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Justin Townes Earle

Noticias en Acuarela: 24 de Agosto de 2020

Looking for a Place to Land. Justin Townes Earle.

Hay veces en que no se programa el post de acuarela. Salta una noticia, y sencillamente pintas. Esa forma de pintar es vertiginosa, atemporal, llega a suspenderte como si no hubiera más mundo que el del pincel que te lleva. Porque no llevas tú al pincel. Es el pincel el que te arrastra cargado de acuarela líquida. Imposible en este caso pintar con pastillas, con tubos, ni con lápices acuarelables. La pasión es líquida. Y rápida.


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Justin Townes Earle


Por eso, escuchando la música de Justin Townes Earle, Nashville (EE. UU.) que, desde hoy es leyenda, he cambiado el orden de los factores, esa propiedad conmutativa que en arte no existe. Y menos en acuarela, en la que el orden de los factores altera sustancialmente el producto.

Queda una voz, atmósferas azules con terciopelos carmesí, maderas anaranjadas de guitarra, pajaritas y sensibilidad musical. Música grande. Música.

Me encantaría explicar el proceso de esta acuarela paso a paso, pero es uno de los casos en que no hay paso a paso, sino un paso rápido e intenso cargado de escarlata y cerúleos. Es una forma de pintar algo irracional, en la que el único barco y remos que te agarran al mundo son el papel y los pinceles, algo rápido e intenso que te deja después sin fuerzas durante un rato bueno inexplicable. Le sucede a la mayoría de pintores algunas afortunadas veces. No sé si el hecho de pintar se puede pintar, si eso es factible calcaréis esta acuarela sin problema alguno. Ni yo misma comprendo lo vertiginoso del proceso y el por qué de los colores de la piel, por ejemplo, esos cerúleos con ultramar. 

Material empleado:

Papel Guarro de poco gramaje de modo que la acuarela fluya

Acuarela líquida

Pinceles: Redondos del 12, 8 y 6

Justin Townes Earle, a pesar de su juventud, 38 años el día de su fallecimiento, es un músico que retrotrae a otros tiempos. Quizá por ser hijo de su padre, el cantante de country y de rock: Steve Earle. Es decir, que la leyenda es hija de la leyenda. Steve, el padre, obtuvo el premio Grammy al Mejor Album de Folk Contemporáneo por The Revolution Starts Now. Fue en 2005. Al margen de su inigualable carrera como músico, también dará vida a Walon en la serie de HBO: The Wire. Es el cantante que interpreta el tema: Way down in the hole, de Tom Waits. Dicho tema ilustra musicalmente los títulos de crédito de su última temporada.

Pero eso era el padre. Al margen de ser hijo de quien era, Justin consiguió trascender la filiación, y, a pesar de nadar en la tradición más clásica de country, rock o blues, el cantante nacido en Nasville, como tal, ha obtenido su lugar concreto. Su música está cargada de lirismo. Trasciende lo tecnológico, es muy auténtica, sale de una verdad sin aderezos. Con sus esquirlas de ejecución. Como bien expresó Michelangelo Buonarroti, hay que quitar a la piedra lo que le sobra para que emerja la obra de arte. La belleza está ahí, dentro de la piedra. Eso es algo que le sucede a la voz y a la forma de interpretar de este cantante, repleta de belleza, a la que no ha dado tiempo, al menos de una forma acabada, de emerger, pero que está ahí, dentro, que se puede percibir al escucharlo. Que queda y permanece porque es anterior al producto.

No hay más que escuchar sus temas: Looking for a Place to Land, o Midnight at the movies (2009). En el caso de Justin, no se acierta a saber quién importa más, si el cantante, el tema o su guitarra acústica. Porque la guitarra acústica es él mismo, sus canales de expresión junto con su voz dulce. Me remito al tema: Turn Out My Lights, en el que, a dicha voz y a su guitarra, se une en perfecta sintonía la armónica.

Pintar la música, a los músicos y sus sintonías, es algo que siempre ha sucedido. Y es que el oído y la vista son sentidos estrechamente vinculados. La acuarela rápida de Justin, en la transparencia de su rostro -tranquilo-, en los tonos azulados de sus manos, del micrófono que lleva sus notas, o de su pajarita, en todo ello nos está hablando de su permanencia, de su inmortalidad. El arte, cuando lo es, trasciende.

Justin era un cantante folk, country. Perfecto en su imperfección. Como dijo Frances Bacon: No hay belleza sin algo extraño en sus proporciones.


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Macarena Márquez Jurado

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EL AZUL ULTRAMAR

Índice Internacional de los Colores.
Número IC:  PB29
Descripción Química: Sulfosilicato de sodio aluminio
Nombre: Azul Ultramar

De los tres colores primarios: Rojo, amarillo y azul, este último es el que al mezclar con negro o blanco conserva mejor su entidad. Os animo a hacer la prueba con acuarelas. El rojo con blanco deja de ser un rojo, un amarillo con negro deja de tener el distintivo amarillo, tan peculiar. Por eso el azul es el color con más carácter, por decirlo de alguna forma. Sigue siendo azul mezclado con negro o blanco. Más o menos claro, más o menos profundo, pero Azul.

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com

En la muestra todos son Azul Ultramar:

1: Azul Ultramar de Tinta China.

2: Azul Ultramar de Acuarela Líquida.

3 y 4: Azul Ultramar de dos marcas distintas de Acuarela en pastilla. 

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Azul Ultramar - Macarena Márquez Jurado

Colores y emociones están íntimamente relacionados. Kandinsky decía del azul muy oscuro que era como el sonido de un violoncelo. Si relacionamos color, emoción y música, hay que recordar que el azul sugiere una tristeza de tipo poética, pensamientos oníricos, melancolía, y que, por eso, al Blues se le llamó Blues. Aunque hay varía teorías, la más aceptada dice que proviene de las palabras Blue Devils (diablos azules). En el siglo XVIII, cuando una persona tenía uno de esos estados relacionados con la melancolía, y también cuando estaba ebrio, se creía que veía estas figuras azules, o que tenía the blues. Y, aunque el Blues se inició como expresión de los esclavos del sur de Estados Unidos, en las plantaciones de algodón, que lo entonaban como un canto para dar vía libre al sufrimiento y a la tristeza, y que tenía una connotación espiritual, en la base de todo ello está el color azul.

En cuanto a color se refiere, el Azul Ultramar, llamado también azul verdadero, llega desde más allá del mar y por vía marítima, Ultra-Mar, como ya dijo Marco Polo. En concreto, desde unas montañas de Afganistán, en donde se encontraba una gema semipreciosa llamada lapislázuli, ya conocida por los egipcios, que no lo utilizaron como color en sus pinturas por no haber sabido desarrollarlo, aunque sí en tapices, tejidos y joyería.

Fue a partir de la Edad Media cuando el Azul Ultramar llegó a Europa. El noble color obtenido del lapislázuli afgano era muy costoso, por eso los pintores renacentistas lo empleaban de forma contenida en sus composiciones pictóricas, en vestimenta o attrezzo de sus mecenas. Pero, sobre todo, en el manto de la Virgen por su grado de importancia. Lo encontramos en las pinturas de Simone Martini, discípulo aventajado de Duccio di Boninsegna, quien dio un paso adelante en cuanto a recursos pictóricos de la Historia del Arte, al sustituir fondos dorados por azules de ultramar sin parangón en su conocidísima obra: La Maestá del Palazzo de Siena.

https://artsandculture.google.com/asset/maest%C3%A0/zwF3haL1RjxMeg?hl=es.  

Recomiendo observar con detenimiento esta pintura para comprender lo que es el desarrollo en la aplicación de los colores de los maestros del Quattrocento y del Cinquecento italiano. En el siglo XXI, si a un pintor le falta Azul Ultramar, va a la tienda, o lo pide por Internet, y, como mucho lo tiene en su casa en 24 horas listo para su utilización, y no precisamente para pintar el manto de la Virgen, sino para todo.

La segunda obra que no podemos dejar de ver si queremos comprender un poco más la base de este primitivo Azul Ultramar, es la Capilla Scrovegni de Giotto, en Padua. Giotto hizo en ella un alarde de pigmento. Si puedes ir a Padua, no lo dudes. Y, si no, busca imágenes en Internet. Mira la bóveda, detente en las historias y sus fondos. Sumérgete en el Azul. Y volarás.

En cuanto al pintor que te recomiendo para que estudies en él la aplicación de este color, ya en el siglo XVIII, es Vermeer. Sólo hay que observar La joven de la Perla. Su mecenas le proveía del pigmento, y el pintor no escatimaba cuando era él mismo quien tenía que hacerse con el cotizado tesoro.

En cuanto a la aplicación en Acuarela, por norma general el Azul Ultramar es de los colores cuyos pocillos o botes siempre estarán más desgastados o vacíos en el material de cualquier pintor de acuarelables que se precie. Esto es así, porque es necesario para la formación de grises. Todo lo contrario que sucedía en los inicios de la utilización de este color, en que se intentaba evitar todos aquellos aglutinantes o pigmentos que lo agrisaran.

Uno de los grises base en acuarela se forma a partir de la aguada de Azul Ultramar + Siena Tostada. Yo siempre recomiendo algo más de Azul Ultramar que de Siena. Son grises más fríos, más limpios, y me gustan más. Pero la gama de grises es interminable.

Haced la prueba.

Por último, hay que recordar que este color se comenzó a obtener de forma sintética a partir de que la Société d'encouragement pour l'industrie Nationale, creada en 1801 para promover talentos y fomentar la industria, convocase uno de sus concursos. En la base estaba la obtención del cotizado azul de forma sintética y económica. El ganador fue Jean Baptiste Guimet, un químico francés, que pasó a la historia como el inventor de la fórmula, de ahí el calificativo añadido al Azul Ultramar verdadero, o Ultramar Francés. Eso, a pesar de que también lo consiguiera Christian Gmelin, profesor de química de la Universidad de Tubinga. A partir de su fórmula, se desarrollaría la industria del Azul Ultramar sintético en Alemania.

El Azul Ultramar sintético es más brillante que el original obtenido del lapislázuli. De las marcas actuales, el azul que en la muestra pongo como número 3, algo menos tintado de azul que el resto, sería el que más se parece al original extraído del lapislázuli.

Para terminar, quiero recordaros que el CLASSIC BLUE o Azul Ultramar es el Pantone de este año 2020, azul y profundo.


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Acuarela Líquida

Me encanta pintar con Acuarela Líquida. Sus colores son vibrantes, y las tintas resultan más parecidas a la Tinta China de colores. Las utilizo siempre, bien aguada para composiciones de acuarela clásicas, o apenas sin aguar en temas más arriesgados. Aunque, en realidad, lo más recomendable es utilizar estas acuarelas cuando hacemos trabajo de diseño e ilustración, en los que podemos necesitar bloques de color con menos progresión de tonos. En determinados trabajos de prediseño, antes de publicar, o de pasar a lo digital, necesitamos manchas que resulten compactas y en las que no se note la pincelada.

Material:

Papel: 14,8 x 21 cms. de gramaje 160 g/m2

Puede ser cualquier marca, pero en la gama de grano fino.

Pinceles: Redondos del 12, 10 y 4.

Lápiz o portaminas.

Paleta de mezclas redonda.

Acuarela Líquida:

·          Amarillo cadmio oscuro – Cadmium Yellow Deep Hue

·          Verde Oliva – Olive Green

·          Rojo Bermellón - Vermilion Red

·          Rojo Naranja – Orange Red

·          Rojo Intenso – Deep Red

·         Carmín de Alizarina – Alizarín Crimson

·          Azul Ultramar - Ultramarine Blue


Protector Spray 680 Talens

 

 

Actualmente es lo que llamamos color block, un concepto que ha traspasado el mundo del arte pictórico para instalarse en la decoración y en la moda en general. Para conseguir este efecto block, o de color saturado cuyo efecto es la planitud, utilizo siempre la acuarela líquida. El iniciador de esta línea de color block a la hora de pintar fue Piet Mondrian, quien utilizó los colores básicos en su formato block, sobre todo al final de su evolución artística. Las colecciones permanentes del Museo de Arte Reina Sofía y de la Colección Thyssen de Madrid albergan cuadros de este pintor, creador del neoplasticismo, movimiento artístico en cuya base no está la imitación de la realidad, sino la trascripción a partir de los tres colores primarios: Amarillo, RojoAzul, a lo que se añade el blanco y el negro. Es un arte sin profundidad, sin símbolos, sin atmósfera. Marca el inicio del color block al que me refiero, un color al que el acuarelista puede llegar mucho mejor, si lo hace con la acuarela líquida. También con tinta china.


<alt="Acuarela Líquida"/>
Tomates - Acuarela Líquida
Título: Rojo Rojo Rojo
Autora: Macarena Márquez Jurado
www.macuarela.com

Su textura, al secar, es mucho más satinada que la acuarela en pastilla o la de tubo. Resulta más brillante. En cuanto a su nivel de permanencia, ahí es en donde hay que decir que, si se expone a la luz del sol, o excesiva, y también a la luz fluorescente, puede perder tono. Sus colorantes son resistentes, pero no soportan tanto como otro tipo de acuarelas una gran exposición a la luz. Hay barnices que protegen los trabajos con este tipo de acuarelas. Son incoloros. Por ejemplo, yo uso Protecting Spray 680 de Talens, aunque hay muchas marcas. Se trata de una resina que no amarillea y que protege la acuarela, no solo en su color, sino también en el grado de humedad. Recomiendo hacer una pequeña prueba en un papel en el que se haya pintado algo inservible. No se puede pegar excesivamente el bote al papel. Hay acuarelas, sobre todo las oscuras, como verdes, azules o carmines, que al secar pierden brillo. Al hacer la prueba se puede comprobar cómo el color vuelve a ser el que era en su origen, recuperando su esencia.


En cuanto a otra de las peculiaridades que me seducen de estas acuarelas, con la que he trabajado y trabajo a menudo, es que, una vez finalizada la sesión, dejo en la paleta de mezclas los colores. Cuando retomo el trabajo que esté desarrollando pasados unos días, añado unas gotas de agua en cada pocillo, y la acuarela vuelve a su ser, líquida y vibrante, sin haber perdido un ápice de luz. Ni brillo.

 

Para los aficionados al aerógrafo, trabajar con estas acuarelas es toda una fiesta. Al no estar hechas con pigmentos, y sí con colorantes, no taponan las salidas del aerógrafo. También las recomiendo para teñir o variar la tintada, por ejemplo, de una mezcla de gouache o témpera. Como explico, los colorantes de estas acuarelas son muy potentes.

 

Para los que prefieren pigmentos orgánicos, más resistentes a la luz, la marca Dr. Martins ofrece este tipo de acuarelas con excelentes resultados. Se pueden utilizar indistintamente. Aunque tengo que confesar que yo adoro mis Acuarelas Vallejo, que están en mi base de material siempre. Y, por añadidura, todas las demás. Hay que ir eligiendo marca, o marcas.


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Tomates con Acuarela Líquida-Macarena Márquez


Acompaño este artículo sobre acuarela líquida con uno bocetos de tomates realizados con las mismas. En algunos casos, como se puede observar, he dado unos toques de acuarela en pastilla, pero la líquida siempre se sobrepone.

 

Animo a todos a probarla. 


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EL ROJO BERMELLÓN - Acuarela

EL ROJO BERMELLÓN

Índice Internacional de los Colores.
Nombre y número IC: PR106 (Pigmento rojo-red 106) Rojo Bermellón (verdadero)
Descripción Química: Sulfuro de Mercurio

La palabra bermellón etimológicamente procede del francés: Vermillón. Y éste último término del latín: Vermicülus, o larva de la cochinilla del carmín, pues, de las hembras de este insecto, parásito de plantas como las chumberas del Sur de España, se extraía un colorante de color rojizo acarminado que se utilizaba para tintes de todo tipo.

<alt="Rojo Bermellón"/>

Rojo Bermellón. La línea 1 es bermellón de acuarela de tubo, la línea 2 es bermellón de acuarela líquida, las líneas 3 y 4 son bermellones de pastilla.

El verdadero precursor del rojo bermellón y de todos los rojos actuales, fue el cinabrio, mineral conocido ya en la Antigüedad Clásica, que se extraía de las minas de Almadén, Ciudad Real.  Se obtenía con métodos muy dificultosos en las minas españolas, siendo tal su valía, que era necesaria una orden imperial para su obtención. A continuación, se enviaba a Roma, en donde se procesaba.

El gran Vitruvio, arquitecto y tratadista romano del siglo I a. C. ya habló de él en Los Diez Libros de Arquitectura. A partir del Quattrocento, la obra de Vitrubio sería la base para los artistas de Renacimiento. En el capítulo dedicado al color bermellón, explica cómo se extrae el pigmento. También narra cómo se puede utilizar para enlucir las viviendas, y alerta de que, si se utiliza al exterior, puede ennegrecerse, aconsejando el método llamado caysis (en griego) para encerar una vez pintado y obtener resistencia al exterior. Era el mismo sistema que se utilizaba para proteger las estatuas antiguas.

Refiere también en su tratado que, el bermellón se encontró por primera vez en los campos de Éfeso llamados Cilbianos y que “las oficinas del bermellón”, lo entrecomillo para que seamos conscientes de la importancia que tenía, se habían trasladado a Roma por haber descubierto glebas en España.

Aunque desde Éfeso, las glebas pasaron a obtenerse de España, estas se sellaban y eran enviadas a Roma, en donde se procesaban hasta obtener el cotizado bermellón. Las estancias en donde se hacía esto se encontraban en un lugar próximo al templo de Quirino y al de Flora, es decir, en El Quirinal, una de las siete colinas de Roma, lugar que eligieron los patricios para sus villas y en donde hoy se sitúa el Palacio del mismo nombre, sede del Gobierno de Italia. Según Plinio, las minas tenían las glebas que posteriormente darían el mejor bermellón. Hasta tal punto fueron importantes. El monopolio del bermellón sería imperial. De ahí su elevado precio.

Como pigmento, el reputado color se ha utilizado a lo largo de la historia, normalmente para artes suntuarias, pinturas al fresco, tejidos, cosmética y todo aquel objeto importante que se tuviera que revestir de grandeza.  Era algo menos vibrante que el bermellón que conocemos, y tenía un carácter muy venenoso. A eso se unía su tendencia a perder brillo y a matificarse y oscurecer con el tiempo de exposición a la luz y los factores del clima, sobre todo en la pintura al fresco. Remito al estado de las restauraciones de frescos en Pompeya y Herculano, en donde se utilizaba el bermellón.

En cuanto al cinabrio, no sólo se utilizó para extraer pigmento, ha sido utilizado a lo largo de la historia para otros menesteres. Entre otros resulta curioso los estudios del siciliano Campailla, renovador de lo que se llamó las barricas o barriles de Campailla ya a fines del siglo XVII. Se metía a un paciente dentro de las barricas, y, sobre una estufa se vertía cinabrio en la dosis adecuada. Al exhalar mercurio en forma de vapor, dichos vapores eran absorbidos por el cuerpo del paciente y aliviaban el mal de la sífilis. Y también las enfermedades reumáticas, las relativas a las articulaciones y los huesos. Campailla añadió incienso a dichos vapores para que se pudiera inhalar.

Sobre la toxicidad del bermellón (sulfuro de mercurio), menciono aquí que a mediados del siglo XIX empezaron a hacerse advertencias sobre la utilización del bermellón, por ejemplo, en cosmética. Se utilizaba para pintar los labios, y determinadas casas de cosmética tuvieron que retirarlo, para empezar a utilizar otros pigmentos.

Ya en el siglo XX, con el avance de las Ciencias Químicas, los colores, en vez de fabricarse a partir de sus formas vegetales, minerales o animales, lo empezaron a hacer a partir de fórmulas químicas. Actualmente el rojo más extendido, cercano y sustituto del bermellón es el rojo de cadmio.

<alt="Oscurecer rojos"/>
Oscurecimiento de bermellón con carmín

Sobre este color, y su uso en acuarela, hay que decir que es un color de gran tinción y que para oscurecerlo añadiremos carmín de alizarina. No se aconseja oscurecerlo con gris de Payne, si acaso con una punta de negro. Esto es para que no pierda su carácter.  Al añadir carmín a un bermellón o a un rojo de cadmio, le aportaremos oscuridad sin que pierda brillantez.

El bermellón con verde de Hooker crea un gris muy profundo, es el color que vemos al contemplar una fila de olivos en la lejanía, cuando el verde saturado ya ha perdido su color. Aconsejo probar y utilizarlo.

<alt="Rojo Bermellón con verde"/>
Bermellón + Verde Hooker





















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