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Bicromía

Bicromía.

Mujeres de Tahití de Gauguin por Julio Sendino

 http://www.juliosendino.wixsite.com/visual

Lo primero, tendríamos que preguntarnos: ¿Qué es bicromía?


La RAE define el término como: Impresión a dos colores, y, ateniéndome a esta definición, os propongo un ejercicio, que, aunque os pueda parecer simple, es todo un EJERCICIO con mayúsculas con el que aprenderéis a reducir colores, planos y luces y acrecentaréis vuestra capacidad creativa. Y, si no, que se lo digan a Julio Sendino, pintor contemporáneo vallisoletano del que os dejo su página web y al que os animo a seguir.

Conocí a Julio en el año 2010 en Valladolid. Yo daba clases especializadas de Acuarela y él vino a apuntarse. Allí entré en contacto con personas que no he olvidado, con artistas que ahora tienen la pintura a la Acuarela como línea de expresión, algunas de ellas de una talla considerable en un mundo muy competitivo. De todos ellos me siento orgullosa. 

<alt="Bicromia"/>
Mujeres de Tahití de Paul Gauguin - Versión en Acuarela de Julio Sendino

Pero estaba hablando de Sendino.

El vino a mis clases como alumno. Hasta aquí, pintaba óleos y era autodidacta.

Nada más observar sus primeras acuarelas, siendo una persona de las que podrían abundar más, que nada en el silencio, sin andantes maestosos de ningún tipo pudiéndoselos permitir, me di cuenta de que tenía que crear para él un guion especial, que se saliera de la línea habitual de enseñanza del método de la Acuarela. Estaba ante todo un artista. Y un artista que sabía llegaría lejos, como así está siendo y será.

Lo más curioso es que el primer día le mandé este ejercicio, que os muestro, todos los alumnos intentaban transcribir -en clave de acuarela- el óleo de Paul Gauguín: Las mujeres de Tahití. Transcribir un óleo al lenguaje de la Acuarela no es tarea fácil. El óleo es todo un universo de colores no traslucidos, que se trabajan y rebajan con blanco, sobre los que se puede insistir sin temor a estropear por tener un tiempo de secado considerable. La acuarela, por el contrario, es otro mundo, en el que, o no se trabaja con blanco -la luz es el blanco del papel-, o se trabaja con blanco mínimamente. Además, al pintar con acuarela, como el soporte es papel, aunque sea de alto gramaje no se puede insistir.

Por tanto, mis queridos alumnos estaban aquel día en esa dificultad de transcribir, pero en multicolor.

Cuando llegué al sitio de Sendino, él no hacía nada. Había dibujado, pero sin atreverse a empezar. La mayoría había comenzado a trabajar, sobre todo los de nivel menor en esta técnica. La ignorancia siempre es atrevida. Y me encanta, porque ese atrevimiento es lo que nos hace pasar a un nivel superior en todas las facetas de la vida.

Cogí la pequeña caja de acuarelas de Sendino e hice que la guardara. Dejé en su mesa solo dos pastillas: El Azul Ultramar y el Siena Tostada.

Le dije:

Tienes que traducir el colorido de este cuadro de Gauguin a bicromía. Con solo dos colores, sin blanco y, a base de transparencias, deberás conseguir pintar este cuadro y que sigamos en la playa.


Mujeres de Tahití - Paul Gauguin

Julio se quedó callado. Pero no alegó ninguna dificultad. A pesar de empezar con el mundo de la acuarela, se puso a ello.

El resultado lo tenéis aquí.

El ordenador puede reducir a grises, pero no con esta sutilidad de tonos, con este arte y esta personalidad artística de música callada -como decía Juan de la Cruz- de Julio Sendino. Es un orgullo que tus alumnos te enseñen. Le he pedido a Sendino que me conceda una entrevista en que nos cuente su experiencia actual. Julio está trabajando y descubriendo la encáustica, una técnica milenaria elaborada con cera de abeja de la que espero nos hable pronto.

Material empleado:

Papel para Acuarela de gramaje 160g/m2. 14,8x21 cm.

Acuarela en pastilla:


Siena Tostada – Burnt Sienna

AzulUltramar Claro - Ultramarine Light

Pinceles:

        Plano del 10

        Redondos del 4, 6 y 8

        Rigger

Gracias, Julio Sendino, por haber podido abrirte la puerta al universo watercolor, y también por ser ahora tu aprendiz, aunque sea en la distancia. Te sigo. Y os animo a hacerlo. A veces tenemos la suerte, aunque no caigamos en la cuenta, de tener entre nosotros a un artista grande en desarrollo.

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Acuarela`s News - La formación de un nuevo océano en Afríca

Para un pintor cualquier cosa es materia susceptible de ser pintada. Más la Tierra.  Al fin y al cabo, viajamos en una bola de fuego con moqueta vegetal. Macarena Márquez.

Que El Gran Valle del Rift, en África, como consecuencia de la tectónica de placas crece unos 7 mms al año, es algo que no es nuevo, pero sí lo son los estudios realizados por un equipo de la Universidad de Potsdam y publicados en la revista Nature Communications:

Al parecer, la placa Victoria, que se encuentra en el centro de la Y que dibuja el rift, rota en sentido contrario al resto de placas de la zona, y eso hace que la rotura acabe poniendo en marcha la formación de un nuevo océano. África se separa, dejando un océano en formación. Será dentro millones de años si sigue el ritmo actual. 
Mientras tanto, es observable la rotura de la tierra. Impresiona, aunque faltan millones de años, pero es extraordinario comprobar, viendo lo que sucede, cómo se ha formado nuestro planeta. En la base está la antigua Pangea y la tectónica e placas.


<alt="Gaspar David Friedrich"/>
El valle del Rift - África
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El nivel de rotura del continente es lentísimo y no entra en nuestros parámetros de tiempo, faltan cientos de millones de años, pero es ilustrativo de cómo fueron los orígenes de los continentes en que vivimos. Por eso me decidí a pintar esta noticia. Para ello he empleado:

  • Papel de 14,8 x 21 cm. Gramaje: 160 gr/m2
  • Gouache Blanco
  • Pastillas de Acuarela

Ocre amarillo – Yellow Ochre

Siena Tostada – Burnt Sienna

Sombra Tostada – Burnt Umber

Naranja deCadmio - Cadmium Orange

Azul Ultramar- Blue Ultramarine

Ultramar Francés - French Ultramarine

Verde de Hooker – Hooker`s Green

  • Pinceles:

Redondos del 5, 10, 4, 2, 1

Serie 7

  • Pilot Liquid Ink:

         Num. 0.2 y 0.5


 El proceso ha sido dar una aguada grisácea de tonos ocres para cielo y fondo. De ese modo he restado importancia y nitidez a lo que no la tiene. A continuación, he enmascarado la pequeña figura que observa el fondo de la fractura. Después he pintado con sienas y sombras la primera capa del rift, dejando pequeñas aperturas de blanco entre las masas de color, lo que supone un recurso efectista de gran impacto.

 He dejado secar bien. Después he aplicado pinceladas verticales más oscuras con sienas y azules, muy saturados de pigmento. Esta combinación da como resultado un tono pardo, negruzco. He vuelto a aplicar estos oscuros en la zona más profunda del rift para dar altura a la persona que observa. Por contraste. Es el mismo efecto que ya utilizó un pintor del romanticismo alemán, Caspar David Friedrich. Recomiendo a todos los acuarelistas observar la obra de este artista alemán. Sus recursos efectistas han sido copiados por múltiples pintores a lo largo de la Historia del Arte. Te preguntarás cuáles son esos efectos. El más utilizado es el de contrastar figuras muy pequeñas ante grandes inmensidades. En el primer plano se pinta un hombre de espaldas, por ejemplo, de proporción mínima, y al fondo un atardecer inmenso en que los árboles son veinte veces la medida del hombre y el cielo mucho más grande que la tierra. O al revés, dependiendo del motivo. Con ello, Friedrich quiso poner en evidencia la pequeñez humana frente a la Naturaleza. Se trata de una pintura alegórica y metafísica. Y ese es el recurso que yo, humildemente, he utilizado para plasmar esta noticia.

Con un pincel de núm. 5, he abocetado ciertos árboles del fondo. He levantado la máscara y pintado mínimamente la figura que observa. Tal y como hacia Caspar David Friedrich. Enfrentándola a la grandiosidad de la brecha.

 Finalmente, con un bolígrafo de tinta líquida he dibujado ciertas líneas de contorno, pero no ciñéndome con exactitud, más bien saliéndome de las masas de color, para dar un aire más plástico, algo tormentoso, que refleja inestabilidad.

 La firma la hice con gouache blanco.

 Las noticias geológicas también son noticias. Para un pintor cualquier cosa es materia susceptible de ser pintada. Más la Tierra.  Al fin y al cabo, viajamos en una bola de fuego con moqueta vegetal.

 La obra de Caspar David Friedrich, la podemos contemplar repartida entre varios museos, entre ellos el Hermitage de San Petersburgo, la Gemäldegalerie de Dresde, la Nationalgalerie de Berlín o el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid. En este último museo se encuentra La Mañana de Pascua, ilustrativa del efecto del que hablo.


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Cómo pintar un RETRATO EN CLAVE CUBISTA

Hasta llegar al cubismo, cualquier artista que pintara la cara de una niña con el pelo recogido en una cola de caballo desde un punto de vista frontal, pintaba dicha cara con: Dos ojos, una boca, una nariz, una frente y dos cejas. Sin embargo, no pintaba su cola de caballo, situada detrás de la cabeza.

A partir del cubismo, y de Picasso, esa misma cara de niña se pintará con todos sus elementos, los que se ven. Pero también los que no se ven y sí se saben. Por tanto, la cola de caballo la traeremos al primer plano y la pintaremos entera.

Eso es cubismo

Para desarrollar y comprender este pequeño resumen de la visión cubista, recomiendo observar la figura 1 paso a paso. En el retrato realista superior, la modelo, está pintada de frente. En el retrato cubista, que es un segundo desarrollo del anterior, Sofía vuelve a tener el punto de vista frontal. Pero se han añadido un segundo y un tercer punto de vista. La persona que pinta, en este caso yo, está plasmando a la modelo desde delante, desde el lateral y desde detrás.

Observar desde tres puntos de vista es algo imposible para el ojo humano, que sólo puede abarcar uno. Si intentamos ver un semáforo, al mismo tiempo desde el frente, con sus colores, y desde la parte trasera, con el tono único del metal, seguramente tengamos un accidente. Es un imposible. Pero se puede pintar en clave cubista y, desde aquí, os animo a hacerlo como ejercicio.

<alt="Cómo pintar un retrato cubista"/>
Figura 1 Retrato Cubista de Sofía - Diferencias entre un retrato realista y otro cubista
 Acuarela sobre Fabriano. Macarena Márquez. www.macuarela.com

En la realidad, Sofía lleva un pendiente. En la versión cubista, el cubo que conforma dicho pendiente se ha desplegado, se ha abierto como un recortable de papel. Y lo podemos plasmar porque lo sabemos, no porque lo veamos. El cubo del pendiente ha sido extendido en todas sus partes.

Fijémonos a continuación en la nariz. Se han pintado tres narices. Dos de perfil. La de la izquierda es la más realista. La de la derecha, es una nariz que está constreñida en un espacio excesivamente pequeño en el que se encuentra junto con los ojos. Se ha hecho así para dar fuerza a los labios de la modelo, más importantes en el conjunto de su cara, y también para hacer una pequeña contribución al tipo de nariz. En cuanto a la tercera nariz, está pintada desde el frente, con una línea de dibujo esquemática, resaltando las pronunciadas aletas. Con todo, a pesar de esta visión desde el punto de vista frontal, las fosas nasales se han pintado desde abajo, cosa imposible de ver al mismo tiempo, pero no de saber. Sabemos cómo son las fosas nasales, aunque desde la visión frontal solo percibamos una línea oscura. Y, como lo sabemos, lo pintamos. Haz la prueba. Observa la cara de una persona que tengas cerca, desde el frente, con tus ojos a la altura aproximada de sus ojos. Comprueba que apenas puedes ver las fosas nasales. Tendrías que sentarte en el suelo y mirar desde abajo para ver lo que yo he plasmado.

Pasemos a la boca. Está pintada desde dos puntos de vista, frontal y de perfil. Los dos reflejan la personalidad de la modelo, de sonrisa amplia, con comisuras hacia arriba y de una importancia que llega a ser mayor que la de sus ojos desde el punto de vista formal.

Observemos ahora el elemento que mejor define el cubismo en este retrato: el pelo. ¿Por qué? Porque la cola de caballo apenas es un indicio en la realidad, y, sin embargo, en el retrato cubista se ha pintado de perfil y en todo su desarrollo, entera, esquematizada en esas aperturas de blanco que se ondulan verticalmente como si fuera una pintura bizantina.

Por último, hay que decir que en el cubismo se reduce la paleta de color, la explosión colorística de los pintores impresionistas. Los colores se agrisan, se utilizan los tonos medios, azules o sienas apagados, todo para focalizar la plasmación de la realidad, en el análisis de las estructuras, primero, y en la síntesis después; sin colores o luces que distraigan, más bien que ayuden a la nueva comprensión del mundo en un lenguaje único: El Cubismo.

Esa plasmación de la realidad en una fase de análisis, y otra de síntesis, es lo que diferencia a las dos etapas en que se ha dividido el movimiento: El Cubismo Analítico, más concreto, cerrado, ortodoxo en la descomposición de las formas hasta ser difícil el reconocimiento de la realidad; que utiliza colores más apagados y paleta reducida. Y el Cubismo Sintético, o segunda fase del desarrollo, en que el artista, incluye indicios de la realidad formal para acercarnos al mundo en el que nos movemos. Un ejemplo sería la introducción de frases, o de objetos de la realidad como periódicos, trozos de manteles, partituras etc. Es lo que llamamos técnica del collage. En la fase analítica, por último, la paleta se abrirá un poco, sin llegar a los alardes colorísticos del estilo Fauve o el Impresionista.

 

Material empleado:

Papel: Canson. Vale cualquiera con tal de que tenga el grano fino

Acuarela en pastilla:

    Rojo Bermellón - Vermilion red

    Carmín de Alizarina - Alizarín Crimson

    Siena Tostada - Burnt Sienna

    Azul Ultramar - Ultramarine Blue

    Azul Cerúleo - Cerulean Blue

    Gris de Payne - Payne’s Grey

Pinceles

    Plano del 10. Redondos del 10, 4 y 2.

    Serie 7

 

Hay tratados y tratados que versan sobre cubismo, entendidos, expertos, menos expertos, libros, vídeos, cátedras, artículos, menciones, publicaciones. Seguiremos ahondando, porque es de los movimientos que más me fascinan y en los que más he profundizado. Si leyendo este artículo, consideras que el cubismo no se puede reducir a unos párrafos, habrás acertado, pero si no se facilita la comprensión del cubismo de una forma sencilla, y se empieza a enseñar a VER cubismo a través de un solo elemento, en este caso un rostro, ¿cómo volar o tener un Síndrome de Stendhal delante del Guernica de Picasso, que reúne todos?

Habrá más post.

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Cómo pintar un dibujo de Goya con Acuarela - Album Sanlucar B de Madrid. Num. 26.

Haciendo una breve historia de este dibujo, hay que decir varias cosas. La primera, que son cuadernos de artista de tipo privado. En ellos, expresa visualmente su universo íntimo. El pintor fue por primera vez a Cádiz en 1792, tras sentirse repentinamente enfermo estando en Sevilla. Esta enfermedad, unida a su sordera, hizo que pasara la convalecencia en Cádiz, en casa de Sebastián Martínez. La enfermedad de Goya ha sido tratada por varios estudiosos. Al parecer, aunque hay muchas teorías, el plomo al que se han expuesto la mayoría de los pintores hasta llegar a fines del siglo XX, que estaba contenido en el color blanco, podía causar males digestivos, entre ellos cólicos. Con todo, Goya se recuperó y regresó a Madrid.

Había empezado a trabajar para los duques de Alba en 1794. Fueron años en que vivían en el Palacio de Buenavista, en la Plaza de Cibeles de Madrid, en lo que hoy es el Cuartel General del Ejercito. Allí, el pintor tenía habilitados aposentos para su estudio de pintura.

 

En junio de 1796, muere el duque de Alba de viruelas en Sevilla, y Cayetana, su viuda, se retiró al Palacio de Sanlúcar de Barrameda a pasar dos años de luto. En su finca reuniría una corte de invitados, sirvientes y allegados, entre los que se encontraba Francisco de Goya, aunque no está documentado que el pintor se alojase en el mismo palacio, sino en Sanlúcar.

Por los alrededores de palacio, Goya paseaba y pintaba escenas cotidianas de la Corte de Alba, de la duquesa y de sus damas, peinándose, bañándose o simplemente descansando. Con ello se libera de todo academicismo y estrechura. La duquesa tenía 34 años. Goya contaba 50 y estaba sordo. Observador y dibujante nato, había adquirido dos cuadernos, uno de 17 por 10 cms, y otro de 24 por 15, que serían lo que posteriormente conocemos como Cuadernos de Sanlúcar o Albumes Sanlúcar, realizados con lápices litográficos y tintas.

 

Animo a todos aquellos que así lo deseen, a dibujar y a pintar aguadas en estas medidas, como Goya en sus Albumes.

Recomiendo pintar en escala de grises, emulando a Goya.


Álbum Sanlúcar B de Madrid. Num. 26. Versión Macarena Márquez a partir del original de Francisco de Goya

Material:

Papel Fabriano: 14,8 x 21 cms. de gramaje 160 g/m2

Pinceles: Redondos del 10, 6 y 4 y un Rigger para delinear.

Lápiz: Hb

Pastillas de Acuarela:

  •          Gris Payne - Payne’s Grey
  •          Siena Tostada - Burnt Sienna
  •          Azul Ultramar – Ultramarine Blue



Álbum Sanlúcar B de Madrid. Doncella mirándose al espejo. Francisco de Goya 1796

Para realizar este dibujo Núm. 26 de Goya que aparece en la parte superior: Doncella mirando al Espejo, lo primero sería realizar un boceto a lápiz, no con mucho detalle, pero sí bien equilibrado. Aunque no parece de gran dificultad, es muy fácil sobrecargar el lado derecho de la composición. Para que no suceda, os recomiendo trazar el eje de simetría, que pasaría -aproximadamente- por la esquina superior del espejo en que la doncella se mira y por la axila. De esa forma el resultado tendrá el equilibrio con que Goya compuso, dando a los dos lados casi el mismo peso por el contraposto del cuerpo de la mujer.

 

Antes de empezar a pintar, observa bien la aguada de Goya. Lo primero es detectar en dónde se encuentra el punto de más oscuridad y el de una mayor incidencia lumínica. Y así toda la gradación tonal. Si no hacemos esto, acabaremos pintando todo plano.

 

En este caso concreto, la mayor oscuridad está en la cabellera de la dama, que será la que tenga más capas de acuarela. El segundo nivel de oscuridad se encuentra en la figura que aparece detrás. En cuanto a la mayor claridad, que sería el tono del papel, en la parte superior del muslo y el suelo de la composición.

 

Para poder discriminar las luces con una mayor precisión, entorna la vista. La gradación, de más a menos oscuro, aparecerá al instante.

 

Una vez situado todo a nivel de composición, dibujo, y de discriminación de luces y sombras, habría que empezar a manchar con Gris Payne muy rebajado con agua una primera capa de aguada. En la misma paleta puedes añadir una punta de siena tostada, para darle cierta calidez al Gris y que vire un poco hacia el tono sepia original de la época. Esta primera capa de aguada incluiría el triángulo central, espalda y pelo de la doncella, a excepción siempre de los blancos. Ahí no entraremos ni siquiera con esta primera aguada, pues el blanco del papel es la luz.

 

Una vez seca esta primera capa, iremos añadiendo nuevas capas -todas ellas suaves- en los tramos que tienen mayor oscuridad. Una capa sobre otra. Es la forma de conseguir volúmenes.

 

Para este tema concreto, al hacer capas húmedo sobre seco, recomiendo pinceles redondos: Número 10, número 6 y número 4, dependiendo el nivel de detalle. Las primeras capas se darían con el pincel más grueso, y las últimas con el número 4.

 

Por último, delinearíamos con un Rigger -os remito al post en que hablo de este tipo de pincel-, las líneas de contorno con que siluetea Goya, sin olvidar poner en el extremo superior izquierdo el número de dibujo, con la misma grafía que el pintor de Fuendetodos.

 

Para terminar, puedes firmar. Por ejemplo, en la parte inferior. Pero siempre poniendo que es una versión de este dibujo de Goya.  En mi caso, como podéis observar, he añadido unas notas de Azul Ultramar al Gris Payne en la parte inferior derecha. No se trata de que hagáis un calco, más bien se trata de versionar. Y en este caso, sin apartarse mucho del tema principal, ya que estamos hablando de uno de los mayores genios de la Historia del Arte, y debemos aprender de él antes de apartarnos sin haber llegado.

 

Espero que disfrutéis.



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