fine Line 0.4    

Lápiz: Portaminas 2HB

Goma de borrar de miga de pan


La falta de sutilidad en los matices, la ausencia de valores medios en el tono, contribuyen a ese efecto de calor sin humedad, de luz de verano vibrante. Me encanta esa época, los sweter de rayas, los zapatos blancos, la estética de los sesenta. Le pasa a mucha gente, y es porque somos muchos los nacidos en esa década.

Las primeras imágenes, la moda, las fotos, el cine, la música, todo lo que entra por nuestros sentidos en los primeros años de nuestra vida es de un valor inconmensurable, que a veces no sabemos descifrar, al menos no hasta que somos adultos y ciertas imágenes nos devuelven lo que algún día nos deleitó sin palabras. Quizá esto se produce porque en los primeros años de vida sólo tenemos capacidad para percibir, para dejarnos impactar por el mundo circundante, sin explicaciones, sin raciocinios ni metáforas, sin definiciones.

Después vino el color. Y para eso tenemos toda la paleta y su combinatoria. Pero trabajar en monocromo tiene sus atractivos, porque la sensación al ver esa película, la luz que te queda, racional y sin artificios, no puede ni debe ser traducida al mundo technicolor. Reducir la realidad a un solo color tiene un valor de síntesis, de concretar la luz y sus efectos. 

Si tuviera que reducir esta escena a una frase, diría que Leavitt me dejó la luz, como si se pudiera coger con la mano.

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Macarena Márquez Jurado

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Bicromía

Bicromía.

Mujeres de Tahití de Gauguin por Julio Sendino

 http://www.juliosendino.wixsite.com/visual

Lo primero, tendríamos que preguntarnos: ¿Qué es bicromía?


La RAE define el término como: Impresión a dos colores, y, ateniéndome a esta definición, os propongo un ejercicio, que, aunque os pueda parecer simple, es todo un EJERCICIO con mayúsculas con el que aprenderéis a reducir colores, planos y luces y acrecentaréis vuestra capacidad creativa. Y, si no, que se lo digan a Julio Sendino, pintor contemporáneo vallisoletano del que os dejo su página web y al que os animo a seguir.

Conocí a Julio en el año 2010 en Valladolid. Yo daba clases especializadas de Acuarela y él vino a apuntarse. Allí entré en contacto con personas que no he olvidado, con artistas que ahora tienen la pintura a la Acuarela como línea de expresión, algunas de ellas de una talla considerable en un mundo muy competitivo. De todos ellos me siento orgullosa. 

<alt="Bicromia"/>
Mujeres de Tahití de Paul Gauguin - Versión en Acuarela de Julio Sendino

Pero estaba hablando de Sendino.

El vino a mis clases como alumno. Hasta aquí, pintaba óleos y era autodidacta.

Nada más observar sus primeras acuarelas, siendo una persona de las que podrían abundar más, que nada en el silencio, sin andantes maestosos de ningún tipo pudiéndoselos permitir, me di cuenta de que tenía que crear para él un guion especial, que se saliera de la línea habitual de enseñanza del método de la Acuarela. Estaba ante todo un artista. Y un artista que sabía llegaría lejos, como así está siendo y será.

Lo más curioso es que el primer día le mandé este ejercicio, que os muestro, todos los alumnos intentaban transcribir -en clave de acuarela- el óleo de Paul Gauguín: Las mujeres de Tahití. Transcribir un óleo al lenguaje de la Acuarela no es tarea fácil. El óleo es todo un universo de colores no traslucidos, que se trabajan y rebajan con blanco, sobre los que se puede insistir sin temor a estropear por tener un tiempo de secado considerable. La acuarela, por el contrario, es otro mundo, en el que, o no se trabaja con blanco -la luz es el blanco del papel-, o se trabaja con blanco mínimamente. Además, al pintar con acuarela, como el soporte es papel, aunque sea de alto gramaje no se puede insistir.

Por tanto, mis queridos alumnos estaban aquel día en esa dificultad de transcribir, pero en multicolor.

Cuando llegué al sitio de Sendino, él no hacía nada. Había dibujado, pero sin atreverse a empezar. La mayoría había comenzado a trabajar, sobre todo los de nivel menor en esta técnica. La ignorancia siempre es atrevida. Y me encanta, porque ese atrevimiento es lo que nos hace pasar a un nivel superior en todas las facetas de la vida.

Cogí la pequeña caja de acuarelas de Sendino e hice que la guardara. Dejé en su mesa solo dos pastillas: El Azul Ultramar y el Siena Tostada.

Le dije:

Tienes que traducir el colorido de este cuadro de Gauguin a bicromía. Con solo dos colores, sin blanco y, a base de transparencias, deberás conseguir pintar este cuadro y que sigamos en la playa.


Mujeres de Tahití - Paul Gauguin

Julio se quedó callado. Pero no alegó ninguna dificultad. A pesar de empezar con el mundo de la acuarela, se puso a ello.

El resultado lo tenéis aquí.

El ordenador puede reducir a grises, pero no con esta sutilidad de tonos, con este arte y esta personalidad artística de música callada -como decía Juan de la Cruz- de Julio Sendino. Es un orgullo que tus alumnos te enseñen. Le he pedido a Sendino que me conceda una entrevista en que nos cuente su experiencia actual. Julio está trabajando y descubriendo la encáustica, una técnica milenaria elaborada con cera de abeja de la que espero nos hable pronto.

Material empleado:

Papel para Acuarela de gramaje 160g/m2. 14,8x21 cm.

Acuarela en pastilla:


Siena Tostada – Burnt Sienna

AzulUltramar Claro - Ultramarine Light

Pinceles:

        Plano del 10

        Redondos del 4, 6 y 8

        Rigger

Gracias, Julio Sendino, por haber podido abrirte la puerta al universo watercolor, y también por ser ahora tu aprendiz, aunque sea en la distancia. Te sigo. Y os animo a hacerlo. A veces tenemos la suerte, aunque no caigamos en la cuenta, de tener entre nosotros a un artista grande en desarrollo.

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Macarena Márquez Jurado

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Caja de Nivea con Acuarela

El bote de Nivea. Número 2

Caja de Nivea: Proceso paso a paso

Así queda nuestra caja de Nivea de siempre. En este caso es una caja antigua que encontré. Pintarla es una recreación de azules y blancos y un ejercicio de enmascaramiento con goma. Si estás empezando, comprenderás lo que son las capas en acuarela. Y si ya lo sabes casi todo, también entenderás algo, y es que muchas veces, en la sencillez de las líneas y los colores está el verdadero arte que trasciende. El diseñador de esta caja con estas letras y colores lo sabía.

Caja de Nivea - by Macarena Márquez

Material empleado:

Papel Guarro de gramaje 240g/m2. Grano grueso. 23x32.5 cm.

Líquido Enmascarador – Liquid Masking Film

Pinceles de goma para enmascarar – Gum Shaper

Acuarela en pastilla:

Azul Ultramar oscuro - Ultramarine Deep

Azul Ultramar claro - Ultramarine Light

Plata - Silver (para firmas)

Oro - Gold (para firmas)

Pinceles:


        Plano del 10, 12
        Redondos del 6, 4 y 2 
        Rigger

Caja de Nivea - Enmascarar

Caja de Nivea - Fase 1

Caja de Nivea - Fase 2

Caja de Nivea - Fase 3

Caja de Nivea - Fase 4

Caja de Nivea - Fase 5

  1. Pintar de azul ultramar claro todo. Para los que estén empezando, no tengan preocupación. La acuarela no entrará en los blancos enmascarados. Dejar secar perfectamente.
  1. Dar una nueva capa de acuarela azul ultramar claro mezclado con un poco de azul cobalto claro, pero ya no lo se pintará toda la superficie, dejaremos la franja de azules que en el modelo final se ve más clara sin pintar. Dejar secar
  1.  Dar una nueva capa de acuarela azul ultramar bien saturado de pigmento hasta llegar a la segunda franja más clara. Es la forma de conseguir volumen. Seguiremos así hasta obtener los azules más oscuros, que están en la parte izquierda de la caja. Si observas bien el modelo, llegarás a lo mismo aproximadamente. Se trata de enseñar-aprender. Después, si te estás iniciando, pintarás una nueva caja libremente, imprimiendo tu sello en esta acuarela y en cuantas hagas. Pero primero hay que aprender a dar capas. Los oscuros son muy difíciles de conseguir en Acuarela, casi más que los claros y las transparencias. Si la acuarela no se aplica bien, cuando hemos dado cuatro capas empiezan a salir las fibras del papel. Entonces, nuestros oscuros, lejos de brillar o de mostrar profundidad o sombras, aparecerán blanquecinos. Oscuro no quiere decir sin color, o sin brillo. Quiere decir que recibe menos luz, sólo eso. Si el objeto es azul, como sucede en esta caja, seguirá siendo azul. Más oscuro. Pero azul. No utilices el negro para oscurecerlo.
  1. Una vez bien seco todo, procedemos a levantar el enmascaramiento. Lo haremos con la yema de los dedos, para no estropear la rugosidad del papel con las uñas, o tirando de un extremo con cuidado. Si la goma de enmascarar está bien aplicada, saldrá fácil. Aunque también tengo que decir, que mientras más rugoso sea el papel, más difícil de levantar.
  1.  El siguiente paso es matizar los blancos, que serán más blancos en donde hay más luz, y menos en donde hay menos. Esta cuestión, que parece muy simple, muchas veces se olvida.
  1. Por último, firmaremos. Sobre la firma habrá post. Es muy importante. En este caso no he querido restar importancia a los azules de la caja estrella, por eso he firmado con acuarela metálica, a excepción del pequeño punto rojo, que es seña.

 

Gracias a NIVEA por mantener inalterada la línea visual de este producto, acerca del cual nos preguntaban nuestros padres al ir a la playa: ¿Te has puesto la Nivea?, en vez de preguntarnos: ¿Te has puesto la crema?

Esto es un homenaje a su dibujo, a sus letras y a sus azules. Una recreación con acuarela de un bote que sigue estando presente en la vida de todos desde que nació. Creo en estos azules y en esta simplicidad, en su inmanencia.

Me he valido de ello en el post anterior para explicar por qué enmascarar los blancos del papel. Y ahora, también lo haré, para explicar las bondades de la acuarela en monocromo y lo que significan las capas para dar volumen a nuestra acuarela. Os pongo las imágenes del proceso para que lo podáis llevar a la práctica, aunque seais principiantes.

Una vez enmascaradas letras y líneas blancas, estos son los pasos:

Espero que os haya gustado este ejercicio.

Gracias a Nivea por su obra de arte.

 

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Macarena Márquez Jurado

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Enmascarador de Acuarela ¿Por qué tapar los blancos?

El bote de Nivea. Número 1

El líquido enmascarador para acuarela es un producto de goma líquida que sirve para reservar algunos blancos. De ese modo podemos aplicar con facilidad los colores sin temor a que determinadas líneas, letras, o claros se manchen.

Material empleado:

Papel Guarro de gramaje 240g/m2. Grano grueso. 23x32.5 cm.

Líquido Enmascarador – Liquid Masking Film

Pinceles de goma para enmascarar – Gum Shaper

 

Macuarela www.macuarela.com
NIVEA BOTE VINTAGE FASE 1. Enmascarador - www.macuarela.com

 No siempre hay que utilizarlo para reservar el blanco del papel. A mí me gusta, y recomiendo también, trabajar con los pinceles a pulso, esto es, deslizando con cuidado y precisión el pincel cargado de acuarela sin tener por ello que entrar en donde no quiero.


Pero esto no siempre es fácil, y, además, a veces es muy recomendable utilizar el enmascarador. Lo hago en el caso que las líneas sean muy finas, si hay letras en mi acuarela, o espuma de olas, en rostros de acuarela clásica – puntos de luz en los ojos, por ejemplo-, también en los follajes de bosques, cuando queremos cuidar el pequeñísimo haz de sol que se cuela entre hojas y ramas.

Podemos utilizar muchas marcas, y los hay de varios colores. A mí me gusta el enmascarador de color gris, porque es neutro y no interfiere con el resto de colores en uso. Pero es indistinto utilizar enmascarador verde, rosa o anaranjado, ya que, cuando acabemos de pintar, lo quitaremos. Por tanto, elige aquel con el que trabajes cómodamente. Al principio hay que probar las distintas marcas y colores, hasta dar con la tuya.

Tengo que decir que es un producto necesario y de resultados muy impactantes cuando lo utilizamos las primeras veces, pero que tiene dos características. La primera es que huele muy mal. Si puedes, abre la ventana cuando lo uses. Y la segunda, estropea bastante los pinceles de acuarela, muy delicados y de precio considerable. Por eso, yo siempre recomiendo, o bien utilizar pinceles de caucho, los podéis ver en la foto, o bien dejar un par de pinceles solo para este uso.

El secreto de este recurso está en coger producto como si fuera pintura, aplicar, y no intentar alargar la pincelada, porque se seca rápidamente y se hacen pequeñas bolas de goma, sino que hay que meter continuamente el pincel en agua y lavarlo, secarlo para retirar los pequeños reductos de goma seca, y volver a cargar con mascara. Esto continuamente. Lo mejor es que probéis para comprender el proceso. Entenderéis a la primera lo que digo.

Recordad que, en las acuarelas, el blanco del papel -al menos para los puristas-, es la luz. Y, en principio, sobre todo cuando estamos aprendiendo, lo mejor es no utilizar blancos para aclarar. Como digo, se aclara con agua, y el blanco es el del papel.

Una vez secas nuestras reservas, habremos conseguido una película de goma sobre la que no entrará ni el agua ni la acuarela. Y podremos trabajar con los colores sin peligro.

En este caso los azules entrarán por encima de las letras. Os muestro la fase 2 en la siguiente foto.

https://www.macuarela.com/2020/08/enmascarador-de-acuarela-por-que-tapar.html
NIVEA BOTE VINTAGE FASE 2 - www.macuarela.com

Una vez finalizado el trabajo, con la yema de los dedos perfectamente limpias- retiraremos la máscara cuidadosamente.

Aconsejo utilizar el enmascarador para trabajos de diseño, y también para acuarelas como ésta en que hay mucha letra y líneas finas.

Enel siguiente post, verás cómo queda.


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Pintar con café – Painting with coffee

¿Se puede pintar con café soluble?

La respuesta es sí.

Esfinge de Guizeh -  Nescafé y Agua - Macarena Márquez

El café soluble es una maravilla del mundo de los acuarelables. Sólo añadir una gota de agua y ya podremos pintar, bien en monocromo, o bien añadiendo tintas de colores.

Sólo necesitamos un bote o sobre de café soluble. Puede ser de cualquier marca, aunque también en esto, como en todo, intervienen las diferentes tonalidades que se pueden conseguir. No obtendremos las mismas si utilizamos café soluble lacteado, café soluble descafeinado, o si solo aplicamos el polvo de un clásico negro. Y también interviene, y mucho, si utilizamos un café con mucho azúcar, u otro que no tenga tanta.

El azúcar es un aglutinante poderoso. En la base de composición de las acuarelas está un tipo de solución o jarabe de azúcar, e incluso miel, que contribuye a hacerla más deslizante con el pincel cuando se añade agua. Además, confiere brillo a los pigmentos. Por eso el café soluble, cuando contiene azúcar, es un prodigio de acuarela. El efecto al secar, si lo aplicamos muy puro, es decir, añadiendo poca agua, es esmaltado y brillante.  No hay que olvidar que algunas pinturas, como el gouache, tienen almidón o azucares para retrasar el secado, permitiendo así que la mezcla no se solidifique a mitad de pincelada. El café soluble, aunque su objetivo primordial no es pintar, al igual que el gouache, también contiene azucares. 

Al pintar con estas mezclas, estaremos utilizando, además de un pigmento con gran poder de tinción como el café, un material que servirá de conservante de nuestras producciones.

Os animo a probar. 

En este primer post os dejo una muestra. Y, también un boceto de la Esfinge de Gizeh realizada con dos o tres pinceladas de café en polvo. Primero dibujé con una perspectiva desde abajo. Alargando sus patas delanteras, intenté darle algo que no tiene, velocidad. De ese modo la traigo a nuestro mundo sin que la esfinge pierda su carácter de esfinge parada en el tiempo. Utilicé papel couché, muy satinado y de gran gramaje. Al no absorber, se obtiene una calidad cercana al esmalte.

Muestra de tonalidades adquiridas con NeSCAFÉ

Pintar con café es algo que se hacía desde la Antigüedad, no es nuevo. Desde la Prehistoria se utilizaban pigmentos naturales para expresar y plasmar la realidad. En concreto, las tonalidades que aporta el café son el sepia. Este tipo de obras son a la acuarela lo que aquellas maravillosas fotos de color sepia fueron y son al mundo de la fotografía en general. Podemos reducir nuestra paleta a un único color, lo que hace nuestra composición más interesante. A veces más artística. Es igual que cuando realizamos una fotografía en blanco y negro. La realidad es en colores, por eso para reducirla a un único tono tenemos que dar un salto, entrar en el mundo del arte y la teoría estética. Para realidad está la propia realidad. 


Pintando con Nescafé - Macarena Márquez

En países como Ecuador, por ejemplo, se pinta con café y caña. Y ya hay artistas que se han consagrado gracias a esta técnica. Recomiendo seguir la obra de un artista como Fabián Ortega, quien, valiéndose de los residuos del café molido, empezó a pintar aves autóctonas de Ecuador. Se vale de estos residuos y de agua más o menos caliente para realizar sus composiciones. Su obra empieza a ser valorada y es digna de admirar. Antiguamente, el recurso de la caña era algo común. Yo os aconsejor probar también con pinceles de agua. Tienen un cargador, y para aguadas mayores es muy práctico. 

En mi caso utilizo el café como un recurso más. Además, utilizo café soluble Nescafé, que en ocasiones mezclo con tinta china creando efectos muy impactantes, y en otras ocasiones, con acuarela de colores. El Nescafé siempre es la base, de modo que una misma composición participa del trasfondo sepia inconfundible del café. 

Animo a todos a insertar la técnica en el mundo actual, En siguientes entregas, mostraré la maravilla de mezclar café con colores 


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Macarena Márquez Jurado

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