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EL ROSA PERMANENTE

EL ROSA PERMANENTE

EL ROSA PERMANENTE

Índice Internacional de los Colores.

Nombre y número IC:  PV19

Descripción Química: Quinacridona

© Macarena Márquez Jurado


Color: Rosa Permanente Winsor & Newton

Papel sobre el que se han realizado las pruebas: Rosa Permanente PV-19:  Papel Canson Teintes. Formación de un Gris a partir de Rosa Permanente: Sennelier Papier Artiste  300 g/m2

<alt="Rosa Permanente"/>
Foto 1. macuarela.com: El Rosa Permanente

Decir rosa es algo muy vago que hacer referencia a un color, y a un tipo de flores. En cuanto a color, la gama del rosa es muy amplia. Los hay que viran hacia el azul y los que van hacia el rojo. Cennino Cennini en su Tratado de la Pintura, escrito hacia 1390 y considerado el primer compendio de técnica pictórica italiano, nos habla ya del color rosa, que en aquel momento era utilizado para las encarnaciones, pintura de rostros, cuellos, cuerpos, brazos, manos, piernas y pies. El color se hacía con Sinopia y Blanco de San Juan. Sinopia es un color ocre rojizo que según describió Plinio en su Historia Natural  tomó el nombre de la ciudad de Sinope, en el Ponto, de ahí que los romanos lo llamaran sinopis. Había tres tonalidades, oscura, clara y media dependiendo de que tuvieran más o menos rojo. Para las encarnaciones, Cennini recomendaba Sinopia Clara. Pero esto daba tonos rosados, amelocotonados, y no el Rosa del que vamos a hablar. 

Actualmente se desarrolla a partir del pigmento Quinaqridona, de gran resistencia e intensidad. Las quinacridonas magentas son más rojizas PR122 (en el Índice PR= Pigmento Rojo-Red). En cuanto a las quinacridonas violetas, tienden más a los violáceos/azulados, PV19 (en el Índice de Colores PV=Pigmento Violeta-Violet)

El color Rosa Permanente del que hablamos, el que la casa Winsor & Newton introdujo en su paleta en la década de 1950, es un PV19. De gran eficacia, este color puede permanecer en su propiedad de Rosa Intenso de gran coloración. Si añadimos agua de forma progresiva, nos llevará hacia tonalidades rosas transparentes que nos parecerán imposibles por su belleza. Tiende al violeta (PV).

El Rosa Permanente es un color muy versátil, con gran carácter en sí mismo, pero que también se puede usar para formar grises y otras tonalidades de gran variedad. Para transformar un ROSA PERMANENTE hay muchas formas. Yo os sugiero añadir una punta de AMARILLO LIMÓN al color original y que comprobéis la maravilla resultante.

Rosa Permanente mezclas de acuarela
Foto 2. macuarela. com: El Rosa Permanente.
En el centro, resultado de mezclar Rosa Permanente con Amarillo Limón.
Los casilleros centrales de la fila superior con Rosa y Amarillo poco saturado. Los de la fila inferior, muy saturados. El resultado es un color asalmonado en mayor o en menor medida. El amarillo limón da calidez al Rosa.  


Si lo que se quiere es oscurecerlo sin que pierda su esencia, es conveniente utilizar Carmín de Alizarina y no Gris de Payne ni Negro. El Carmín de Alizarina potenciará el Rosa, le dará intensidad y oscurecerá sin que pierda su calidad de rosa. 

Rosa Permanente con Carmín de Alizarina
Foto 3. macuarela.com:  El Rosa Permanente.
Oscurecimiento del Rosa con Carmín de Alizarina en el centro.

En cuanto a su mezcla con otros colores, el color ROSA PERMANENTE mezclado con el VERDE ESMERALDA, da como resultado un gris que podéis ver en la fotografía número 4. Se trata de un gris que no compraremos ya hecho, con registros y matices diferentes a cualquier otro gris. Os animo siempre a formar colores con vuestra base de paleta. Eso dará un toque personal a vuestras obras.


Rosa Permanente con Verde Esmeralda
Foto 4 Rosa Permanente.
 Gris formado por Rosa Permanente y Verde Esmeralda


Otra de las variables muy ricas del Rosa permanente, es el violeta que resulta de mezclar este color con el AZUL INTENSO. Se puede ver en la fotografía 5. Es un violeta precioso. He mezclado con mucha agua, si se utiliza más pigmento las variedades de violeta pueden llegar a ser muy intensas.

Foto 5. Rosa Permanente.
Violeta formado por Rosa Permanente y Azul Intenso (Intense Blue)

El Rosa Permanente es un básico de acuarelista. Se puede adquirir en pastilla, o en acuarela líquida. Lo recomiendo en acuarela líquida si utilizamos pinceles de acuarela recargable. Este tipo de acuarela tiene más poder de tinción, y en algunos trabajos viene muy bien. 

En cuanto a la última variable la encontramos en los Rotuladores de Acuarela. La marca Winsor and Newton ofrece este color en su gama de rotuladores de acuarela. Este producto tiene un pigmento especialmente hecho para rotulador. Son de doble punta, una fina para remarcar detalles, la otra de tipo pincel para áreas algo más grandes. Con estos rotuladores, con el Rosa Permanente en concreto, ya podremos realizar nuestros Urban Sketchs, o nuestros bocetos de Flores, nuestros diseños o acuarelas más clásicas. Si quiero pintar una fachada de la que cuelgan buganvillas, por ejemplo, y estoy en la calle pintando, utilizaré mi godet de acuarela Rosa Permanente, pero también, para detalles, el Pincel de Acuarela recargable del mismo color, que lo traeré cargado de casa con acuarela líquida. Al final podré delinear con rotuladores, bien de este color, o de otros. Lo bueno que tienen todos estos materiales es que se pueden mezclar unos con otros. 

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Macarena Márquez Jurado

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Collage con Acuarela

Si el lugar te parece oscuro, pinta una lámpara. Macarena Márquez.


Busqué el periódico por todos lados. Lo quería en papel para proteger la vista, mi más eficaz ventana al mundo. Ese día no quería leer en digital. Pero no tenía un quiosco ni una tienda de prensa cerca, así que me lo inventé. Lo pinté. Y también encendí mi lamparita, a pesar de que la tenía a 700 Kms.

¡Para un pintor todo es posible!

Material empleado:

Papel para Acuarela de gramaje 300g/m2. Grano grueso. Medio pliego.42x59 cm.
Spray Adhesivo Reposicionable
Cutter
Papel de periódico/revistas

Acuarela en pastilla:
Amarillo Cadmio Claro – Cadmium Yellow Pale Hue
Siena Tostada – Burnt Sienna
Ocre Amarillo – Yellow Ochre
Sombra Tostada – Burnt Umber
Carmín de Alizarina – Alizarin Crimson Hue
Azul Ultramar Oscuro- Ultramarine Deep
Azul Ultramar Claro - Ultramarine Light
Gris Payne – Payne´s Grey
Plata – Acuarela metálica - Silver (para firmas)
Café soluble: Nescafé Descafeinado

Pinceles:
Plano del 10, 12, 20, 24
Redondos del 18
Rigger

Collage con Acuarela - EL PAÍS

Por favor no me posicionéis por leer un periódico. Eso es muy fácil. Pero simplista. Este periódico me gusta. Me empecé a desarrollar como persona al mismo tiempo que él como periódico. Crecimos y crecemos juntos. Solo eso. Con todo, no es algo estanco. Los únicos compartimentos estancos en los que me gusta verme son los pocillos de los colores de acuarelas.

Imaginé mi rincón, con su lámpara roja encendida y una cabeza de Atenea de terracota que me traje de Roma medio saliendo de la penumbra. La lamparita iluminaba de forma precubista parte del espacio. Y eso reproduje: La atmósfera, el espacio que se concentra en torno a esa luz de siempre.

En este tipo de pintura no es el realismo lo que prima, sino la temperatura, el ambiente que quise traer hasta mí.

Es un ejercicio que aconsejo. Si algo os gusta, si de vez en cuando os ensoñáis con una o mil imágenes -a cualquier artista visual le sucede-, traedla a vosotros, plasmar esa ensoñación sin poneros barreras, tal y como sale. No tened miedo a que guste o no, a que os encasillen o no. Sed libres para pintar.

Proceso

1.     Dibujar en cuatro líneas nuestra composición situando objetos y teniendo en cuenta las luces. La línea de luz que irradia la lámpara está dibujada desde el principio. Sabía lo que quería ver.

2.    Pintar la cabeza de Atenea con Ocre Amarillo y Siena Tostada. Una vez seca, daremos una segunda capa, pero ya sólo en la parte de la cabeza que queda en la sombra. Aquí aplicaremos Sombra Tostada.

3.    Recortamos con un cutter un trozo de texto y lo pegamos con pegamento en spray. No pegar con otro tipo de pegamento, porque dejará bolsas. Lo recomiendo para todo tipo de collage.

4.    Damos una veladura de gris formado con Azul Ultramar y Siena tostada a parte del texto.

5.    A mano alzada, con pincel, pintamos las letras del logotipo, en este caso El País, con Gris Payne. No es un diseño, es una composición libre basada en el periódico realizada con acuarela, por lo que no quiero copiar exactamente. Las he recreado sin apartarme de su entidad de su self, que me encanta.

6.    Con Nescafé, al que añadiremos unas gotas de agua y un poco de Amarillo, daremos una primera capa a todo el pie de la lámpara.

7.    Con Amarillo Cadmio Claro daremos una veladura muy aguada a la parte superior de la pantalla de la lámpara. Dejar secar perfectamente.

8.   Con Carmín de Alizarina, pintaremos la pantalla. La parte central tiene una capa menos de Carmín, como se puede observar.




Collage con Acuarela. Detalle. www.macuarela.com


9.    Mientras seca, hacer un gris bastante saturado con Azul Ultramar y Siena Tostada. Hacer bastante cantidad en este caso, pues estamos trabajando en medio pliego, la superficie es amplia, y no nos gustaría quedarnos sin pintura a mitad de veladura. Aplicar por encima incluso de la cabeza de Atenea (sólo la parte que queda en penumbra) Al dar la pincelada de una veladura, no es bueno titubear. Dad con seguridad.

10  Volver a aplicar Nescafé con escasa agua en las pinceladas del cuadrado frontal del pie de lámpara tal y como se observa en la imagen.

11.  Volver a aplicar ese mismo Nescafé sobre el carmín de la pantalla. En los laterales, lleva más de una capa. Dejar secar perfectamente.

12.  Pintar el cable de la lámpara con Gris Payne. Son dos capas. Dejar blancos entre el cable y el pie de lámpara. Es un recurso muy acuarelístico con resultados muy impactantes.

13.  Pintar la parte izquierda al lado de la lámpara con Azul Ultramar Oscuro, al que se le ha añadido una gota -mínima- de carmín, y una gota -también mínima-, de Siena Tostada.

14.  Dibujar con pincel redondo del 6 las líneas que podéis observar. Lo he hecho con Sombra Tostada.

15.  Antes de firmar comprobé que me había caído dos gotas de agua sobre la zona de penumbra superior. Quedaban bien, así que no hice nada por arreglar. Hay que dejar que agua y colores nos sorprendan. Eso siempre.

16.  Firmad

¡Ya lo tenemos!

Si vuestro rincón de lectura no viene a vosotros, id vosotros a él.

Mezquita de Córdoba con Nescafé, Acuarela y Tinta china

Pintar la Mezquita de Córdoba con Nescafé y Tinta china

Intenta pintar el Tiempo

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com


Para realizar esta pintura de carácter “instantánea” en la que no me quise detener en el detalle, utilicé tres de los recursos con los que más me gusta pintar. El primero es el Nescafé soluble, el segundo: la Tinta China, un acuarelable con carácter permanente. Y el tercero es un tipo de papel utilizado en fotografía: El papel Couché.


Material empleado:

Papel Couché. Gramaje 310 gr RC Brillant (Observaciones más abajo)

Nescafé Classic Natural. Café Soluble.

Tinta China

            Amarillo – Gelb

            Azul Cobalto – Kobaltblau

            Negro – Schwarz

            Carmin – Karmin

            Bermellón – Zinnober

Pinceles:

Redondos del 12, 10, 4

          Plano del 10

Líquido Enmascarador

 



<alt="Mezquita de Córdoba"/>

Mezquita de Córdoba by Macarena Márquez Jurado


Sobre la técnica del Nescafé mezclada con Tinta China

 

Ya he hablado en anteriores posts. Y habrá más. Adoro la inmediatez de esta textura al ser aplicada por el pincel mezclada con agua. Y como explico a continuación, esta vez lo he hecho en binomio perfecto con Tinta China de Colores, lo que, dado el carácter permanente de la Tinta China, y el aglutinante que resulta de los azucares del Nescafé, produce un efecto único al secar. Si a eso le añadimos que he trabajado sobre un papel Couché (fotográfico) brillante de 300 gr/m2 de gramaje, el resultado es el que tenéis aquí. A mí me encanta porque quise plasmar un Self de Mezquita, una sensación, una instantánea acuarelable. Y creo que ahí está. No es una pintura hiperrealista, es una sensación dentro de un ambiente. Y pintar el Tiempo.

 

Nescafé mezclado con colores es uno de mis recursos cuando quiero situarme en un ambiente de interior, o de exterior, que arropa. Aquello de los “Momentos Nescafé” fue y es una realidad transferible al arte y sus momentos, sus luces. Sólo tenéis que partir de Nescafé puro, añadir unas gotas de agua, mover hasta conseguir una mezcla glaseada, como un almíbar espeso, y ya tenemos la base. Iremos añadiendo tinta china de colores y haciendo pruebas hasta conseguir resultados. Lo mejor es la experiencia personal. A mí me gusta tener una hoja de papel al lado en donde hago rayas para probar texturas y tonos. El Nescafé con Carmín, Bermellón y Amarillo, como he utilizado en esta composición, da calor, ambiente, una sensación de estar dentro del lugar y sentir la luz, el olor, la temperatura del lugar.

 

La Tinta China


Es un tipo de pintura que se utilizó desde tiempos inmemoriales por los artistas chinos debido a varios factores, entre los que se encuentran que su arte no siempre busca la absoluta fidelidad al objeto representado y su entorno. Es un arte de tipo intelectual, en donde el paisaje alterado por los fenómenos de luz y temperatura no interesa.  La tinta china es de secado rápido, y muy contundente en cuanto a pigmentación, por lo que para conseguir medias gradaciones de luz no es la pintura más recomendable. Pero esa perspectiva, llamada atmosférica, en que la distancia y la cercanía la marcan la luz y otros elementos como el viento o el grado de humedad, no es algo que en este tipo de pintura se suela utilizar. A diferencia de la pintura occidental, en la oriental, el objeto o sujeto artístico se representa en sí mismo, teniendo el lugar o paisaje en donde se inserta una importancia relativa, a menudo simbólica. Las gradaciones medias no son las que más interesan, por lo que la tinta china es lo más recomendable.

 

Por eso también he elegido esta pintura como base para representar el “arbolado de columnas y arcos” de la Mezquita de Córdoba. Quería conseguir un efecto de visión rápida, un self de mezquita, pero no de cualquier mezquita, sino de la Mezquita de Córdoba. Utilizo la palabra Self en su valor, no fotográfico (selfie), sino en el más puro junguiano de “sí mismo”, en este caso “sí misma”, porque es mezquita.

 

El papel Couché

 

Se trata de un papel impermeable, en que la pintura no penetra, por lo que es toda una experiencia deslizar el pincel y llegar hasta el final del pliego. La comparación sería, ir en patera sobre el mar o haciendo esquí acuático. Pintar sobre este papel es hacer esquí acuático. Brillante, suave e impermeable, todo un festival para un pincel que va cargado de Nescafé y Tinta China de colores.

 

En este caso he utilizado uno de gramaje considerable, 300 gr/m2. Y el resultado final lo podéis ver.

 

Como dejo reflejado en esta pintura y en este post, no he querido pintar de forma realista, lo que he querido es plasmar el self de la mezquita de Córdoba, la sensación, la temperatura y el tiempo. Si es que el tiempo se puede pintar.

 

Te lo recomiendo. Intenta pintar el tiempo. 



Cómo pintar un RETRATO EN CLAVE CUBISTA

Hasta llegar al cubismo, cualquier artista que pintara la cara de una niña con el pelo recogido en una cola de caballo desde un punto de vista frontal, pintaba dicha cara con: Dos ojos, una boca, una nariz, una frente y dos cejas. Sin embargo, no pintaba su cola de caballo, situada detrás de la cabeza.

A partir del cubismo, y de Picasso, esa misma cara de niña se pintará con todos sus elementos, los que se ven. Pero también los que no se ven y sí se saben. Por tanto, la cola de caballo la traeremos al primer plano y la pintaremos entera.

Eso es cubismo

Para desarrollar y comprender este pequeño resumen de la visión cubista, recomiendo observar la figura 1 paso a paso. En el retrato realista superior, la modelo, está pintada de frente. En el retrato cubista, que es un segundo desarrollo del anterior, Sofía vuelve a tener el punto de vista frontal. Pero se han añadido un segundo y un tercer punto de vista. La persona que pinta, en este caso yo, está plasmando a la modelo desde delante, desde el lateral y desde detrás.

Observar desde tres puntos de vista es algo imposible para el ojo humano, que sólo puede abarcar uno. Si intentamos ver un semáforo, al mismo tiempo desde el frente, con sus colores, y desde la parte trasera, con el tono único del metal, seguramente tengamos un accidente. Es un imposible. Pero se puede pintar en clave cubista y, desde aquí, os animo a hacerlo como ejercicio.

<alt="Cómo pintar un retrato cubista"/>
Figura 1 Retrato Cubista de Sofía - Diferencias entre un retrato realista y otro cubista
 Acuarela sobre Fabriano. Macarena Márquez. www.macuarela.com

En la realidad, Sofía lleva un pendiente. En la versión cubista, el cubo que conforma dicho pendiente se ha desplegado, se ha abierto como un recortable de papel. Y lo podemos plasmar porque lo sabemos, no porque lo veamos. El cubo del pendiente ha sido extendido en todas sus partes.

Fijémonos a continuación en la nariz. Se han pintado tres narices. Dos de perfil. La de la izquierda es la más realista. La de la derecha, es una nariz que está constreñida en un espacio excesivamente pequeño en el que se encuentra junto con los ojos. Se ha hecho así para dar fuerza a los labios de la modelo, más importantes en el conjunto de su cara, y también para hacer una pequeña contribución al tipo de nariz. En cuanto a la tercera nariz, está pintada desde el frente, con una línea de dibujo esquemática, resaltando las pronunciadas aletas. Con todo, a pesar de esta visión desde el punto de vista frontal, las fosas nasales se han pintado desde abajo, cosa imposible de ver al mismo tiempo, pero no de saber. Sabemos cómo son las fosas nasales, aunque desde la visión frontal solo percibamos una línea oscura. Y, como lo sabemos, lo pintamos. Haz la prueba. Observa la cara de una persona que tengas cerca, desde el frente, con tus ojos a la altura aproximada de sus ojos. Comprueba que apenas puedes ver las fosas nasales. Tendrías que sentarte en el suelo y mirar desde abajo para ver lo que yo he plasmado.

Pasemos a la boca. Está pintada desde dos puntos de vista, frontal y de perfil. Los dos reflejan la personalidad de la modelo, de sonrisa amplia, con comisuras hacia arriba y de una importancia que llega a ser mayor que la de sus ojos desde el punto de vista formal.

Observemos ahora el elemento que mejor define el cubismo en este retrato: el pelo. ¿Por qué? Porque la cola de caballo apenas es un indicio en la realidad, y, sin embargo, en el retrato cubista se ha pintado de perfil y en todo su desarrollo, entera, esquematizada en esas aperturas de blanco que se ondulan verticalmente como si fuera una pintura bizantina.

Por último, hay que decir que en el cubismo se reduce la paleta de color, la explosión colorística de los pintores impresionistas. Los colores se agrisan, se utilizan los tonos medios, azules o sienas apagados, todo para focalizar la plasmación de la realidad, en el análisis de las estructuras, primero, y en la síntesis después; sin colores o luces que distraigan, más bien que ayuden a la nueva comprensión del mundo en un lenguaje único: El Cubismo.

Esa plasmación de la realidad en una fase de análisis, y otra de síntesis, es lo que diferencia a las dos etapas en que se ha dividido el movimiento: El Cubismo Analítico, más concreto, cerrado, ortodoxo en la descomposición de las formas hasta ser difícil el reconocimiento de la realidad; que utiliza colores más apagados y paleta reducida. Y el Cubismo Sintético, o segunda fase del desarrollo, en que el artista, incluye indicios de la realidad formal para acercarnos al mundo en el que nos movemos. Un ejemplo sería la introducción de frases, o de objetos de la realidad como periódicos, trozos de manteles, partituras etc. Es lo que llamamos técnica del collage. En la fase analítica, por último, la paleta se abrirá un poco, sin llegar a los alardes colorísticos del estilo Fauve o el Impresionista.

 

Material empleado:

Papel: Canson. Vale cualquiera con tal de que tenga el grano fino

Acuarela en pastilla:

    Rojo Bermellón - Vermilion red

    Carmín de Alizarina - Alizarín Crimson

    Siena Tostada - Burnt Sienna

    Azul Ultramar - Ultramarine Blue

    Azul Cerúleo - Cerulean Blue

    Gris de Payne - Payne’s Grey

Pinceles

    Plano del 10. Redondos del 10, 4 y 2.

    Serie 7

 

Hay tratados y tratados que versan sobre cubismo, entendidos, expertos, menos expertos, libros, vídeos, cátedras, artículos, menciones, publicaciones. Seguiremos ahondando, porque es de los movimientos que más me fascinan y en los que más he profundizado. Si leyendo este artículo, consideras que el cubismo no se puede reducir a unos párrafos, habrás acertado, pero si no se facilita la comprensión del cubismo de una forma sencilla, y se empieza a enseñar a VER cubismo a través de un solo elemento, en este caso un rostro, ¿cómo volar o tener un Síndrome de Stendhal delante del Guernica de Picasso, que reúne todos?

Habrá más post.

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EL ROJO BERMELLÓN - Acuarela

EL ROJO BERMELLÓN

Índice Internacional de los Colores.
Nombre y número IC: PR106 (Pigmento rojo-red 106) Rojo Bermellón (verdadero)
Descripción Química: Sulfuro de Mercurio

La palabra bermellón etimológicamente procede del francés: Vermillón. Y éste último término del latín: Vermicülus, o larva de la cochinilla del carmín, pues, de las hembras de este insecto, parásito de plantas como las chumberas del Sur de España, se extraía un colorante de color rojizo acarminado que se utilizaba para tintes de todo tipo.

<alt="Rojo Bermellón"/>

Rojo Bermellón. La línea 1 es bermellón de acuarela de tubo, la línea 2 es bermellón de acuarela líquida, las líneas 3 y 4 son bermellones de pastilla.

El verdadero precursor del rojo bermellón y de todos los rojos actuales, fue el cinabrio, mineral conocido ya en la Antigüedad Clásica, que se extraía de las minas de Almadén, Ciudad Real.  Se obtenía con métodos muy dificultosos en las minas españolas, siendo tal su valía, que era necesaria una orden imperial para su obtención. A continuación, se enviaba a Roma, en donde se procesaba.

El gran Vitruvio, arquitecto y tratadista romano del siglo I a. C. ya habló de él en Los Diez Libros de Arquitectura. A partir del Quattrocento, la obra de Vitrubio sería la base para los artistas de Renacimiento. En el capítulo dedicado al color bermellón, explica cómo se extrae el pigmento. También narra cómo se puede utilizar para enlucir las viviendas, y alerta de que, si se utiliza al exterior, puede ennegrecerse, aconsejando el método llamado caysis (en griego) para encerar una vez pintado y obtener resistencia al exterior. Era el mismo sistema que se utilizaba para proteger las estatuas antiguas.

Refiere también en su tratado que, el bermellón se encontró por primera vez en los campos de Éfeso llamados Cilbianos y que “las oficinas del bermellón”, lo entrecomillo para que seamos conscientes de la importancia que tenía, se habían trasladado a Roma por haber descubierto glebas en España.

Aunque desde Éfeso, las glebas pasaron a obtenerse de España, estas se sellaban y eran enviadas a Roma, en donde se procesaban hasta obtener el cotizado bermellón. Las estancias en donde se hacía esto se encontraban en un lugar próximo al templo de Quirino y al de Flora, es decir, en El Quirinal, una de las siete colinas de Roma, lugar que eligieron los patricios para sus villas y en donde hoy se sitúa el Palacio del mismo nombre, sede del Gobierno de Italia. Según Plinio, las minas tenían las glebas que posteriormente darían el mejor bermellón. Hasta tal punto fueron importantes. El monopolio del bermellón sería imperial. De ahí su elevado precio.

Como pigmento, el reputado color se ha utilizado a lo largo de la historia, normalmente para artes suntuarias, pinturas al fresco, tejidos, cosmética y todo aquel objeto importante que se tuviera que revestir de grandeza.  Era algo menos vibrante que el bermellón que conocemos, y tenía un carácter muy venenoso. A eso se unía su tendencia a perder brillo y a matificarse y oscurecer con el tiempo de exposición a la luz y los factores del clima, sobre todo en la pintura al fresco. Remito al estado de las restauraciones de frescos en Pompeya y Herculano, en donde se utilizaba el bermellón.

En cuanto al cinabrio, no sólo se utilizó para extraer pigmento, ha sido utilizado a lo largo de la historia para otros menesteres. Entre otros resulta curioso los estudios del siciliano Campailla, renovador de lo que se llamó las barricas o barriles de Campailla ya a fines del siglo XVII. Se metía a un paciente dentro de las barricas, y, sobre una estufa se vertía cinabrio en la dosis adecuada. Al exhalar mercurio en forma de vapor, dichos vapores eran absorbidos por el cuerpo del paciente y aliviaban el mal de la sífilis. Y también las enfermedades reumáticas, las relativas a las articulaciones y los huesos. Campailla añadió incienso a dichos vapores para que se pudiera inhalar.

Sobre la toxicidad del bermellón (sulfuro de mercurio), menciono aquí que a mediados del siglo XIX empezaron a hacerse advertencias sobre la utilización del bermellón, por ejemplo, en cosmética. Se utilizaba para pintar los labios, y determinadas casas de cosmética tuvieron que retirarlo, para empezar a utilizar otros pigmentos.

Ya en el siglo XX, con el avance de las Ciencias Químicas, los colores, en vez de fabricarse a partir de sus formas vegetales, minerales o animales, lo empezaron a hacer a partir de fórmulas químicas. Actualmente el rojo más extendido, cercano y sustituto del bermellón es el rojo de cadmio.

<alt="Oscurecer rojos"/>
Oscurecimiento de bermellón con carmín

Sobre este color, y su uso en acuarela, hay que decir que es un color de gran tinción y que para oscurecerlo añadiremos carmín de alizarina. No se aconseja oscurecerlo con gris de Payne, si acaso con una punta de negro. Esto es para que no pierda su carácter.  Al añadir carmín a un bermellón o a un rojo de cadmio, le aportaremos oscuridad sin que pierda brillantez.

El bermellón con verde de Hooker crea un gris muy profundo, es el color que vemos al contemplar una fila de olivos en la lejanía, cuando el verde saturado ya ha perdido su color. Aconsejo probar y utilizarlo.

<alt="Rojo Bermellón con verde"/>
Bermellón + Verde Hooker





















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