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Boceto de viaje - Dublín

BOCETO DE VIAJE

Cuando voy de viaje, me ocurre a menudo que me fijo más en lo que hay alrededor de los monumentos que en el monumento en sí. Soy apasionada estudiosa de la Historia del Arte, y profundizo en lo que voy a conocer antes de conocerlo, sobre la mesa.





Material empleado:

Papel Acuarela. 14,8x21 cm. Gramaje: 160 gr/m2

Pastillas de Acuarela

Amarillo de Cadmio – Cadmium Yellow pale

Rojo de Cadmio - Cadmium Red

Rojo Coral – Coral Red

Ultramar Francés - French Ultramarine

Azul Ultramar – Ultramarine Blue

Pinceles:

Redondos del 12, 4, 2, 1

Bolígrafos de tinta líquida para Diseño Gráfico – 0.2 y 0.7 – Roller Pen

Para un artista, el hecho de viajar a menudo es descubrir paisajes, monumentos en sus lugares, atmósferas desconocidas, personas que miran, que comen, que hablan o escuchan. La mayoría de las veces escucho, pero el monumento en sí es algo que me sé de memoria. Las obras de arte están en las dendritas más profundas y alegres de mi cerebro. Entonces observo. A quienes escuchan, a quienes miran como yo. Y a la vez retengo cosas, o fotografío y después recreo, como hacen los escritores, los pintores y escultores, arquitectos e ilustradores, todos aquellos que nos dedicamos y amamos el mundo del Arte.

En este boceto todos miran, pero hay una mujer que se ha despistado y que se encuentra con quien hace la foto. El boceto es actual y muy simple. Se trata de recoger una instantánea, que, en vez de haberse hecho con una foto, se ha realizado con acuarela. Lo hice sentada tranquilamente en un banco, en verano del Norte de Europa.

El boceto es simple, pero el recurso pictórico no. Esto es lo que me gusta enseñar a ver. El que todos miren hacia un lado, y un personaje mire al espectador es algo que ya hizo Velázquez en Las Lanzas, y Goya en San Bernardino de Siena predicando ante Alfonso V de Aragón, lienzo que se conserva en la Basílica de San Francisco el Grande de Madrid. En Arte, es muy difícil innovar, aunque esto es algo que no todos aprecian. Pensamos que somos originales, y lo somos, pero el acerbo cultural, el armario de un artista, si no es profundo, revuelto y múltiple, a veces puede contribuir a que se desvanezcan registros. Esos registros son importantes a la hora de expresar cosas, de recrearlas.

Aquí no he sido original ni contemporánea, aunque el boceto es de estilo contemporáneo. Es decir, la forma, el estilo es contemporáneo, pero no los recursos. Esos recursos los he extraído del armario de lo que conozco, del Arte y sus maestros mientras todos miran a algún lugar, en este caso era Dublín, el exterior de la universidad más antigua de Irlanda, El Trinity College.

El Trinity College de Dublín fue y será motivo de otros bocetos. Es un lugar telúrico que atrapa. Aquí de lo que he tratado es de reflejar un momento más que un monumento. Me encanta pintar personas. No me interesa tanto conocerlas como pintarlas. Aunque pintar, como escribir, es una forma de conocimiento. Gracias a que los he pintado, este momento y todos ellos están en la parte feliz de mi memoria.

 Proceso - Fotos del proceso paso a paso a continuación

  1. Hacer un dibujo muy elemental. Pongo todas las fotos a continuación del proceso.
  2. Dar una aguada azul con un pincel del número 12 a toda la masa de gente. Es la forma de no distraerse aun con detalles. Además, para las personas que se están iniciando, o que no dibujan muy bien, es la forma de no tener miedo a estropear nada. Empezar con un borrón de grupo. Lo que importa de momento es el grupo. Dejar secar.
  3. Pintar con colores más fuertes la figura que mira de frente. Apuntar algunas señas de identidad. Por simples que sean los bocetos, siempre hay algún detalle que identifica a las personas. En este caso es el corte de pelo tipo bloc, y las gafas de colores. Lleva dos. Eso es lo que he resaltado en este caso, pero puede ser una mochila, un sombrero, unos zapatos, una expresión distinta, una postura.
  4. Con tonos muy reducidos, apenas más azul ultramar, un poco de carmín y rojo de cadmio, ir plasmando las masas de matices del resto del grupo. Es importante utilizar tonos muy tenues, que nada sobresalga a excepción de lo que nosotros queremos que sobresalga. En este caso la mujer de las gafas rojas.
  5. Observad las fotografías, el proceso.
  6. Cuando seque, con un roller pen, siluetear contornos y firmar. Es interesante que esos contornos sean transgresores, que se salgan de las masas de color y sus formas definidas.







 

¿A que lo puedes hacer?

  

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Macarena Márquez Jurado

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Justin Townes Earle

Noticias en Acuarela: 24 de Agosto de 2020

Looking for a Place to Land. Justin Townes Earle.

Hay veces en que no se programa el post de acuarela. Salta una noticia, y sencillamente pintas. Esa forma de pintar es vertiginosa, atemporal, llega a suspenderte como si no hubiera más mundo que el del pincel que te lleva. Porque no llevas tú al pincel. Es el pincel el que te arrastra cargado de acuarela líquida. Imposible en este caso pintar con pastillas, con tubos, ni con lápices acuarelables. La pasión es líquida. Y rápida.


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Justin Townes Earle


Por eso, escuchando la música de Justin Townes Earle, Nashville (EE. UU.) que, desde hoy es leyenda, he cambiado el orden de los factores, esa propiedad conmutativa que en arte no existe. Y menos en acuarela, en la que el orden de los factores altera sustancialmente el producto.

Queda una voz, atmósferas azules con terciopelos carmesí, maderas anaranjadas de guitarra, pajaritas y sensibilidad musical. Música grande. Música.

Me encantaría explicar el proceso de esta acuarela paso a paso, pero es uno de los casos en que no hay paso a paso, sino un paso rápido e intenso cargado de escarlata y cerúleos. Es una forma de pintar algo irracional, en la que el único barco y remos que te agarran al mundo son el papel y los pinceles, algo rápido e intenso que te deja después sin fuerzas durante un rato bueno inexplicable. Le sucede a la mayoría de pintores algunas afortunadas veces. No sé si el hecho de pintar se puede pintar, si eso es factible calcaréis esta acuarela sin problema alguno. Ni yo misma comprendo lo vertiginoso del proceso y el por qué de los colores de la piel, por ejemplo, esos cerúleos con ultramar. 

Material empleado:

Papel Guarro de poco gramaje de modo que la acuarela fluya

Acuarela líquida

Pinceles: Redondos del 12, 8 y 6

Justin Townes Earle, a pesar de su juventud, 38 años el día de su fallecimiento, es un músico que retrotrae a otros tiempos. Quizá por ser hijo de su padre, el cantante de country y de rock: Steve Earle. Es decir, que la leyenda es hija de la leyenda. Steve, el padre, obtuvo el premio Grammy al Mejor Album de Folk Contemporáneo por The Revolution Starts Now. Fue en 2005. Al margen de su inigualable carrera como músico, también dará vida a Walon en la serie de HBO: The Wire. Es el cantante que interpreta el tema: Way down in the hole, de Tom Waits. Dicho tema ilustra musicalmente los títulos de crédito de su última temporada.

Pero eso era el padre. Al margen de ser hijo de quien era, Justin consiguió trascender la filiación, y, a pesar de nadar en la tradición más clásica de country, rock o blues, el cantante nacido en Nasville, como tal, ha obtenido su lugar concreto. Su música está cargada de lirismo. Trasciende lo tecnológico, es muy auténtica, sale de una verdad sin aderezos. Con sus esquirlas de ejecución. Como bien expresó Michelangelo Buonarroti, hay que quitar a la piedra lo que le sobra para que emerja la obra de arte. La belleza está ahí, dentro de la piedra. Eso es algo que le sucede a la voz y a la forma de interpretar de este cantante, repleta de belleza, a la que no ha dado tiempo, al menos de una forma acabada, de emerger, pero que está ahí, dentro, que se puede percibir al escucharlo. Que queda y permanece porque es anterior al producto.

No hay más que escuchar sus temas: Looking for a Place to Land, o Midnight at the movies (2009). En el caso de Justin, no se acierta a saber quién importa más, si el cantante, el tema o su guitarra acústica. Porque la guitarra acústica es él mismo, sus canales de expresión junto con su voz dulce. Me remito al tema: Turn Out My Lights, en el que, a dicha voz y a su guitarra, se une en perfecta sintonía la armónica.

Pintar la música, a los músicos y sus sintonías, es algo que siempre ha sucedido. Y es que el oído y la vista son sentidos estrechamente vinculados. La acuarela rápida de Justin, en la transparencia de su rostro -tranquilo-, en los tonos azulados de sus manos, del micrófono que lleva sus notas, o de su pajarita, en todo ello nos está hablando de su permanencia, de su inmortalidad. El arte, cuando lo es, trasciende.

Justin era un cantante folk, country. Perfecto en su imperfección. Como dijo Frances Bacon: No hay belleza sin algo extraño en sus proporciones.


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Cómo pintar un dibujo de Goya con Acuarela - Album Sanlucar B de Madrid. Num. 26.

Haciendo una breve historia de este dibujo, hay que decir varias cosas. La primera, que son cuadernos de artista de tipo privado. En ellos, expresa visualmente su universo íntimo. El pintor fue por primera vez a Cádiz en 1792, tras sentirse repentinamente enfermo estando en Sevilla. Esta enfermedad, unida a su sordera, hizo que pasara la convalecencia en Cádiz, en casa de Sebastián Martínez. La enfermedad de Goya ha sido tratada por varios estudiosos. Al parecer, aunque hay muchas teorías, el plomo al que se han expuesto la mayoría de los pintores hasta llegar a fines del siglo XX, que estaba contenido en el color blanco, podía causar males digestivos, entre ellos cólicos. Con todo, Goya se recuperó y regresó a Madrid.

Había empezado a trabajar para los duques de Alba en 1794. Fueron años en que vivían en el Palacio de Buenavista, en la Plaza de Cibeles de Madrid, en lo que hoy es el Cuartel General del Ejercito. Allí, el pintor tenía habilitados aposentos para su estudio de pintura.

 

En junio de 1796, muere el duque de Alba de viruelas en Sevilla, y Cayetana, su viuda, se retiró al Palacio de Sanlúcar de Barrameda a pasar dos años de luto. En su finca reuniría una corte de invitados, sirvientes y allegados, entre los que se encontraba Francisco de Goya, aunque no está documentado que el pintor se alojase en el mismo palacio, sino en Sanlúcar.

Por los alrededores de palacio, Goya paseaba y pintaba escenas cotidianas de la Corte de Alba, de la duquesa y de sus damas, peinándose, bañándose o simplemente descansando. Con ello se libera de todo academicismo y estrechura. La duquesa tenía 34 años. Goya contaba 50 y estaba sordo. Observador y dibujante nato, había adquirido dos cuadernos, uno de 17 por 10 cms, y otro de 24 por 15, que serían lo que posteriormente conocemos como Cuadernos de Sanlúcar o Albumes Sanlúcar, realizados con lápices litográficos y tintas.

 

Animo a todos aquellos que así lo deseen, a dibujar y a pintar aguadas en estas medidas, como Goya en sus Albumes.

Recomiendo pintar en escala de grises, emulando a Goya.


Álbum Sanlúcar B de Madrid. Num. 26. Versión Macarena Márquez a partir del original de Francisco de Goya

Material:

Papel Fabriano: 14,8 x 21 cms. de gramaje 160 g/m2

Pinceles: Redondos del 10, 6 y 4 y un Rigger para delinear.

Lápiz: Hb

Pastillas de Acuarela:

  •          Gris Payne - Payne’s Grey
  •          Siena Tostada - Burnt Sienna
  •          Azul Ultramar – Ultramarine Blue



Álbum Sanlúcar B de Madrid. Doncella mirándose al espejo. Francisco de Goya 1796

Para realizar este dibujo Núm. 26 de Goya que aparece en la parte superior: Doncella mirando al Espejo, lo primero sería realizar un boceto a lápiz, no con mucho detalle, pero sí bien equilibrado. Aunque no parece de gran dificultad, es muy fácil sobrecargar el lado derecho de la composición. Para que no suceda, os recomiendo trazar el eje de simetría, que pasaría -aproximadamente- por la esquina superior del espejo en que la doncella se mira y por la axila. De esa forma el resultado tendrá el equilibrio con que Goya compuso, dando a los dos lados casi el mismo peso por el contraposto del cuerpo de la mujer.

 

Antes de empezar a pintar, observa bien la aguada de Goya. Lo primero es detectar en dónde se encuentra el punto de más oscuridad y el de una mayor incidencia lumínica. Y así toda la gradación tonal. Si no hacemos esto, acabaremos pintando todo plano.

 

En este caso concreto, la mayor oscuridad está en la cabellera de la dama, que será la que tenga más capas de acuarela. El segundo nivel de oscuridad se encuentra en la figura que aparece detrás. En cuanto a la mayor claridad, que sería el tono del papel, en la parte superior del muslo y el suelo de la composición.

 

Para poder discriminar las luces con una mayor precisión, entorna la vista. La gradación, de más a menos oscuro, aparecerá al instante.

 

Una vez situado todo a nivel de composición, dibujo, y de discriminación de luces y sombras, habría que empezar a manchar con Gris Payne muy rebajado con agua una primera capa de aguada. En la misma paleta puedes añadir una punta de siena tostada, para darle cierta calidez al Gris y que vire un poco hacia el tono sepia original de la época. Esta primera capa de aguada incluiría el triángulo central, espalda y pelo de la doncella, a excepción siempre de los blancos. Ahí no entraremos ni siquiera con esta primera aguada, pues el blanco del papel es la luz.

 

Una vez seca esta primera capa, iremos añadiendo nuevas capas -todas ellas suaves- en los tramos que tienen mayor oscuridad. Una capa sobre otra. Es la forma de conseguir volúmenes.

 

Para este tema concreto, al hacer capas húmedo sobre seco, recomiendo pinceles redondos: Número 10, número 6 y número 4, dependiendo el nivel de detalle. Las primeras capas se darían con el pincel más grueso, y las últimas con el número 4.

 

Por último, delinearíamos con un Rigger -os remito al post en que hablo de este tipo de pincel-, las líneas de contorno con que siluetea Goya, sin olvidar poner en el extremo superior izquierdo el número de dibujo, con la misma grafía que el pintor de Fuendetodos.

 

Para terminar, puedes firmar. Por ejemplo, en la parte inferior. Pero siempre poniendo que es una versión de este dibujo de Goya.  En mi caso, como podéis observar, he añadido unas notas de Azul Ultramar al Gris Payne en la parte inferior derecha. No se trata de que hagáis un calco, más bien se trata de versionar. Y en este caso, sin apartarse mucho del tema principal, ya que estamos hablando de uno de los mayores genios de la Historia del Arte, y debemos aprender de él antes de apartarnos sin haber llegado.

 

Espero que disfrutéis.



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