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EL NARANJA DE CADMIO

NARANJA DE CADMIO

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com

Índice Internacional de los Colores.

Nombre y número IC:  PO20

Descripción Química: Selenosulfuro de Cadmio

 

A soles naranjas, cielos azules. Y si no, que se lo digan a Monet. Macarena Márquez.

Según la Real Academia de la Lengua, el adjetivo naranja se dice de un color semejante al de la naranja madura, y que ocupa el segundo lugar en el espectro luminoso. Según la longitud de onda, ese segundo lugar va después del rojo y antes del amarillo. Fue Sir Isaac Newton en su tratado: Óptica o tratado de las reflexiones, refracciones, inflexiones y colores de la luz, quien dividió el espectro en colores, siete exactamente. Pero hablemos de su historia. 
 

<alt="Color Naranja"/>


    Naranja de Cadmio. Macarena Márquez Jurado. La línea 1, 2 y 3 son acuarelas de tubo y pastilla. Las líneas 4 y 5 son naranjas de acuarela líquida. 
En los orígenes había un mineral que se llamaba rejalgar. Se trataba de un sulfuro de arsénico de color anaranjado, un mineral tóxico hasta el punto de que hoy en día se utiliza para pesticidas. Históricamente es el que utilizaban los egipcios para el arte funerario. Con él decoraban tumbas y sarcófagos. También lo utilizaban para pintar palacios, casas y parte de la estatuaría. Además, este mineral está en el origen de pigmentación de determinados cosméticos como el colorete egipcio. También en el maquillaje, que era usado tanto por mujeres como por hombres. Los hombres se acicalaban con tonos más rojizos, y las mujeres con otros tonos que tendían más al ocre. El polvo de rejalgar es amarillo anaranjado y mezclado con grasas era utilizado como afeite. No sólo como colorete, también como maquillaje. Con él cubrían imperfecciones dando tono a la piel. 

El rejalgar fue utilizado junto a otro mineral del que ya hablamos en el artículo dedicado al amarillo de cadmio: el oropimente. También es un amarillo anaranjado, o más bien dorado. De él nos habla en el siglo XV Cennino Cennini en su Libro del Arte: Y por su color es el más lindo amarillo parecido al oro que cualquier oro. Y añade sobre su toxicidad: Guárdate de ensuciarte con él la boca, así no recibirá daño tu persona.  
El oropimente, al ser expuesto al fuego, alcanzaba cotas de naranja muy vivo. Fue mineral muy cotizado durante el Imperio Romano. Y en la Edad Media se utilizó para los códices miniados, que eran manuscritos ilustrados elaborados por monjes virtuosos de la técnica, y muy versados artísticamente. Los copistas se encargaban del texto, y los ilustradores de las letras capitales e ilustraciones. Son famosos los del conocido Beato de El Monasterio de Santo Toribio de Liébana (Cantabria, España). El Beato hizo el Comentario al Apocalipsis de San Juan, iluminando con ilustraciones imaginarias y fantásticas el llamado ciclo de Beatos, obra cumbre de la iconografía de la Edad Media que tuvo un éxito sin precedentes en los siglos posteriores y del que no se conserva el original, pero sí múltiples copias de las que han sobrevivido treinta y cinco, realizadas entre los siglos IX al XIII. La presente ilustración pertenece al Códice Vitr/14/2 perteneciente al rey Fernando I y doña Sancha. Los colores son cálidos, y predomina el naranja y tonos rojizos, siguiendo los consejos de San Isidoro de Sevilla.

Dejo aquí el enlace a la Biblioteca Digital Mundial para quien quiera apreciar de una forma más detenida y completa esta cumbre del arte medieval. 

Enlace a la Biblioteca Digital Mundial. Beato de Liébana. Códice de Fernando I y Dña.Sancha

 



Beato de Liébana. Códice de Fernando I y Dña. Sancha. Biblioteca Digital Mundial.



Estos tonos de los que voy hablando a lo largo del artículo, desde Egipto hasta la Edad Media, se llamaban amarillos ocre, o amarillos rojizos, pero no naranja. Como mucho se hablaba, citando nueva y literalmente a Cennini en el siglo XV, de “cierto amarillo que se llama azafrán”. Sobre él dice: “Es amarillo cierto color que se obtiene de una especia que se llama azafrán. Conviene que lo pongas en un trozo de tela, sobre una piedra o ladrillo caliente. Luego toma media copa, o vaso, de lejía bien fuerte. Métele dicho azafrán y muélelo sobre la piedra” Este color es un amarillo anaranjado, que podemos ver actualmente. Se sigue utilizando como especia para múltiples platos. Fue en el siglo posterior cuando al color se le puso el nombre de la fruta del naranjo. No antes.

En 1809, por primera vez se fabricó el primer naranja sintético: el cromo anaranjado. El químico francés Vauguelin lo produjo a partir de unas muestras del mineral llamado crocoíta, de color naranja rojizo. Este amarillo de cromo es menos anaranjado que el naranja actual. Lo podemos ver en la famosa obra Los Girasoles de Van Gogh.

<alt="Color Naranja en Van Gogh"/>


Jarrón con catorce girasoles. Vincent Van Gogh. Oleo sobre lienzo. 1889. Museo de Arte Sompo. Japan. Tokio. Vincent Van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Van Gogh utilizaba este amarillo anaranjado porque era más económico que el de cadmio. Todos conocemos, por la correspondencia que mantuvo con su querido hermano: Cartas a Theo, Vicent Van Gogh, que era capaz de cambiar colores con tal de continuar con la fiebre pictórica y su arte. En algunas cartas hace pedidos a Theo que incluyen hasta tres tipos de cromo: amarillo, anaranjado y limón.  Con el inconveniente de que este tipo de amarillo no poseía gran resistencia a la exposición a la luz. Por eso, cada vez más, en las salas en donde se encuentra la obra de Van Gogh, la iluminación es leve. No era sólo su problema. La fabricación de colores en tubos estaba en sus comienzos, era algo casi artesanal. La estabilidad y permanencia de los colores se encontraba en sus orígenes. A eso se unía que, en el caso de Van Gogh, utilizaba los anaranjados de cromo de forma exhaustiva. En cualquier caso, el color original de Los Girasoles no es tan naranja como hoy parece. Los rayos ultravioletas han hecho estragos. Y, aunque sus pinturas siguen estando repletas de belleza, no todos los colores que hoy vemos son exactamente los que él plasmó.

Vincent fue un virtuoso del color naranja. Supo utilizarlo en sí mismo y también yuxtaponiéndolo a su color complementario: el azul. La complementariedad de los colores es algo que podemos estudiar y aprender en múltiples libros, también abundan excelentes artículos en la red global, por lo que no me alargaré. Tan sólo me gustaría incidir en algún punto sobre ello, que espero que sirva para una mejor comprensión de lo que significa en la práctica.

Los tres colores primarios son: Azul, Rojo y Amarillo.

Los tres complementarios de estos colores son: Naranja, Verde y Violeta

¿Por qué?

Pongo como ejemplo el color Naranja, que es el color de referencia de este artículo. El color Naranja es un color secundario que está formado por Rojo y Amarillo. Para no aprender las cosas de memoria, siempre tendremos que preguntarnos lo siguiente: ¿Cuál de los tres colores primarios falta en su composición?

En este caso la respuesta es el azul.

Por eso el naranja siempre busca al azul, y el azul al naranja.

<alt="Complementario del Naranja"/>


El Naranja es complementario del Azul. 

Esto lo sabía muy bien Van Gogh, que pinta objetos, paisajes, flores, figuras y frutas anaranjadas, yuxtaponiendo azules. De ese modo a nosotros, espectadores, un cuadro de colores azules y naranjas, aparentemente sin ninguna intención más que la artística por parte del gran genio de la Historia del Arte, lo percibiremos como un todo perfecto y global. Azules complementan al naranja, porque le faltan en su composición. Y por eso el naranja busca al azul y es su complementario.

Pero no sólo lo sabían los pintores impresionistas y postimpresionistas. También es un recurso muy utilizado en publicidad, para atraer al ojo. Buen ejemplo de utilizar este binomio de colores complementarios: Naranja-Azul, es el maravilloso anuncio del perfume: Terre de Hermes. Y también lo utiliza Alain Afflelou en su campaña veraniega de gafas Tchin Tchin. La lista es larga, por lo que os sugiero observar las campañas de publicidad desde la perspectiva de los colores. Algunos anuncios son verdaderas obras de arte. En el caso de la campaña de Afflelou, se han complementado los naranjas con azules cerúleos. Quizá por eso del verano. El naranja es la vitalidad, el calor, es la suma del color del fuego y del sol. En cuanto al azul representa la serenidad, la templanza, un refrigerio. También por eso son colores que se buscan y se quieren.  

Volviendo a la perspectiva del color en sí, sin su complementario, Kandinsky dirá del naranja en su libro: De lo espiritual en el Arte, aparecido en 1911 y que es referencia para todos los estudiosos del mundo del color:  El naranja tiene una sensación grave, radiante, que emite salud y vida. Su sonido es similar al de una campana llamando al Ángelus, un barítono o una viola.

En cuanto al uso del naranja en acuarela, diré varias cosas.

Para oscurecerlo, utilizaremos su complementario. En este caso, no es como el amarillo, tan difícil de oscurecer sin estropearlo. Para apagar el naranja utilizaremos azul y seguirá siendo un color limpio. No dejará de ser naranja. También se puede utilizar el Siena Tostada. En este caso oscureceremos dando viveza.

<alt="oscurecer el Color Naranja"/>


Oscurecimiento del Naranja con Azul o Siena Tostada

Si queremos un color urbano para edificios, calles, muros, tapias y cielos muy personales, utilizaremos naranja transparente y lavanda. Es un gris muy especial, cálido, y uno más entre los grises. A la mezcla podemos añadir un poco de blanco. El tono grisáceo es parecido a esos previos a las luces de tormenta cuando se está haciendo de noche, dependiendo -claro-, de la transparencia que queramos darle, mayor o menor.
<alt="Lavanda"/>


Formación de Grises: Naranja y Lavanda 1

 

<alt="Color Naranja y Lavanda"/>


Formación de grises: Naranja y Lavanda 2



Si lo que queremos son verdes especiales, os dejo una muestra de verde a partir de mezclar naranja con verde esmeralda.
<alt="Verde y Naranja"/>


Formación de verdes: Naranja y Verde Esmeralda

Si pintamos naranjas, las frutas, os recomiendo hacer como hacían los impresionistas, pintar las sombras proyectadas en azul, que es su complementario. No fallaréis.

En cuanto a soles naranjas, cielos azules. Y si no, que se lo digan a Monet.

<alt="Color Naranja en Monet"/>


Impresión, Sol Naciente. Jean Claude Monet. 1872. Musée Marmottan, París. 
Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons



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Justin Townes Earle

Noticias en Acuarela: 24 de Agosto de 2020

Looking for a Place to Land. Justin Townes Earle.

Hay veces en que no se programa el post de acuarela. Salta una noticia, y sencillamente pintas. Esa forma de pintar es vertiginosa, atemporal, llega a suspenderte como si no hubiera más mundo que el del pincel que te lleva. Porque no llevas tú al pincel. Es el pincel el que te arrastra cargado de acuarela líquida. Imposible en este caso pintar con pastillas, con tubos, ni con lápices acuarelables. La pasión es líquida. Y rápida.


<alt="acuarela musicos Justin Townes Earle"/>
Justin Townes Earle


Por eso, escuchando la música de Justin Townes Earle, Nashville (EE. UU.) que, desde hoy es leyenda, he cambiado el orden de los factores, esa propiedad conmutativa que en arte no existe. Y menos en acuarela, en la que el orden de los factores altera sustancialmente el producto.

Queda una voz, atmósferas azules con terciopelos carmesí, maderas anaranjadas de guitarra, pajaritas y sensibilidad musical. Música grande. Música.

Me encantaría explicar el proceso de esta acuarela paso a paso, pero es uno de los casos en que no hay paso a paso, sino un paso rápido e intenso cargado de escarlata y cerúleos. Es una forma de pintar algo irracional, en la que el único barco y remos que te agarran al mundo son el papel y los pinceles, algo rápido e intenso que te deja después sin fuerzas durante un rato bueno inexplicable. Le sucede a la mayoría de pintores algunas afortunadas veces. No sé si el hecho de pintar se puede pintar, si eso es factible calcaréis esta acuarela sin problema alguno. Ni yo misma comprendo lo vertiginoso del proceso y el por qué de los colores de la piel, por ejemplo, esos cerúleos con ultramar. 

Material empleado:

Papel Guarro de poco gramaje de modo que la acuarela fluya

Acuarela líquida

Pinceles: Redondos del 12, 8 y 6

Justin Townes Earle, a pesar de su juventud, 38 años el día de su fallecimiento, es un músico que retrotrae a otros tiempos. Quizá por ser hijo de su padre, el cantante de country y de rock: Steve Earle. Es decir, que la leyenda es hija de la leyenda. Steve, el padre, obtuvo el premio Grammy al Mejor Album de Folk Contemporáneo por The Revolution Starts Now. Fue en 2005. Al margen de su inigualable carrera como músico, también dará vida a Walon en la serie de HBO: The Wire. Es el cantante que interpreta el tema: Way down in the hole, de Tom Waits. Dicho tema ilustra musicalmente los títulos de crédito de su última temporada.

Pero eso era el padre. Al margen de ser hijo de quien era, Justin consiguió trascender la filiación, y, a pesar de nadar en la tradición más clásica de country, rock o blues, el cantante nacido en Nasville, como tal, ha obtenido su lugar concreto. Su música está cargada de lirismo. Trasciende lo tecnológico, es muy auténtica, sale de una verdad sin aderezos. Con sus esquirlas de ejecución. Como bien expresó Michelangelo Buonarroti, hay que quitar a la piedra lo que le sobra para que emerja la obra de arte. La belleza está ahí, dentro de la piedra. Eso es algo que le sucede a la voz y a la forma de interpretar de este cantante, repleta de belleza, a la que no ha dado tiempo, al menos de una forma acabada, de emerger, pero que está ahí, dentro, que se puede percibir al escucharlo. Que queda y permanece porque es anterior al producto.

No hay más que escuchar sus temas: Looking for a Place to Land, o Midnight at the movies (2009). En el caso de Justin, no se acierta a saber quién importa más, si el cantante, el tema o su guitarra acústica. Porque la guitarra acústica es él mismo, sus canales de expresión junto con su voz dulce. Me remito al tema: Turn Out My Lights, en el que, a dicha voz y a su guitarra, se une en perfecta sintonía la armónica.

Pintar la música, a los músicos y sus sintonías, es algo que siempre ha sucedido. Y es que el oído y la vista son sentidos estrechamente vinculados. La acuarela rápida de Justin, en la transparencia de su rostro -tranquilo-, en los tonos azulados de sus manos, del micrófono que lleva sus notas, o de su pajarita, en todo ello nos está hablando de su permanencia, de su inmortalidad. El arte, cuando lo es, trasciende.

Justin era un cantante folk, country. Perfecto en su imperfección. Como dijo Frances Bacon: No hay belleza sin algo extraño en sus proporciones.


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