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Cómo pintar un RETRATO en clave FAUVISTA en 3 pasos

 © Macarena Márquez Jurado

Pintar un retrato en clave fauvista es entrar en otra dimensión, ser libre para retratar a una persona en todos sus planos y universos, sin ceñirse a la realidad visual y sin que deje por ello de ser dicha persona.

<alt="Pintar retrato paso a paso"/>
Cómo pintar un retrato en clave fauvista
www.macuarela.com
Retrato de Dolly Martín White


Material Utilizado:

·         Papel de grano fino, 300 gr/m2. 

·         Acuarelas líquidas

·         Témpera

 

Para comprender los fundamentos de este movimiento, que siempre me ha seducido, os remito al artículo:  Fauvismo. Lo FAUVE en Acuarela. Allí están las claves para agrandar nuestra percepción a la hora de ponernos frente a un paisaje o retrato de Matisse, por ejemplo. En este artículo me quiero detener, no en el movimiento fauvista en sí, sino en expresar de forma descriptiva – con imágenes y palabras - la fuerza que confiere liberarse del dibujo y de todos los cánones aprendidos para adentrarnos en lo que el artista intuye. Es el pintor el que expresa según el motivo que ve, lo que ve o a quien ve. Y hay diferentes claves o estilos para hacerlo. Dichos estilos, los cánones o las claves, son vehículos de expresión. Mientras mejor los conozcamos y los apliquemos, más cerca estaremos de aportar algo. Hay veces en que es mejor no expresar. Cuando la realidad nos supera, si la reflejamos de forma deficiente o sin hacer aportación alguna, resulta mejor seguir aprendiendo antes de conformarnos y colgar nuestra obra en el salón de nuestra casa. Claro que lo podemos hacer, pero eso no es arte. A veces es mejor una pared vacía.

Hay personas que expresan mucho sin herramientas ni horas de estudio. Por otro lado, hay quienes ejecutan con gran virtuosismo, que tienen todas las herramientas y conocimientos, pero que no expresan nada. Con todo, ni lo uno ni lo otro es lo común, estos ejemplos marcarían los dos extremos. En cuanto a los estilos, unos se adaptarán mejor que otros a nuestra forma de conocimiento del mundo, aunque no son excluyentes. El artista puede expresar a través de vehículos o estilos diferentes y no siempre tiene que utilizar la misma línea en la práctica.

Con esta liberación de todo el aprendizaje académico que propongo en este artículo, no quiero decir que no sea necesario saber dibujar o pintar. No es eso. Hay personas que piensan que pueden pintar maravillosamente sin saber. Y eso solo sucede cuando el genio supera a todo lo aprendido y solucionado a lo largo de la Historia del Arte por los pintores y artistas. Paolo Uccello, uno de los artífices del invento de la perspectiva, no dormía estudiando la forma de colocar las lanzas de sus cuadros en el suelo de forma que parecieran oblicuas al espectador. Oblicuas: esa dificultad superada por los artistas del Renacimiento. Ahora nos parece muy fácil traspasar a las dos dimensiones de nuestro papel la tercera dimensión, el profundo, en el Quattrocento no. El hombre medieval aun no sabía pintar con perspectiva. Dicho invento, comprender cómo se podía plasmar el volumen de un ser humano en un soporte plano, fue la gran revolución y uno de los grandes aportes de los artistas del Renacimiento a la Historia de la Pintura. También fue precisamente esta contribución la que nos llevó a querer plasmar la realidad cada vez de una forma más fidedigna, más real, hasta llegar a lo fotográfico. En ese bagaje, los artistas perdieron muchas veces fuerza, el estro artístico, la esencia. Esto no siempre reside en la realidad y su fidedigna plasmación, sino en una meta realidad que no todos pueden aislar o percibir, y mucho menos plasmar. Del mismo modo, no todo el mundo es capaz de aislar un elemento en una probeta, o de obtener el pigmento de la falla de la mina.

Dicen que solo el arquitecto que sabe y conoce puede derribar el edificio. Lo hemos podido ver en algunos casos en que un rascacielos ha ardido y ha sido el arquitecto quien ha tenido que dar las pautas para acabar de derribarlo. Es una metáfora. Después, han podido pasar varias cosas, o que se construya un nuevo edificio o que no se construya nada. Pero si se construye de nuevo, esta nueva construcción puede ser diferente. Y el espacio sigue siendo el mismo.

Lo mismo puede suceder en pintura. Se puede retratar a una persona con realismo, con hiperrealismo, con pintura, escultura, arquitectura o con una cámara de fotos. Pero también se puede intentar captar a esa persona derribando todas las pautas aprendidas, como el arquitecto del que hablaba, para reflejar una meta realidad, que solo es alcanzable a partir de estilos que no abordan al retratado con las claves clásicas. El fauvismo es uno de los estilos artísticos que considero más libres para el retrato. Hablo de ese retrato que no pierde la base del retratado, algún punto de parecido con la realidad, de una meta realidad que aun conecta con lo descriptivo. Por supuesto que existen otras formas, otros caminos, estilos artísticos. Pero en este artículo he querido hablar de éste.

Desde esta libertad de ejecución, he pintado este retrato, que en realidad es un metaretrato fauvista.

He utilizado tres de las muchas claves de este tipo de pintura. Son las siguientes. Te animo a seguirlas, que emprendas un retrato con estas pautas, libre, y que compruebes el resultado:

1.- Hay que Liberarse de todo lo aprendido. Aunque digo liberarse, no quiero decir no conocer o no haber aprendido. Para pintar bien es necesario saber. En ocasiones es necesario saber y olvidar, aunque sea momentáneamente. Para deconstruir es necesario saber construir. Para derribar su edificio el arquitecto ha sabido levantarlo previamente. Tanto si sabes mucho como si sabes poco, haz la prueba. Libérate de ello y ponte frente a la persona que quieres retratar, frente a ella o frente a una foto. No para copiarla. Es algo más profundo. Inténtalo hasta conseguirlo. La persona ¿es rubia y de grandes ojos azules con pestañas larguísimas y mirada profunda? Olvida todo y quédate con la mirada profunda. A ver cómo se pinta eso.

<alt="Pintar retrato paso a paso. 1"/>







Retrato Fauve con Acuarela: Hexágono inferior izquierdo. El ojo no es un ojo, la nariz no es una nariz, la frente no es una frente, la ceja no es una ceja. Pero lo son.

2.- Es el color el que dibuja y no la línea. Piensa en ello antes de abordar tu retrato. El valor es el color. Y son colores planos. A través de las masas planas de color se puede obtener volumen. Rosas. Verdes. Haz la prueba.

<alt="Pintar retrato paso a paso. 2"/>

3.- No hay más lejos o más cerca, no hay perspectiva atmosférica, aquella que aprendimos por la cual, dicho de una forma simplista, mientras más lejos está un cuerpo hay que pintarlo más claro. La única profundidad en este tipo de pintura es el color. La luz no proyecta sombras. No hay degradación tonal producida por el grado de humedad o la temperatura. No hay distancias.


<alt="Pintar retrato paso a paso. 3"/>



 




Te animo a que pruebes. Pinta un retrato con estas tres claves. No busques parecido con la realidad, el parecido que se encuentra es de otro tipo. Investiga. Experimenta. Da un salto y comprueba tú mismo lo que hay.

Nota 1: Para comprender la pasión por la perspectiva generada en los pintores del Quattrocento, recomiendo el precioso relato de Marcel Schwob: Paolo Uccello: Pintor.

 

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Justin Townes Earle. Con Acuarela

Looking for a Place to Land. Justin Townes Earle.

Hay veces en que no se programa el post de acuarela. Salta una noticia, y sencillamente pintas. Esa forma de pintar es vertiginosa, atemporal, llega a suspenderte como si no hubiera más mundo que el del pincel que te lleva. Porque no llevas tú al pincel. Es el pincel el que te arrastra cargado de acuarela líquida. Imposible en este caso pintar con pastillas, con tubos, ni con lápices acuarelables. La pasión es líquida. Y rápida.


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Justin Townes Earle


Por eso, escuchando la música de Justin Townes Earle, Nashville (EE. UU.) que, desde hoy es leyenda, he cambiado el orden de los factores, esa propiedad conmutativa que en arte no existe. Y menos en acuarela, en la que el orden de los factores altera sustancialmente el producto.

Queda una voz, atmósferas azules con terciopelos carmesí, maderas anaranjadas de guitarra, pajaritas y sensibilidad musical. Música grande. Música.

Me encantaría explicar el proceso de esta acuarela paso a paso, pero es uno de los casos en que no hay paso a paso, sino un paso rápido e intenso cargado de escarlata y cerúleos. Es una forma de pintar algo irracional, en la que el único barco y remos que te agarran al mundo son el papel y los pinceles, algo rápido e intenso que te deja después sin fuerzas durante un rato bueno inexplicable. Le sucede a la mayoría de pintores algunas afortunadas veces. No sé si el hecho de pintar se puede pintar, si eso es factible calcaréis esta acuarela sin problema alguno. Ni yo misma comprendo lo vertiginoso del proceso y el por qué de los colores de la piel, por ejemplo, esos cerúleos con ultramar. 

Material empleado:

Papel Guarro de poco gramaje de modo que la acuarela fluya

Acuarela líquida

Pinceles: Redondos del 12, 8 y 6

Justin Townes Earle, a pesar de su juventud, 38 años el día de su fallecimiento, es un músico que retrotrae a otros tiempos. Quizá por ser hijo de su padre, el cantante de country y de rock: Steve Earle. Es decir, que la leyenda es hija de la leyenda. Steve, el padre, obtuvo el premio Grammy al Mejor Album de Folk Contemporáneo por The Revolution Starts Now. Fue en 2005. Al margen de su inigualable carrera como músico, también dará vida a Walon en la serie de HBO: The Wire. Es el cantante que interpreta el tema: Way down in the hole, de Tom Waits. Dicho tema ilustra musicalmente los títulos de crédito de su última temporada.

Pero eso era el padre. Al margen de ser hijo de quien era, Justin consiguió trascender la filiación, y, a pesar de nadar en la tradición más clásica de country, rock o blues, el cantante nacido en Nasville, como tal, ha obtenido su lugar concreto. Su música está cargada de lirismo. Trasciende lo tecnológico, es muy auténtica, sale de una verdad sin aderezos. Con sus esquirlas de ejecución. Como bien expresó Michelangelo Buonarroti, hay que quitar a la piedra lo que le sobra para que emerja la obra de arte. La belleza está ahí, dentro de la piedra. Eso es algo que le sucede a la voz y a la forma de interpretar de este cantante, repleta de belleza, a la que no ha dado tiempo, al menos de una forma acabada, de emerger, pero que está ahí, dentro, que se puede percibir al escucharlo. Que queda y permanece porque es anterior al producto.

No hay más que escuchar sus temas: Looking for a Place to Land, o Midnight at the movies (2009)En el caso de Justin, no se acierta a saber quién importa más, si el cantante, el tema o su guitarra acústica. Porque la guitarra acústica es él mismo, sus canales de expresión junto con su voz dulce. Me remito al tema: Turn Out My Lightsen el que, a dicha voz y a su guitarra, se une en perfecta sintonía la armónica.

Pintar la música, a los músicos y sus sintonías, es algo que siempre ha sucedido. Y es que el oído y la vista son sentidos estrechamente vinculados. La acuarela rápida de Justin, en la transparencia de su rostro -tranquilo-, en los tonos azulados de sus manos, del micrófono que lleva sus notas, o de su pajarita, en todo ello nos está hablando de su permanencia, de su inmortalidad. El arte, cuando lo es, trasciende.

Justin era un cantante folk, country. Perfecto en su imperfección. Como dijo Frances Bacon: No hay belleza sin algo extraño en sus proporciones.


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EL AZUL ULTRAMAR

AZUL ULTRAMAR

Índice Internacional de los Colores.
Número IC:  PB29
Descripción Química: Sulfosilicato de sodio aluminio
Nombre: Azul Ultramar

De los tres colores primarios: Rojo, amarillo y azul, este último es el que al mezclar con negro o blanco conserva mejor su entidad. Os animo a hacer la prueba con acuarelas. El rojo con blanco deja de ser un rojo, un amarillo con negro deja de tener el distintivo amarillo, tan peculiar. Por eso el azul es el color con más carácter, por decirlo de alguna forma. Sigue siendo azul mezclado con negro o blanco. Más o menos claro, más o menos profundo, pero Azul.

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com

En la muestra todos son Azul Ultramar:

1: Azul Ultramar de Tinta China.

2: Azul Ultramar de Acuarela Líquida.

3 y 4: Azul Ultramar de Acuarela en pastillas. 

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Azul Ultramar - Macarena Márquez Jurado

Colores y emociones están íntimamente relacionados. Kandinsky decía del azul muy oscuro que era como el sonido de un violoncelo. Si relacionamos color, emoción y música, hay que recordar que el azul sugiere una tristeza de tipo poética, pensamientos oníricos, melancolía, y que, por eso, al Blues se le llamó Blues. Aunque hay varía teorías, la más aceptada dice que proviene de las palabras Blue Devils (diablos azules). En el siglo XVIII, cuando una persona tenía uno de esos estados relacionados con la melancolía, y también cuando estaba ebrio, se creía que veía estas figuras azules, o que tenía the blues. Y, aunque el Blues se inició como expresión de los esclavos del sur de Estados Unidos, en las plantaciones de algodón, que lo entonaban como un canto para dar vía libre al sufrimiento y a la tristeza, y que tenía una connotación espiritual, en la base de todo ello está el color azul.

En cuanto a color se refiere, el Azul Ultramar, llamado también azul verdadero, llega desde más allá del mar y por vía marítima, Ultra-Mar, como ya dijo Marco Polo. En concreto, desde unas montañas de Afganistán, en donde se encontraba una gema semipreciosa llamada lapislázuli, ya conocida por los egipcios, que no lo utilizaron como color en sus pinturas por no haber sabido desarrollarlo, aunque sí en tapices, tejidos y joyería.

Fue a partir de la Edad Media cuando el Azul Ultramar llegó a Europa. El noble color obtenido del lapislázuli afgano era muy costoso, por eso los pintores renacentistas lo empleaban de forma contenida en sus composiciones pictóricas, en vestimenta o attrezzo de sus mecenas. Pero, sobre todo, en el manto de la Virgen por su grado de importancia. Lo encontramos en las pinturas de Simone Martini, discípulo aventajado de Duccio di Boninsegna, quien dio un paso adelante en cuanto a recursos pictóricos de la Historia del Arte, al sustituir fondos dorados por azules de ultramar sin parangón en su conocidísima obra: La Maestá del Palazzo de Siena.

 

Recomiendo observar con detenimiento esta pintura para comprender lo que es el desarrollo en la aplicación de los colores de los maestros del Quattrocento y del Cinquecento italiano. En el siglo XXI, si a un pintor le falta Azul Ultramar, va a la tienda, o lo pide por Internet, y, como mucho lo tiene en su casa en 24 horas listo para su utilización, y no precisamente para pintar el manto de la Virgen, sino para todo.

La segunda obra que no podemos dejar de ver si queremos comprender un poco más la base de este primitivo Azul Ultramar, es la Capilla Scrovegni de Giotto, en Padua. Giotto hizo en ella un alarde de pigmento. Si puedes ir a Padua, no lo dudes. Y, si no, busca imágenes en Internet. Mira la bóveda, detente en las historias y sus fondos. Sumérgete en el Azul. Y volarás.

En cuanto al pintor que te recomiendo para que estudies en él la aplicación de este color, ya en el siglo XVIII, es Vermeer. Sólo hay que observar La joven de la Perla. Su mecenas le proveía del pigmento, y el pintor no escatimaba cuando era él mismo quien tenía que hacerse con el cotizado tesoro.

En cuanto a la aplicación en Acuarela, por norma general el Azul Ultramar es de los colores cuyos pocillos, tubos o botes siempre estarán más desgastados o vacíos en el material de cualquier pintor de acuarelables que se precie. Esto es así, porque es necesario para la formación de grises. Todo lo contrario que sucedía en los inicios de la utilización de este color, en que se intentaba evitar todos aquellos aglutinantes o pigmentos que lo agrisaran.

Uno de los grises base en acuarela se forma a partir de la aguada de Azul Ultramar + Siena Tostada. Yo siempre recomiendo algo más de Azul Ultramar que de Siena. Son grises más fríos, más limpios, y me gustan más. Pero la gama de grises es interminable.

Haced la prueba.

Por último, hay que recordar que este color se comenzó a obtener de forma sintética a partir de que la Société d'encouragement pour l'industrie Nationale, creada en 1801 para promover talentos y fomentar la industria, convocase uno de sus concursos. En la base estaba la obtención del cotizado azul de forma sintética y económica. El ganador fue Jean Baptiste Guimet, un químico francés, que pasó a la historia como el inventor de la fórmula, de ahí el calificativo añadido al Azul Ultramar verdadero, o Ultramar Francés. Eso, a pesar de que también lo consiguiera Christian Gmelin, profesor de química de la Universidad de Tubinga. A partir de su fórmula, se desarrollaría la industria del Azul Ultramar sintético en Alemania.

El Azul Ultramar sintético es más brillante que el original obtenido del lapislázuli. De las marcas actuales, el azul que en la muestra pongo como número 3, algo menos tintado de azul que el resto, sería el que más se parece al original extraído del lapislázuli.

Para terminar, quiero recordaros que el CLASSIC BLUE o Azul Ultramar es el Pantone de este año 2020, azul y profundo.


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Qué es la Acuarela Líquida

La Acuarela Líquida es un tipo de acuarela que ya viene disuelta en botes para su aplicación directa. Sus colores son vibrantes, siendo la tintura y el poder de cubrición similar a la Tinta China de colores. La diferencia estriba en que las acuarelas no tienen carácter permanente y la tinta china sí. En cuanto a las primeras, las utilizo siempre, bien aguada para composiciones de acuarela clásica,  apenas sin aguar en temas más arriesgados. Son muy aconsejables cuando hacemos trabajo de diseño e ilustración. En ellos podemos necesitar bloques de color con menos progresión de tonos, sin apenas degradados. En determinadas composiciones de prediseño, antes de publicar, o de pasar a lo digital, se precisan manchas que resulten homogéneas y en las que no se note la pincelada.

 

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¿ Qué es la Acuarela Líquida?
Pruebas Macarena Márquez

 Actualmente es lo que llamamos color block, un concepto que ha traspasado el mundo del arte pictórico para instalarse en la decoración y en la moda en general. Para conseguir este efecto block, o de color saturado cuyo efecto es la planitud, utilizo siempre la acuarela líquida. El iniciador de esta línea de color block a la hora de pintar fue Piet Mondrian, quien utilizó los colores básicos en su formato block, sobre todo al final de su evolución artística. Sobre este pintor hay mucha bibliografía en inglés y muy poca en castellano. Conozco un libro muy especial fantástico para aprender lo que es el color block, la biografía y la obra de Mondrian a un nivel muy básico, tanto que podemos leerlo los adultos sin una formación especializada en Arte y también los niños y adolescentes con inquietudes artísticas. Se llama MONDRIAN - Un libro para jugar y aprender con Piet Mondrian de Ana Ortiz. Se trata de un regalo precioso y diferente. 

Sobre este autor, al que tanto le debemos, no solo los pintores, sino también los diseñadores de todo tipo, hay que decir que las colecciones permanentes del Museo de Arte Reina Sofía y de la Colección Thyssen de Madrid albergan sus cuadros. Mondrian es el creador del neoplasticismo, movimiento artístico en cuya base no está la imitación de la realidad, sino la trascripción a partir de los tres colores primarios: Amarillo, Rojo, Azul, a lo que se añade el blanco y el negro. Es un arte sin profundidad, sin símbolos, sin atmósfera. Marca el inicio del color block al que me refiero, un color al que el acuarelista puede llegar mucho mejor, si lo hace con la acuarela líquida. También con tinta china o rotuladores acuarelables.


Las acuarelas líquidas tienen una textura, al secar, mucho más satinada que la acuarela en pastilla o la de tubo. Resulta más brillante. En cuanto a su nivel de permanencia, ahí es en donde hay que decir que, si se expone a la luz del sol, o excesiva, y también a la luz fluorescente, puede perder tono. Sus colorantes son resistentes, pero no soportan tanto como otro tipo de acuarelas una gran exposición a la luz. Hay barnices que protegen los trabajos con este tipo de acuarelas. Son incoloros. Hay muchos barnices  para acuarela. Por ejemplo, yo uso Protecting Spray 680 de Talens aunque hay muchas marcas. Vale para acuarela y para témpera. Se trata de una resina que no amarillea y que protege la acuarela, no solo en su color, sino también en el grado de humedad. Recomiendo hacer una pequeña prueba en un papel en el que se haya pintado algo inservible hasta que consigamos que, por apretar mucho, pueda caer una microgota. Se trata de un pulverizado.  No se puede pegar excesivamente el bote al papel y hay que ponerlo vertical. Hay acuarelas, sobre todo las oscuras, como verdes, azules o carmines, que al secar pierden brillo. Al hacer la prueba se puede comprobar cómo el color vuelve a ser el que era en su origen, recuperando su esencia.


<alt="Acuarela Líquida"/>
Tomates - Acuarela Líquida
Título: Rojo Rojo Rojo
Autora: Macarena Márquez Jurado


Para pintar estas acuarelas con líquidas he utilizado:

Material:

Papel:  En este caso he utilizado un papel A5 de gramaje 170 g/m2. Un cuaderno de Enviro que me gusta mucho, aunque puede ser cualquier papel, preferible de grano medio o fino para la acuarela líquida y la tinta china.

Puede ser cualquier marca, pero en la gama de grano fino.

Pinceles: Redondos del 12, 10 y 4.

Lápiz o portaminas. Es conveniente tener varios, o uno multiusos con varias minas de diferentes grosores. 

Paleta de mezclas redonda.

Acuarelas Líquidas Vallejo:

·          Vallejo Amarillo Primario - Primary Yellow

·          Vallejo - Verde Bosque – Forrest Green

·          Vallejo - Verde Oliva - Olive Green

·          Rojo Bermellón - Vermilion Red

·           Vallejo RojoNaranja – Orange Red

·          Rojo Intenso – Deep Red

·          Rojo Claro – Bricht Red

·         Carmín de Alizarina – Alizarín Crimson

·          Azul Ultramar - Ultramarine Blue

 

Protector Spray 680 Talens


En cuanto a otra de las peculiaridades que me seducen de estas acuarelas, con la que he trabajado y trabajo a menudo, es que, una vez finalizada la sesión, dejo en la paleta de mezclas los colores. Cuando retomo el trabajo que esté desarrollando pasados unos días, añado unas gotas de agua en cada pocillo, y la acuarela vuelve a su ser, líquida y vibrante, sin haber perdido un ápice de luz. Ni brillo.

 

Para los aficionados al aerógrafo, trabajar con estas acuarelas es toda una fiesta. Al no estar hechas con pigmentos, y sí con colorantes, no taponan las salidas del aerógrafo. También las recomiendo para teñir o variar la tintada, por ejemplo, de una mezcla de gouache o témpera. Como explico, los colorantes de estas acuarelas son muy potentes.

 

Para los que prefieren pigmentos orgánicos, más resistentes a la luz, la marca Dr. Martins ofrece este tipo de acuarelas con excelentes resultados.  Son caras. Pero su eficiencia y calidad son de primer nivel. Tienen algo que contribuye a que duren mucho y que, por tanto, sean recomendables también para principiantes, y es que, su nivel de concentración hace que únicamente utilices una pequeñísima cantidad. Esa cantidad es controlable gracias a sus goteros. Es muy fácil desperdiciar pigmento con otras que no lo tienen. Yo siempre he incidido en esto. La acuarela es un material relativamente caro, por eso el uso que le demos es fundamental. 


Acuarelas Dr Ph. Martins
 Acuarela Hydrus Dr. Martin´s

Aunque tengo que confesar que yo adoro mis Acuarelas Vallejo, que siempre recomiendo para los que están empezando, sobre todo, sin descartar para los profesionales. Todo depende del trabajo que estemos realizando. Hay que ir probando marca, o marcas. 

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Tomates con Acuarela Líquida-Macarena Márquez


Acompaño este artículo sobre acuarela líquida con uno bocetos de tomates realizados con las mismas. En algunos casos, como se puede observar, he dado unos toques de acuarela en pastilla, pero la líquida siempre se sobrepone.

 Animo a todos a probarla. 

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EL ROJO BERMELLÓN

ROJO BERMELLÓN

Índice Internacional de los Colores.

Nombre y número IC: PR106 (Pigmento rojo-red 106) Rojo Bermellón (verdadero)

Descripción Química: Sulfuro de Mercurio

© Macarena Márquez Jurado

La palabra bermellón etimológicamente procede del francés: Vermillón. Y éste último término del latín: Vermicülus, o larva de la cochinilla del carmín. De las hembras de este insecto, parásito de plantas como las chumberas del Sur de España, se extraía un colorante de color rojizo acarminado que se utilizaba para tintes de todo tipo.

<alt="Rojo Bermellón"/>

Rojo Bermellón.

 La línea 1 es Bermellón de acuarela de tubo

La línea 2 es Bermellón de acuarela líquida

Las líneas 3 y 4 son Bermellones de pastilla.

El verdadero precursor del rojo bermellón y de todos los rojos actuales fue el cinabrio, mineral conocido ya en la Antigüedad Clásica, que se extraía de las minas de Almadén, Ciudad Real.  Se obtenía con métodos muy dificultosos en las minas españolas, siendo tal su valía, que era necesaria una orden imperial para su obtención. A continuación, se enviaba a Roma, en donde se procesaba.

El gran Vitruvio, arquitecto y tratadista romano del siglo I a. C. ya habló de él en Los Diez Libros de Arquitectura. A partir del Quattrocento, la obra de Vitrubio sería la base para los artistas de Renacimiento. En el capítulo dedicado al color bermellón, explica cómo se extrae el pigmento. También narra cómo se puede utilizar para enlucir las viviendas, alertando de que, si se utiliza al exterior, puede ennegrecerse. Para evitarlo aconseja el método llamado caysis. Se encera una vez pintado y con ello se obtiene resistencia a a las inclemencias del tiempo. Era el mismo sistema que se utilizaba para proteger las estatuas antiguas.

Refiere también en su tratado que, el bermellón se encontró por primera vez en los campos de Éfeso llamados Cilbianos y que “las oficinas del bermellón”, lo entrecomillo para que seamos conscientes de la importancia que tenía, se habían trasladado a Roma por haber descubierto glebas en España. Es decir, que Éfeso no era suficiente para la gestión de este material. 

Aunque desde Éfeso, las glebas pasaron a obtenerse de España, estas se sellaban y eran enviadas a Roma, en donde se procesaban hasta obtener el cotizado bermellón. Imaginemos el calado de esta factoría. Las estancias en donde se hacía esto se encontraban en un lugar próximo al templo de Quirino y al de Flora, es decir, en El Quirinal, una de las siete colinas de Roma, lugar que eligieron los patricios para sus villas y en donde hoy se sitúa el Palacio del mismo nombre, sede del Gobierno de Italia. Según Plinio, las minas tenían las glebas que posteriormente darían el mejor bermellón. Hasta tal punto fueron importantes. El monopolio del bermellón sería imperial. De ahí su elevado precio.

Como pigmento, el reputado color se ha utilizado a lo largo de la historia, normalmente para artes suntuarias, pinturas al fresco, tejidos, cosmética y todo aquel objeto importante que se tuviera que revestir de grandeza.  Era algo menos vibrante que el bermellón que conocemos, y tenía un carácter muy venenoso. A eso se unía su tendencia a perder brillo y a matificarse y oscurecer con el tiempo de exposición a la luz y los factores del clima, sobre todo en la pintura al fresco. Remito al estado de las restauraciones de frescos en Pompeya y Herculano, en donde se utilizaba el bermellón.

En cuanto al cinabrio, no sólo se utilizó para extraer pigmento, ha sido utilizado a lo largo de la historia para otros menesteres. Entre otros resulta curioso los estudios del siciliano Campailla, renovador de lo que se llamó las barricas o barriles de Campailla ya a fines del siglo XVII. Se metía a un paciente dentro de las barricas, y, sobre una estufa se vertía cinabrio en la dosis adecuada. Al exhalar mercurio en forma de vapor, dichos vapores eran absorbidos por el cuerpo del paciente y aliviaban el mal de la sífilis. Y también las enfermedades reumáticas, las relativas a las articulaciones y los huesos. Campailla añadió incienso a dichos vapores para que se pudiera inhalar.

Sobre la toxicidad del bermellón (sulfuro de mercurio), menciono aquí que, a mediados del siglo XIX, empezaron a hacerse advertencias sobre la utilización del bermellón, por ejemplo, en cosmética. Se utilizaba para pintar los labios, y determinadas casas de cosmética tuvieron que retirarlo, para empezar a utilizar otros pigmentos.

Ya en el siglo XX, con el avance de las Ciencias Químicas, los colores, en vez de fabricarse a partir de sus formas vegetales, minerales o animales, lo empezaron a hacer a partir de fórmulas químicas. Actualmente el rojo más extendido, cercano y sustituto del bermellón es el rojo de cadmio.

<alt="Oscurecer rojos"/>
Oscurecimiento de bermellón con carmín

Sobre este color, y su uso en acuarela, hay que decir que es un color de gran tinción y que para oscurecerlo añadiremos carmín de alizarina. No se aconseja oscurecerlo con gris de Payne, si acaso con una punta de negro. Esto es para que no pierda su carácter.  Al añadir carmín a un bermellón o a un rojo de cadmio, le aportaremos oscuridad sin que pierda brillantez.

El bermellón con verde de Hooker crea un gris muy profundo, es el color que vemos al contemplar una fila de olivos en la lejanía, cuando el verde saturado ya ha perdido su color. Aconsejo probar y utilizarlo.

<alt="Rojo Bermellón con verde"/>
Bermellón + Verde Hooker

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