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Cómo pintar VACAS en 5 pasos

 © Macarena Márquez Jurado

En este artículo se dan las consignas para pintar una vaca con acuarela en 5 pasos. Pintar animales es un reto. Cada uno de ellos tiene su carácter, su postura, una particular forma de moverse en el espacio o de prestar atención. No tienen palabras, así que sus silencios son muy largos y observables. Eso es lo que me atrapó de esta vaca. Su forma de prestar atención, su cabeza arrimada a la sombra en un día caluroso de primavera.

<alt="Pintar Vacas Paso 1"/>
Cómo pintar vacas en 5 pasos
Acuarela de Macarena Márquez
www.macuarela.com
 




Vaca a la sombra. Fotografía de Sofía Rico.


Es la primera vez que pinto una vaca. Prefiero pintar personas, la verdad. Pero ésta en concreto es una vaca atenta, que mira con una tranquilidad seductora.

Para insertar en este blog el momento de estallido primaveral, la mirada de la vaca y su estar en el mundo, haré varias consideraciones que acompañarán el proceso paso a paso de esta acuarela. Es lo que más me pedís siempre, los pasos, la traducción de la realidad. Podéis seguir el proceso al mismo tiempo que lo explico y pintar vosotros mismos.

Paso 1 Pintar una vaca

No me propuse pintar una vaca. Encontré una vaca. Lo fácil es pintar una con manchas blancas y negras. Al menos es más fácil que una como ésta en que la piel es más o menos homogénea. El contraste del blanco y el negro es un recurso que ayuda mucho a la hora de pintar, más a la hora de pintar una vaca.

Me llevé un cuaderno de bocetos que me gusta mucho cuando salgo al exterior. Es de papel de gramaje 170 g. y tiene unas medidas adecuadas para llevarlo encima 14,8 x 21 cms. A ello se suma que tiene portada y contraportada de cartón fuerte para poder apoyar. Y lo mejor, unas grandes anillas -no es encolado- que permiten pasar de hoja sin estropear alguna. Dejo aquí la referencia, utilizo muchos tipos de blocs y gramajes, pero para este tipo de excursión, me encanta éste, con su tapa dura tipo lienzo natural. Es para boceto con acuarela suave, no admite mucha agua, pero sí técnica mixta, es decir, que puedes utilizar rotuladores acuarelables, crayons, tinta china o acuarela, pero siempre con poca agua. Para trabajos más elaborados, es necesario más gramaje. Os dejo el enlace a Amazon por si interesa: Bloc encuadernado con gusanillo - Papel cartridge - 170 gsm -  Artway Enviro - 35 hojas - Apaisado

Y ahora, a pintar, lo primero que hice después de terminar el dibujo, muy esquemático, fue dar una base de azul ultramar aguado a toda la zona de sombra. Poco pigmento y poca agua. Esta suave aguada es una forma de cohesionar todos los elementos que están en nuestra composición. Hay algo que riega o que unifica todas esas cosas y que al final, cuando hayamos acabado, dará como resultado eso que llamamos ambiente, la atmósfera. En este caso concreto, ese ambiente lo da el azul ultramar de base. Muchas veces nos detenemos en el detalle y al final tenemos composiciones frías, en donde todos los elementos aparecen cada uno en su espacio y universo. Esta reflexión es importante. La vaca no es únicamente la vaca, en realidad es una tonalidad, una mancha inserta en otras manchas, otros dibujos. Todos los elementos de un cuadro están insertos en una atmósfera. Eso es algo que unifica. Para no atascarnos con detalles y al mismo tiempo perder el miedo al papel blanco, hagamos la mancha. Azul.

Cierra un poco los ojos y observa la foto, de ese modo aislarás perfectamente las sombras de las luces. Plasma con una mancha azul lo que tú creas que está en sombra, o lo que quieras que quede en sombra. Puedes pensar que no es una vaca blanca y negra, sino más bien sin manchas, pero que lo que no es de ninguna manera es una vaca azul.

<alt="Pintar Vacas Paso 1"/>
Cómo pintar una vaca paso 1
www.macuarela.com


No te preocupes. PINTA AZULDa el salto. Te sorprenderás de llegar a la vaca, y, sobre todo, a ese ambiente de primavera. Observa la mancha. Y olvida todos los miedos. 

El azul utilizado y recomendado, como se puede observar en el enlace anterior, es el Azul Ultramar de Winsor y Newton. Un tubo de 14 ml. de acuarela profesional. Cuando se está empezando, no todos los colores de nuestro material tienen que ser de clase A, pero en el caso del Ultramar, yo siempre recomiendo una buena marca y en su vertiente profesional. Es un tubo que dura bastante y que tiene gran permanencia.  El azul es la base de la atmósfera y de todos los matices agrisados de nuestra paleta. Es el aire, es el mar, y mezclado es la tierra. Podemos invertir un poco más en él. 

Paso 2 Pintar una vaca

Voy a ir entonando los verdes. A la izquierda de la composición tengo azules, si ahora meto amarillos,  ya tengo verdes. Observa. El mismo amarillo de la franja superior es el de la franja inferior de vegetación. En este paso vuelvo a la fotografía. Entorno los ojos hasta tenerlos casi cerrados y compruebo que el punto de máxima oscuridad es el tronco y la parte inferior izquierda. Hay otros oscuros, pero poco a poco. De momento doy otra capa de azul ultramar a ese tronco que define el primer plano. Y con un poco de Gris Payne, doy otra capa en el tramo de montaña que hay sobre la vaca y en el extremo inferior izquierdo. Oscurezco desde este paso las orejas de la vaca. Pongo el papel vertical. Me interesan esas gotas de azul de las patas de la vaca.

<alt="Pintar Vacas Paso 2"/>
Cómo pintar una vaca paso 2
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Paso 3 Pintar una vaca

Me doy cuenta de que, para conseguir ese ambiente de sombra en primavera, bastante cálido, tengo que ir consiguiendo que la vaca deje de ser una entidad azul para empezar a ser una vaca. Para ello utilizo el siena tostada. Al mezclar con los azules, consigo grises terrosos. Así voy acercando planos y dando volumen al cuerpo de la vaca. Oscurezco la cara. Con ese Siena Tostada mezclado con Verde Hooker pinto algunas zonas de vegetación a la derecha, en la base de la montaña. También entono el suelo con una base muy suave de Ocre Amarillo y Verde. Doy una pincelada al ojo izquierdo y nuevos oscurecimientos a orejas, morro y pezuñas.

<alt="Pintar Vacas Paso 3"/>
Cómo pintar una vaca paso 3
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Paso 4 Pintar una vaca

Sigo metiendo oscuros. Es la hora de ponerle cuernos a la vaca. Con sienas. Con ese mismo Siena Tostada y Gris Payne hago un oscuro. Necesito algunas pequeñas manchas que den contraste y dibujen. Con un poco de arte, describo alguna línea en la pata izquierda, debajo de la panza de la vaca. También mancho el ojo derecho. Sin pasarme de oscuridad o sólo habrá ojos en esta acuarela. Observo al alejar mi papel que la parte izquierda de la cara de la vaca se pierde. Hago un verde muy oscuro y pinto esa especie de vericueto calado, que hace que la cara resalte, aunque todo está dentro de la sombra. Debajo está el detalle de este paso.

Además, voy añadiendo pinceladas de color Siena Tostada al tronco del árbol. Dejo que el agua caiga. Pongo el papel vertical para ello. Me gusta el efecto de la gotas de pintura que caen y se secan lentamente. En ellas está la máxima acumulación de pigmento. Y siempre aportan algo de sorpresa cuando se evapora el agua.

<alt="Pintar Vacas Paso 4"/>
Cómo pintar una vaca paso 4
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Cómo pintar una vaca paso 4 -  DETALLE
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Paso 5 Pintar una vaca

Este paso es muy importante. Hasta que la vaca no proyecte su sombra, no habrá luz en mi acuarela. Esa sombra la defino con una mancha de Siena Tostada que, en realidad, como se puede observar, es una continuación de la mancha de las patas.

 

Cómo pintar una vaca paso 5
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<alt="Pintar Vacas Paso 5"/>
Cómo pintar una vaca paso 5 - DETALLE sombras
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Resultado

Y aquí está la vaca, muy atenta. Es mi traducción de la realidad. Si observáis el fondo superior, hay más vegetación y menos montañas. En tu caso debes pintar y seleccionar lo que quieras, y traducir con tu estilo. Yo he querido que se vea la atmósfera que une todos los elementos, que esa atmósfera sea azul, que la sombra cálida la llenen amarillos y sienas. Creo que mi vaca es más guapa que la real y que sus ojos son más grandes. Pero su mirada sigue siendo tranquila y atenta. Quizá eso es lo que hoy nos falte.

En cuanto a la primavera, llega todos los años.

Cómo pintar una vaca. Resultado proceso paso a paso
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Macarena Márquez Jurado

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Num.1.-Cómo oscurecer colores con Acuarela. Con ejemplos.

 Oscurecer colores con Acuarela no es tarea fácil. No es lo mismo oscurecer cuando trabajamos con óleo, acrílicos o pinturas opacas, que hacerlo con acuarela o tinta china, cuyos valores son transparentes.  Sobre esto se ha hablado mucho. Por tanto, voy a intentar explicar cómo oscurecer con ejemplos.


Dedicado a mi química preferida, Sofía, y su personal forma de entender el color a la hora de decorar, de vestir, de vivir.


Lo primero para comprender cualquier paso que demos es definir, intentar acercarnos a lo que significa la palabra oscurecer. La Real Academia Española define oscurecer en primer término como el acto de: Privar de luz y claridad. En lo que a pintura se refiere su definición es la siguiente: Dar mucha sombra a una parte de la composición para que otras resalten. Es decir, que no se trata de hacer opaco un color, o de desvirtuarlo, sino de restarle claridad o luz.


<alt="Cómo oscurecer rojos"/>
Figura 1. Oscurecer colores. Rojos.
Acuarela sobre papel Sennelier.
Macarena Márquez Jurado


Como se puede observar en la Figura 1, el rojo oscurecido con carmín (1) llega a ser poderoso, es un color intenso, que no deja de ser alegre y expresivo a pesar de oscurecer al Bermellón, incluso lo intensifica y le aporta belleza. En cuanto a este mismo color mezclado con Azul Ultramar (2), es otra forma de oscurecimiento del rojo, menos brillante. Lo hace virar hacia tonos caldero que a veces desearemos obtener, y no por ello deja de ser rojo. Imaginemos un marinero veneciano. Tiene su camiseta de rayas. En la zona de luz esa raya será roja, y en la zona de sombra, esa misma raya será caldero. Es solo un ejemplo. Muy simplificado, claro. Para una mejor comprensión de lo que es oscurecer.

Me encantaría decir que esto es una tarea muy fácil, oscurecer, pero no es así. Es más, me parece uno de los secretos de la pintura de todos los tiempos. Sólo los genios de la pintura lo hacen y han hecho bien.

Porque no se trata de añadir negro, aunque puede ser y lo voy a explicar a continuación, sino de elegir el negro u otros colores. Y también se trata de elegir bien lo que pintamos al lado, ya que un color no se manifiesta en su totalidad sin su compañero en el papel. Los colores que rodean a un color concreto alteran dicho color, le dan luz o se la quitan. Y también modifican nuestra percepción de este. Los colores, dependiendo de los añadidos que hagamos a nuestra composición conforme avanza, resultan inestables, y, sobre todo, son dependientes entre sí. Por tanto, no podemos hablar de un color concreto cuando vemos una obra, ya sea acuarela, óleo, acrílico o el medio que sea, sino que ese color dependerá de lo que haya a su alrededor.

Por esta inestabilidad y dependencia, por la inconcreción que está en el corazón de los colores, la tarea de oscurecerlos se torna no ya en algo muy difícil, sino mucho más inestable, dependiente e inconcreto que el color en sí. Esto es algo que cualquier profano en la materia puede percibir, y que han estudiado teóricos del color y de la percepción como John Ruskin, Johannes von Allesch, Kandinsky o Rudolf Arnheim.

Por ello, para no perdernos en disertaciones, comienzo ya a mostrar algunas pruebas de oscurecimiento de los colores al margen de lo explicado en la figura 1.

En primer lugar, presento la forma básica de oscurecimiento de colores. Para ello he mezclado los colores primarios: Rojo, Azul y Amarillo con Negro. Y, en segundo lugar, he mezclado dichos primarios con Gris Payne. Se pueden hacer otras combinatorias, pero hay que empezar por algo. Desde vuestros comentarios me pedís siempre que comience con lo más simple, y así hago.

<alt="Oscurecer el rojo"/>
Figura 2. Oscurecer colores. Rojo con Negro o Gris Payne.
Acuarela. Macarena Márquez Jurado


En la figura 2 se puede observar, en la parte de arriba el oscurecimiento del Rojo Bermellón con Negro, y en la parte inferior, el mismo rojo oscurecido con Gris de Payne. Sobran las palabras para mostrarlo. Lo mejor es ver, observar lo que sucede. Es un oscurecimiento, pero el resultado no es el mismo.

A menudo, sobre todo cuando se está empezando, se oscurece todo con negro, o con gris, y esa es una forma reduccionista de comprender la ausencia de luz o una merma del brillo. Tampoco con ello quiero decir que no haya que hacerlo. Todo dependerá de la latitud, la temperatura del aire, la estación o lugar geográfico concreto que queramos expresar. Sin olvidar que la vegetación también altera la luz, la calidad de la tierra que pisamos, y nuestro propio estado, que se proyectará en todo lo que pintemos.

<alt="Como oscurecer azules"/>
Figura 3. Oscurecer colores. Azul con Negro o Gris.
Acuarela. Macarena Márquez Jurado

En la figura 3 muestro la misma combinatoria. En la parte superior he mezclado Azul con Negro y en la inferior, el mismo color con Gris de Payne. A mí me encanta el Ultramar con Negro. El resultado es muy potente, expresivo para mostrar ciertas profundidades del agua, la noche, sombras muy oscuras, tejidos negros que muchas veces dan un resultado más artístico oscureciendo azules. En cuanto al Azul oscurecido con Gris Payne, arroja un resultado más verdoso, menos profundo, y muy útil dependiendo de lo que estemos pintando.

En este sentido, quiero apuntar que oscurecer no es una regla matemática. Pintar no es matemática, no es química mezclada en probeta, aunque también lo sea. Hay una belleza inmensa en la matemática, no digamos en esas probetas de laboratorio llenas de líquidos preciosos que no existen ni en la Naturaleza. Pero no sería exacto, ni artístico, si cada vez que pintamos con acuarela y quisiéramos oscurecer dijéramos, introduce en el mortero: 10 ml de Agua destilada, 5 mg de Azul y 0.3 de Negro. Eso es lo que muchos de vosotros que estáis empezando quisierais y pedís en el momento en que acudís a clases. Cuando uno aun no es diestro en una materia necesite anclajes, picaportes, pasamanos, cuerdas, puertos, mucho orden para no perderse. Todo es poco. El agua es libre y se mueve libre por nuestro papel cargada de colores que reaccionan como quieren en los distintos papeles que utilicemos.  Por eso, esto que os muestro solo es una forma de empezar a hacer pruebas. Con un orden, pero ensayos que a cada uno resultará de un modo dependiendo de múltiples factores.

<alt="Cómo oscurecer amarillos"/>
Figura 4. Oscurecer colores. Amarillo Con Negro y con Gris Payne.
Acuarela. Macarena Márquez Jurado

Y he dejado para el final el color más difícil, según mi humilde experiencia. Necesario, frágil y potente a la vez, alegre, luz en sí misma. Quizá por eso mismo, el amarillo es un color tan dificultoso de utilizar, con complejidades que no tienen otros colores básicos. Al pintar con él podemos hundirnos en un alarde artificioso, o ensuciarlo hasta hacer que nuestra composición pierda su limpieza. Oscurecerlo es casi un imposible.

Aquí os dejo la misma secuencia que he utilizado con los otros dos primarios (Figura 4). En el primer caso, he mezclado con negro. He añadido poco pigmento para que el amarillo no desaparezca, aunque también quiero reseñar que no es un color tan débil como para fulminarlo con otro. El amarillo modifica intrínsecamente los otros colores. Parece que desaparece, pero no lo hace. Es como borrar el sol. De noche no lo vemos, pero ahí está. Pensemos en un crepúsculo de verano, de esos lentísimos de julio o de agosto. Una vez que el sol se ha puesto y no lo vemos, sigue incidiendo, no desaparece.  Continúa alterando esos cielos y horizontes que nos parecen imposibles de abordar sin caer en el emborronamiento o la cursilería. Y de igual forma sucede con el amarillo, que creemos taparlo, pero no podemos. Se queda y modifica nuestras noches, nuestros mares sin luna, o los tejidos pintados con acuarela.  En la parte superior de la figura podemos ver lo que sucede al mezclar amarillo con negro. En cuanto a la parte inferior, lo he mezclado con Gris Payne. Esquemáticamente, si pintamos un bronce al que le da una luz fuerte de mediodía, el lado iluminado apuntaría al amarillo y el lado oscuro viraría hacia el color verdoso. No sería un negro por poca luz que reciba.  

En próximos artículos, parte II,  seguiremos profundizando en la luz y en la oscuridad y su plasmación en nuestras acuarelas con otros colores, los complementarios.

Espero que, al menos, este artículo haya inducido a la reflexión sobre los valores de la luz y su ausencia. Después de ello, todo es experimento.

Y ahora dime: ¿De verdad que vas a pintar sólo con negro la pantalla de tu ordenador? Es probable que quieras hacerlo. Pero, si lo haces, que sea porque quieres, no porque no veas otros tonos.

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Macarena Márquez Jurado

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EL NARANJA DE CADMIO

NARANJA DE CADMIO

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com

Índice Internacional de los Colores.

Nombre y número IC:  PO20

Descripción Química: Selenosulfuro de Cadmio


En este artículo se explica todo sobre el color Naranja de Cadmio: Su evolución a lo largo de la Historia del Arte. Su uso en Acuarela con ejemplos prácticos. 


A soles naranjas, cielos azules. Y si no, que se lo digan a Monet. Macarena Márquez.

Según la Real Academia de la Lengua, el adjetivo naranja se dice de un color semejante al de la naranja madura, y que ocupa el segundo lugar en el espectro luminoso. Según la longitud de onda, ese segundo lugar va después del rojo y antes del amarillo. Fue Sir Isaac Newton en su tratado: Óptica o tratado de las reflexiones, refracciones, inflexiones y colores de la luz, quien dividió el espectro en colores, siete exactamente. Pero hablemos de su historia. 

 

<alt="Color Naranja"/>


    Naranja de Cadmio. Macarena Márquez Jurado. La línea 1, 2 y 3 son acuarelas de tubo y pastilla. Las líneas 4 y 5 son naranjas de acuarela líquida. 

En los orígenes había un mineral que se llamaba rejalgar. Se trataba de un sulfuro de arsénico de color anaranjado, un mineral tóxico hasta el punto de que hoy en día se utiliza para pesticidas. Históricamente es el que utilizaban los egipcios para el arte funerario. Con él decoraban tumbas y sarcófagos. También lo utilizaban para pintar palacios, casas y parte de la estatuaría. Además, este mineral está en el origen de pigmentación de determinados cosméticos como el colorete egipcio. También en el maquillaje, que era usado tanto por mujeres como por hombres. Los hombres se acicalaban con tonos más rojizos, y las mujeres con otros tonos que tendían más al ocre. El polvo de rejalgar es amarillo anaranjado y mezclado con grasas era utilizado como afeite. No sólo como colorete, también como maquillaje. Con él cubrían imperfecciones dando tono a la piel. 

El rejalgar fue utilizado junto a otro mineral del que ya hablamos en el artículo dedicado al amarillo de cadmio: el oropimente. También es un amarillo anaranjado, o más bien dorado. De él nos habla en el siglo XV Cennino Cennini en su Libro del Arte: Y por su color es el más lindo amarillo parecido al oro que cualquier oro. Y añade sobre su toxicidad: Guárdate de ensuciarte con él la boca, así no recibirá daño tu persona. 

El oropimente, al ser expuesto al fuego, alcanzaba cotas de naranja muy vivo. Fue mineral muy cotizado durante el Imperio Romano. En la Edad Media se utilizó para los códices miniados, que eran manuscritos ilustrados elaborados por monjes virtuosos de la técnica, muy versados artísticamente. Los copistas se encargaban del texto, y los ilustradores de las letras capitales e ilustraciones. Son famosos los del conocido Beato de El Monasterio de Santo Toribio de Liébana (Cantabria, España). El Beato hizo el Comentario al Apocalipsis de San Juan, iluminando con ilustraciones imaginarias y fantásticas el llamado ciclo de Beatos, obra cumbre de la iconografía de la Edad Media que tuvo un éxito sin precedentes en los siglos posteriores y del que no se conserva el original, pero sí múltiples copias de las que han sobrevivido treinta y cinco, realizadas entre los siglos IX al XIII. La presente ilustración pertenece al Códice Vitr/14/2 perteneciente al rey Fernando I y doña Sancha. Los colores son cálidos, y predomina el naranja y tonos rojizos, siguiendo los consejos de San Isidoro de Sevilla.


 



Beato de Liébana. Códice de Fernando I y Dña. Sancha. Biblioteca Digital Mundial.


Estos tonos de los que voy hablando a lo largo del artículo, desde Egipto hasta la Edad Media, se llamaban amarillos ocre, o amarillos rojizos, pero no naranja. Como mucho se hablaba, citando nueva y literalmente a Cennini en el siglo XV, de “cierto amarillo que se llama azafrán”. Sobre él dice: “Es amarillo cierto color que se obtiene de una especia que se llama azafrán. Conviene que lo pongas en un trozo de tela, sobre una piedra o ladrillo caliente. Luego toma media copa, o vaso, de lejía bien fuerte. Métele dicho azafrán y muélelo sobre la piedra” Este color es un amarillo anaranjado, que podemos ver actualmente. Se sigue utilizando como especia para múltiples platos. Fue en el siglo posterior cuando al color se le puso el nombre de la fruta del naranjo. No antes.

 

En 1809, por primera vez se fabricó el primer naranja sintético: el cromo anaranjado. El químico francés Vauguelin lo produjo a partir de unas muestras del mineral llamado crocoíta, de color naranja rojizo. Este amarillo de cromo es menos anaranjado que el naranja actual. Lo podemos ver en la famosa obra Los Girasoles de Van Gogh.


<alt="Color Naranja en Van Gogh"/>


Jarrón con catorce girasoles. Vincent Van Gogh. Oleo sobre lienzo. 1889. Museo de Arte Sompo. Japan. Tokio. Vincent Van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Van Gogh utilizaba este amarillo anaranjado porque era más económico que el de cadmio. Todos conocemos, por la correspondencia que mantuvo con su querido hermano: Cartas a Theo, Vicent Van Gogh, que era capaz de cambiar colores con tal de continuar con la fiebre pictórica y su arte. En algunas cartas hace pedidos a Theo que incluyen hasta tres tipos de cromo: amarillo, anaranjado y limón.  Con el inconveniente de que este tipo de amarillo no poseía gran resistencia a la exposición a la luz. Por eso, cada vez más, en las salas en donde se encuentra la obra de Van Gogh, la iluminación es leve. No era sólo su problema. La fabricación de colores en tubos estaba en sus comienzos, era algo casi artesanal. La estabilidad y permanencia de los colores se encontraba en sus orígenes. A eso se unía que, en el caso de Van Gogh, utilizaba los anaranjados de cromo de forma exhaustiva. En cualquier caso, el color original de Los Girasoles no es tan naranja como hoy parece. Los rayos ultravioletas han hecho estragos. Y, aunque sus pinturas siguen estando repletas de belleza, no todos los colores que hoy vemos son exactamente los que él plasmó.

 

Vincent fue un virtuoso del color naranja. Supo utilizarlo en sí mismo y también yuxtaponiéndolo a su color complementario: el azul. La complementariedad de los colores es algo que podemos estudiar y aprender en múltiples libros, también abundan excelentes artículos en la red global, por lo que no me alargaré. Tan sólo me gustaría incidir en algún punto sobre ello, que espero que sirva para una mejor comprensión de lo que significa en la práctica.

 

Los tres colores primarios son: Azul, Rojo y Amarillo.

 

Los tres complementarios de estos colores son: Naranja, Verde y Violeta

 

¿Por qué?

 

Pongo como ejemplo el color Naranja, que es el color de referencia de este artículo. El color Naranja es un color secundario que está formado por Rojo y Amarillo. Para no aprender las cosas de memoria, siempre tendremos que preguntarnos lo siguiente: ¿Cuál de los tres colores primarios falta en su composición?

 

En este caso la respuesta es el azul.

 

Por eso el naranja siempre busca al azul, y el azul al naranja.





<alt="Complementario del Naranja"/>


El Naranja es complementario del Azul. 

Esto lo sabía muy bien Van Gogh, que pinta objetos, paisajes, flores, figuras y frutas anaranjadas, yuxtaponiendo azules. De ese modo a nosotros, espectadores, un cuadro de colores azules y naranjas, aparentemente sin ninguna intención más que la artística por parte del gran genio de la Historia del Arte, lo percibiremos como un todo perfecto y global. Azules complementan al naranja, porque le faltan en su composición. Y por eso el naranja busca al azul y es su complementario.

 

Pero no sólo lo sabían los pintores impresionistas y postimpresionistas. También es un recurso muy utilizado en publicidad, para atraer al ojo. Buen ejemplo de utilizar este binomio de colores complementarios: Naranja-Azul, es el maravilloso anuncio del perfume: Terre de Hermes. También lo utiliza Alain Afflelou en su campaña veraniega de gafas Tchin Tchin. La lista es larga, por lo que os sugiero observar las campañas de publicidad desde la perspectiva de los colores. Algunos anuncios son verdaderas obras de arte. En el caso de la campaña de Afflelou, se han complementado los naranjas con azules cerúleos. Quizá por eso del verano. El naranja es la vitalidad, el calor, es la suma del color del fuego y del sol. En cuanto al azul representa la serenidad, la templanza, un refrigerio. También por eso son colores que se buscan y se quieren. 

Volviendo a la perspectiva del color en sí, sin su complementario, Kandinsky dirá del naranja en su libro: De lo espiritual en el Arte, aparecido en 1911 y que es referencia para todos los estudiosos del mundo del color:  El naranja tiene una sensación grave, radiante, que emite salud y vida. Su sonido es similar al de una campana llamando al Ángelus, un barítono o una viola.

 

En cuanto al uso del naranja en acuarela, diré varias cosas.

 

Para oscurecerlo, utilizaremos su complementario. En este caso, no es como el amarillo, tan difícil de oscurecer sin estropearlo. Para apagar el naranja utilizaremos azul y seguirá siendo un color limpio. No dejará de ser naranja. También se puede utilizar el Siena Tostada. En este caso oscureceremos dando viveza.

<alt="oscurecer el Color Naranja"/>


Oscurecimiento del Naranja con Azul o Siena Tostada


Si queremos un color urbano para edificios, calles, muros, tapias y cielos muy personales, utilizaremos naranja transparente y lavanda. Es un gris muy especial, cálido, y uno más entre los grises. A la mezcla podemos añadir un poco de blanco. El tono grisáceo es parecido a esos previos a las luces de tormenta cuando se está haciendo de noche, dependiendo -claro-, de la transparencia que queramos darle, mayor o menor.



<alt="Lavanda"/>


Formación de Grises: Naranja y Lavanda 1

 

<alt="Color Naranja y Lavanda"/>


Formación de grises: Naranja y Lavanda 2


Si lo que queremos son verdes especiales, os dejo una muestra de verde a partir de mezclar naranja con verde esmeralda.


<alt="Verde y Naranja"/>


Formación de verdes: Naranja y Verde Esmeralda

Si pintamos naranjas, las frutas, os recomiendo hacer como hacían los impresionistas, pintar las sombras proyectadas en azul, que es su complementario. No fallaréis.

 

En cuanto a soles naranjas, cielos azules. Y si no, que se lo digan a Monet.

<alt="Color Naranja en Monet"/>


Impresión, Sol Naciente. Jean Claude Monet. 1872. Musée Marmottan, París. 
Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons



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