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EL OCRE AMARILLO

En este artículo se explica todo sobre el color OCRE AMARILLO: Su evolución a lo largo de la Historia del Arte. Su uso en Acuarela con ejemplos prácticos.


Índice Internacional de los Colores.

Nombre y número IC:  PY43

Color: Ocre Amarillo

Descripción Química: Óxido de Hierro amarillo natural

 © Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com

 

Para empezar a hablar de este color, básico en cualquier paleta de artista, vuelvo a regresar a la Provenza francesa, de la que últimamente no salgo. Este color, ya en su vertiente de producto de Bellas Artes, fue extraído de los acantilados de Rosellón (Les Ocres) a fines del siglo XVIII. El artífice fue Jean Étienne Asier, que no dejó pasar desapercibido el hecho de vivir en uno de los depósitos de ocre más importantes del planeta, Rosellón, lugar en donde todo es ocre, las fachadas, los caminos, los acantilados, incluso la atmósfera cuando se pone el sol en verano y a uno le parece estar viviendo inmerso en una visión filtrada de este color.


<alt="Color Ocre Amarillo"/>

Foto 1: El Ocre Amarillo www.macuarela.com
1-2 y 3: Acuarela en pastilla. 4: Acuarela en Tubo. 5: Acuarela líquida.


Asier fue el primero en separar el tinte ocre de la arena de los acantilados, aislando el pigmento. Desde allí, lo transportó a Marsella, y desde el puerto de Marsella lo comercializó. Primero lo dio a conocer en Europa y a continuación en el resto del mundo. Fue un negocio floreciente a pesar de que produjo el descontento de los vecinos de Rosellón, que protestaron porque la arena y polvo desechado, una vez aislado el pigmento, se empezó a acumular en su calles, por lo que, cada vez que se levantaba el viento, la transparencia atmosférica a la que estaban acostumbrados se emborronaba. Asier tuvo que enviar los depósitos de desecho fuera del núcleo poblacional.

Actualmente se puede caminar por el llamado Sendero del Ocre, una ruta inevitable e inspiradora para cualquier amante de los colores y que, siendo turística, se sale un poco de los circuitos más renombrados. Se trata de una inmersión en un color concreto, zambullida en un océano en el que todo es ocre y que da paso al entendimiento profundo de muchos de los cuadros del grupo de pintores que trabajaron la luz de Provenza, Gauguin, Van Gogh, Cezanne, Picasso etc. Sin este paseo conoceremos la obra de estos pintores, claramente, pero no del mismo modo.  

En cuanto a la historia del ocre se remonta al Paleolítico. Es uno de los colores fundamentales, y casi exclusivos, del arte rupestre. Pero también se utilizó a lo largo de toda la Historia del Arte, en el arte egipcio, griego y romano. Plinio y Vitrubio ya hablaron de su uso, aunque quien teorizó en lo que se puede considerar el primer tratado moderno de pintura fue Cennino Cennini. Lo hizo en El Libro del Arte, del que ya hemos hablado en otros artículos relativos a esta historia y uso de los colores. Para una mayor profundización en la historia de los ocres y amarillos, recomiendo el artículo: El Amarillo de Cadmio.

Sobre el Ocre, Cennini nos dice en su tratado: Es amarillo cierto color natural que se llama ocre. Este color se encuentra en tierra de montaña, allí donde se encuentran ciertas venas como las de azufre.

Por todo ello, el ocre es un color que se conocía ya desde la Prehistoria y la Edad Antigua, que fue utilizado en el Renacimiento y del que habla Cennini y los tratadistas posteriores con profusión. Pero, tal y como lo conocemos, en su línea comercial de material para las Bellas Artes el Ocre Amarillo es un producto de fines del siglo XVIII, aislado, fabricado y comercializado por Asier, que reservó sus mejores producciones para los artistas. Se trata de un pigmento estable y resistente a la luz. Su éxito estriba en el hecho de que no resulta tóxico. En cuanto a su uso resulta imprescindible. La versión sintética de este color no se obtuvo hasta 1920.

Como dato curioso cabe reseñar que en la famosa paleta limitada de Zorn, artista sueco, pintor y gran acuarelista de fines del XIX y principios del XX, el ocre amarillo era uno de los cuatro colores exclusivos: Ocre Amarillo, Rojo de Cadmio, Negro Marfil y Blanco. Esto lo menciono porque se considera que limitar la paleta de colores es uno de los modos más eficaces de aprender. Primero habría que empezar a pintar de forma monocromática, después con una paleta limitada como la de Zorn y, sólo cuando se ha experimentado y estudiado suficiente, se utilizarán las paletas policromáticas complejas. Expreso esto porque es común que la persona que se inicia en la acuarela de forma autodidacta se haga con una caja en la que abundan los colores, cosa que no es beneficiosa para formarse en la discriminación de valores con nuestros ojos. Si no se aprende a ver de una forma selectiva es imposible plasmar algo, sea en papel en lienzo. El soporte es lo de menos. El ojo humano es educable y, por lo general, pintará mejor una persona con el ojo adiestrado e instruido que otra que solo compra cajas de acuarela y materiales de forma compulsiva. Recomiendo a Zorn. 

Y ahora pasemos a la práctica y uso de este color en acuarela.

De todos es conocido que, una de las bases de gris en acuarela resulta de mezclar el Siena Tostada con el Azul Ultramar. Pues bien, si cambiamos el Siena Tostada por el Ocre Amarillo, nuestro gris resultará más cálido. Aquí está la muestra.

<alt="AZUL ULTRAMAR Y OCRE AMARILLO"/>
Foto 2: Formación de grises con acuarela. Azul Ultramar + Ocre Amarillo

Para oscurecer el ocre amarillo, recomiendo utilizar el negro, y de forma contenida. Sobre el oscurecimiento de los amarillos ya he hablado anteriormente. Es una de las tareas más difíciles que se le presentan al artista.

<alt="Negro y Ocre Amarillo"/>
Foto 3: Oscurecimiento del Ocre Amarillo con Negro

En cuanto a algunas mezclas que recomiendo hacer para que podáis comprobar que no todos los tonos terrosos son monótonos son las siguientes:

1.- Ocre Amarillo + Verde Esmeralda. El resultado de esta mezcla es un verde muy potente que me encanta.

<alt="Macuarela"/>
Foto 4: Acuarela. Verde Esmeralda + Ocre Amarillo

2.- Ocre Amarillo + Carmín de Alizarina. La mezcla puede ser la de ciertos melocotones, la nectarinas, algunas tierras de arcilla, acantilados, troncos de pinos, la sangre. Este color lo podemos encontrar en muchos cuadros de Gauguin en Martinica.

<alt="Color Carmín y Ocre"/>
Foto 5: Acuarela. Carmín de Alizarina + Ocre Amarillo

3.- Ocre Amarillo + Violeta de Cobalto. Es la mezcla más osada. Hay que saturar muy poco la mezcla, pues los dos colores tiñen bastante, pero el resultado es sorprendente, un color púrpura nada habitual.

Foto 6: Acuarela. Violeta de Cobalto + Ocre Amarillo

Al acabar de escribir este artículo, me doy cuenta de lo que da de sí un color que a veces ha sido denostado por ser terroso y no tener la vibración de los azules o los escarlatas.

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Macarena Márquez Jurado

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Num.2.-Cómo oscurecer colores con Acuarela. Con sus complementarios. Con ejemplos.

 En el artículo anterior abordamos la difícil tarea de oscurecer colores con Acuarela, con negro y con gris. En este nuevo artículo, hablaremos de oscurecer colores con sus complementarios, y otras formas de oscurecer sin restar color a nuestras pinturas.

El oscurecimiento de colores mediante sus complementarios tiene su origen, en parte, en dos de la teorías sobre el color más conocidas.

 

1.- La Teoría de los Colores formulada por Goethe en 1808 (Zur Farbenlehre). Ese mismo año publicó su obra magna: Fausto, lo que nos acerca a la fuerza e importancia del genio.

 

Goethe, en su obra, se enfrenta a la teoría de Newton sobre el espectro de la luz y los colores, que parte de la física. Su conocimiento y aportaciones son de otro tipo y fueron leídas y asimiladas por los pintores que ejercieron su arte con posterioridad a todas estas teorías.

 

No puede decirse que se trate de una teoría científica, de hecho, los científicos no la acogieron bien, pero estudió factores para tener en cuenta que inciden en la percepción del color por el ojo humano. Y es aquí cuando surgen los problemas, que, al añadir a la materia y a la luz, la percepción, también entra en juego la subjetividad del receptor, su inconsciente, su experiencia y las asociaciones que se puedan generar.

 

2.- La Ley del Contraste Simultáneo de los Colores de 1839 (The Law of Simultaneous Colour Contrast) Esta ley fue formulada por el gran Chevreul, al que ya he mencionado en anteriores artículos por sus contribuciones.

 

Hasta llegar a los grandes aportes de la teoría del color y a su aplicación práctica, se oscurecía con negro de carbón orgánico o con tierra verdigris, con hueso negro o negro lámpara. A partir de las investigaciones sobre el color, se tomará conciencia de que las sombras, proyectadas o no, no son sólo un oscurecimiento o agrisamiento del color, sino algo más.

 

Al estudiar las telas, Chvreul comprobó que los colores no son solo lo que son, sino lo que se percibe, y también cuanto lo rodea; que, cuando no están aislados, tienden hacia el complementario del color vecino. Estos avances fueron absorbidos por pintores como Monet, o como Van Gogh, que lo utilizaron en sus cuadros. No digamos ya por los neoimpresionistas como Seurat o Signac, que, en sus yuxtapuestas pinceladas mínimas, utilizaban los complementarios.

 

Pero bajemos a la práctica, situémonos en nuestro papel y con nuestras acuarelas e intentemos oscurecer nuestros colores, esta vez con los colores complementarios.

  

Recordemos:

Primarios            Complementarios

Rojo                     Verde (Azul + Amarillo)

Azul                     Naranja (Amarillo + Rojo)

Amarillo              Violeta (Azul + Rojo)

 

Practiquemos:

 

Oscurecer el Amarillo con su complementario


www.macuarela.com
Oscurecimiento del Amarillo con su complementario.


En la muestra se puede observar cómo el amarillo, el color más difícil de oscurecer, ha sido ensombrecido con su complementario. El color resultante no es un amarillo propiamente dicho. Más bien es un color bronce, pero nos valdrá muy bien en los lados oscuros de las cosas amarillas. Y resultará mucho más interesante si, a continuación, se pinta la sombra proyectada con el complementario en sí, es decir, con el violeta.

  

A continuación, he seleccionado una muestra de lo que acabamos de ver llevada a la práctica. Se trata del cuadro de Van Gogh Paisaje de Nieve, pintado en Arlés en 1888.

  

Observemos cómo el genio de la pintura ha oscurecido los amarillos con su complementario, el violeta. Esto era algo impensable para los pintores barrocos. Y si alguna vez con anterioridad se ha llegado a ello, ha sido por pura casualidad, nunca por el estudio de la Teoría del Color y sus adelantos aplicados al arte pictórico. Los tonos de la muestra anterior se pueden encontrar en el lienzo sin mucho esfuerzo.

 


Vincent Van Gogh. Landscape in the snow. Arles, February 1888.
The Solomon R. Guggenheim Museum.
Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons.


Oscurecer el Azul con su complementario


La siguiente muestra constata el oscurecimiento del color azul a partir de aplicar una capa de naranja, su complementario. Es lo mismo que se ha realizado con el amarillo, aunque el resultado lo percibo más emocional. La brillantez del azul da paso a un color triste.


 

<alt="Oscurecer con complementarios"/>


www.macuarela.com. Oscurecimiento del Azul con su complementario.


 

La aplicación práctica de la muestra llevada a la Historia de la Pintura la tenemos en el siguiente cuadro, también de Van Gogh. Este cuadro lo pintó en el Hospital Psiquiátrico de Saint Remy y es una magistral interpretación de un grabado de Gustavo Doré, un verdadero ejercicio de azules y su complementario, en el que, mediante la confluencia y contraste de los dos colores, opuestos en la rueda de color, nos hace llegar el dramatismo de la escena.

 

Durante su estancia en la Provenza, Van Gogh se internaba en el Hospital Psiquiatríco de Saint-Paul-de-Mausole, en Saint-Rémy-de-Provence. Tenía una habitación propia que aun se puede visitar.  

 


Vincent Van Gogh. Prisoners Exercising. 1890. The Pushkin Museum of Fine Art. Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons.



Oscurecer el Rojo con su complementario

 

www.macuarela.com
Oscurecimiento del Rojo con su complementario.


 

En cuanto al rojo oscurecido con su complementario, el verde, me parece siempre, de las tres, la opción más brillante. Es muy utilizada en pintura, aunque a veces no seamos conscientes de ello. Cuando pintamos flores, tallos, jardines, tomates o rosas, esta mezcla nos dará la auténtica realidad, que no suele ser rojo puro.

 

Como aplicación práctica llevada a la Historia del Arte, he elegido el cuadro de Gauguin: Paisaje Tahitiano, fechado en 1891, y que se encuentra en el Minneapolis Institute of Art. Si observamos la parte central del cuadro, veremos que parte de las montañas rojas han sido oscurecidas con verdes.

Paul Gauguin. Paijsaje Tahitiano. 1891. Minneapolis Institute of Art.

https://www.discovertravelnews.com/wp-content/uploads/2020/06/PaulGauguin_paisaje-tahitiano.jpg


 

Espero que estas otras tres formas de oscurecimiento de los colores hayan servido para enriquecer vuestras acuarelas, también para que os haya hecho deparar en la evolución de la pintura, en la teoría del color y sus grandes maestros.

 

El reduccionismo en pintura no es aconsejable. El arte es ancho, y también largo y profundo.

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Macarena Márquez Jurado

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EL VIOLETA DE COBALTO

En este artículo se explica todo sobre el color Violeta de Cobalto: Su evolución a lo largo de la Historia del Arte. Su uso en Acuarela con ejemplos prácticos. 

Índice Internacional de los Colores.

Nombre y número IC:  PV14

Descripción Química: Fosfato de cobalto

Color: Violeta de Cobalto

© Macarena Márquez Jurado


He descubierto por fin el verdadero color de la atmósfera. Es violeta. El aire fresco es violeta. Monet.

El Violeta es el séptimo y último color del espectro visible. Todo lo que se encuentra más allá de esta frecuencia de luz se denomina Ultravioleta (ultra=más allá),  y no es visible para el ojo humano a excepción de algunos niños o adolescentes con el cristalino aún muy joven. En cambio, estas luces más allá del espectro visible para humanos, sí pueden ser detectadas por algunos insectos y animales. Las mariposas y las abejas, por poner un ejemplo, detectan las luces ultravioletas, lo que ayuda a la polinización. También divisan las ondas ultravioletas aves o peces. Y en menor medida algunos mamíferos, por ejemplo los renos. Aunque todo ello está en estudio, y parece que gatos o erizos también podrían tenerla.

Esto en cuanto al violeta del espectro de la luz.

En el sistema de color RYB (Red, Yellow, Blue) y la teoría del color tradicional, el Violeta pigmento, que es del que se trata este artículo, es un color secundario resultado de la suma de rojo y azul. Y de todos ellos, el Violeta de Cobalto, es el obtenido a partir de un mineral: el Cobalto.

 

<alt="Color Violeta de cobalto"/>

Foto 1: El Violeta de Cobalto www.macuarela.com


Las líneas núm. 1, 2 y 3 son Acuarelas en Tubo de Winsor & Newton Professional. Es un color que está en la formación de atmósfera, por lo que suelo tener, o godet entero o tubo siempre. Dejo el enlace al tubo, merece la pena no quedarse nunca sin él. 

 La línea 4 está pintada con Cera Acuarelable. Es el Color  Violeta de Caran D'ache acuarelable. Neocolor II Aquarelle. Dejo el enlace a una caja metálica que lo trae, así como los colores básicos para pintar con esta técnica, por si no queréis adquirir un solo color, ni tampoco las cajas grandes sin ser expertos.

Papel sobre el que se han realizado todas las pruebas del Violeta de Cobalto:  Sennelier Papier Artiste  300 g/m2
Guarro 300 g/m2
Arteza 230 g/m2


En algunas de las manifestaciones de la Historia del Arte anteriores al aislamiento del cobalto, se ha constatado la existencia de este elemento. Lo utilizaron egipcios, persas, micénicos, romanos o chinos, que aportaron en su arte, mayor o suntuario, azules que contenían cobalto. Así sucede en vidriados, esmaltes o cerámicas azules que son anteriores al hallazgo de este elemento. Pongo como muestra de azules que contienen cobalto las cerámicas vidriadas de la Puerta de Ishtar del Arte Babilónico (siglo VI a.c.) Y más cerca en el tiempo, los azules de las vidrieras de Chartres o Saint Denis, que también le deben a este elemento su magnetismo. En parte es la dimensión del azul que proviene del cobalto lo que deja suspendido en la ingravidez y la belleza a quienes se sumergen en las naves de estas catedrales. Eso en cuanto a elementos no arquitectónicos, la luz, el color y sus efectos. Por tanto, el cobalto se conocía, pero para obtenerlo en toda su pureza sería necesario extraerlo de los minerales mediante procesos químicos, hecho que no tuvo lugar hasta llegar al siglo XVIII.
El éxito del Violeta de Cobalto va unido a la salida a la naturaleza que supuso la llegada de los pintores del siglo XIX. En la pintura de paisaje, y en toda la pintura de exterior, los artistas buscaban reflejar la incidencia de los fenómenos atmosféricos en la luz. Las tormentas, la niebla, el viento, la humedad del ambiente después de la lluvia, la lejanía de las montañas, o la línea y franja del horizonte en el mar, todas estas progresiones de la luz, que son motivo de estudio para el pintor, implican distancia, no rotundidad en líneas y tonos. En donde hay humedad marítima o de cualquier origen, no hay una atmósfera tan clara como la que podemos observar y vivir en un lugar de clima seco o continental, mesetas o grandes macizos interiores, en donde la falta de agua hace que los contornos y las líneas de horizonte sean rotundas. Por eso los violetas son fundamentales para estos pintores de la luz. Ya sea en proximidades de ríos, mares, montañas, o en jardines en donde la vegetación y su emanación llenan de partículas la atmósfera, se buscará ese último color de la escala de Newton que denominamos Violeta, que hace que las montañas se alejen, que los árboles de la línea de horizonte resulten sutiles, y que el aire circundante se evapore en nuestro papel o lienzo y nos deje sumidos en la ingravidez. Por eso, también, Monet dijo del Violeta de Cobalto, presente en su paleta como queda constatado, que por fin sabía cuál era el color de la atmósfera: “He descubierto por fin el verdadero color de la atmósfera. Es violeta. El aire fresco es violeta” Monet.

El cobalto fue aislado por primera vez en la cuarta década del siglo XVIII por el químico sueco Georg Brandt. Fue precisamente él quien demostró que los azules de las vidrieras mencionadas le debían su color. Unido al descubrimiento del cobalto en su fórmula química, vinieron después los pigmentos.

Primero fueron los azules de cobalto y después los violetas. A primeros del siglo XIX, el químico francés Louis Jacques Thénard descubrió un nuevo color que tuvo gran éxito: El Azul Cobalto, al que se sigue llamando en ocasiones Azul Thénard. Thénard fue el inventor también del blanco de plomo y del agua oxigenada.  Su reputación en el campo de la química fue de tal calibre que pasó a ser uno de los 72 grandes referentes de hombres de la Ciencia que están inscritos en la Torre Eiffel de París en el piso primero. Para los amantes del turismo de lo curioso diré que su apellido: Thénard, se encuentra en el lado de la torre Eiffel que da a la Escuela Militar (lado suroeste, puesto 15 de izquierda a derecha)   

El Azul Cobalto resultaba algo más barato que el Azul Ultramar, que antes de llegar a su fórmula química se obtenía del lapislázuli.  Pero no sólo tiene cobalto el Azul de su nombre, también lo tiene el Azul Cerúleo, el Verde de Cobalto y el color del que trata este artículo, y, si bien fue Thénard el que inventó el Azul de Cobalto, el primer pigmento del Violeta de Cobalto fue obtenido por Salvetat en el año 1859. No es que no se utilizara hasta llegar al siglo XIX, pero no era lo habitual. Había que mezclar rojos y azules para obtenerlo. Y en el caso de utilizar algún pigmento, resultaba muy escaso y gravoso como para ser utilizado en formatos grandes. Por ello, sería adorado por los pintores impresionistas. Pero, también por otros factores. 


 

<alt="Color Violeta Azulado"/>

Foto 2: Violeta Azulado www.macuarela.com


Pero no fue sólo él. Pisarro o Seurat también lo usaron, y según algunos críticos del movimiento, abusaron del color. Lo utilizaron para aportar sensaciones de lejanía, de sombra ligera, de ingravidez atmosférica. Y también, y con gran acierto, para reflejar el otro gran cometido de los pintores de exterior, la plasmación de todos los efectos que producían los adelantos de la revolución industrial en exteriores: emanaciones de fábricas, humos de coches, vapores de barcos, nubes que atraviesan puentes o las incipientes partículas del aire en las grandes urbes. Ningún color para expresar y plasmar la levedad del aire como el Violeta.

Tal y como he apuntado, con anterioridad se utilizaban violetas policromos, obtenidos por la mezcla de rojos y azules, pero no este Violeta de Cobalto del que hablamos. Hasta llegar a este punto, se utilizaba el Púrpura, combinación de rojo y azul, mezcla no discernible a primera vista. Hacen falta análisis de la pintura para verificar esto. Parece que Renoir, a pesar de conocer el color, se mantuvo en la tarea de mezclar los dos colores para obtener los violetas. En cualquier caso, sean púrpuras o violetas, son colores poco cubrientes, de gran transparencia. Muy posiblemente, por esta última cualidad determinara Monet que era el color de la atmósfera. Y también para el resto de impresionistas y post impresionistas, que lo veían como parte de las sombras proyectadas, llegando a desterrar el negro de sus composiciones. Pero también precisamente por esta transparencia, y por lo caro que resultaba para lo poco que cubría, fue sustituido en gran medida por el Violeta de Manganeso, pigmento sintético más fuerte conocido como Violeta de Nuremberg.

Paul Gauguin lo utilizaba, aunque no se ha constatado químicamente en su obra, pero sí hay documentos que lo atestiguan. En cuanto a Van Gogh, fue maestro en la utilización de violetas enfrentados a amarillos. El violeta es un color secundario 

Los tres colores primarios son: Azul, Rojo y Amarillo y sus complementarios: Naranja, Verde y Violeta. En el caso del violeta, está formado por azul y rojo, le falta el amarillo. Por eso lo complementa y lo busca con nuestra vista. Para una mejor comprensión de los colores complementarios y su uso, remito al artículo El Naranja de Cadmio.

Van Gogh era un maestro en la yuxtaposición de colores primarios y complementarios. Y, si pintaba manzanas o limones, las sombras proyectadas serían violetas por eso de la complementariedad. En la base de ello está el gran teórico del color Michel-Eugène Chevreul, químico francés que investigó sobre la teoría del color y que fue director de la Fabrica de Tapices Manufacture des Gobelins de París. Para comprender el peso intelectual de este químico hay que recordar que sería miembro de La Academia de las Ciencias de Rusia, de Prusia, de Suecia, Turín, de La Academia Americana de las Artes y las Ciencias, o de la Royal Society.   

En 1839 publicó: De la ley del contraste simultáneo de colores y la variedad de objetos de colores, en donde, entre otras cosas, demuestra que un color no es sólo el color en sí, sino el que está al lado, estableciendo el principio de armonía del contraste, por el que los colores complementarios aportan armonía a las composiciones pictóricas. Este principio fue aprehendido y utilizado hasta la saciedad por los pintores impresionistas y post impresionistas. Y también por sus precursores desde los años cuarenta del siglo XIX. Si se quiere profundizar en las aportaciones de Chevreul, su libro se puede leer en línea.

Volviendo al Violeta de Cobalto, hay que decir que se sigue utilizando en la actualidad. Se trata de un color sugerente, elegante y silencioso, sin grandes estridencias, bastante transparente y que vira hacia el carmín, más que hacia el azul. Por la poca fuerza cubriente del pigmento es mejor utilizar el Violeta de Cobalto Oscuro, que a pesar de su acepción “oscuro” sigue siendo transparente.

En cuanto a este color, mezclado con otros colores, sorprende. Dejo aquí algunas pruebas.

La primera (Foto 3), es un violeta de Cobalto mezclado con Amarillo Limón. Me gusta el verde frío que resulta de esta mezcla, muy especial. La segunda (Foto 4) son los colores formados por Violeta con Verde Esmeralda, y Violeta con Azul Cerúleo. En el primer caso, resulta una especie de Azul Índigo que, muy rebajado con agua, utilizo en paisaje urbano, para edificios de hormigón o asfaltos, y en el segundo, al mezclar con Cerúleo, resulta un azul añil muy potente.

 

<alt="Color Violeta con Amarillo Indio"/>
Foto 3: Violeta de Cobalto + Amarillo Limón. www.macuarela.com

 

<alt="Violeta de Cobalto y Azul Cerúleo"/>

Foto 4: Violeta + Verde Esmeralda Violeta  y Violeta + Azul Cerúleo www.macuarela.com


Otras dos mezclas que aconsejo son: El Violeta de Cobalto mezclado con el Amarillo Indio. Como se puede observar es un color terroso muy brillante, que parece improbable que puede resultar de un violeta con un amarillo (Foto 5). Y la segunda, Violeta de Cobalto con Acuarela metálica Oro (Foto 6). El surtido de calidades que dimana de esta mezcla es inabarcable. Lo uso para composiciones de tipo cubista. Os invito a probar porque los resultados son impactantes cuando vamos construyendo bloques de pintura únicamente utilizando estos dos colores.

 

<alt="Indian Yellow y Violeta de cobalto"/>
Foto 5: Violeta de Cobalto + Amarillo Indio www.macuarela.com


<alt="Light Gold y Color Violeta de cobalto"/>
Foto 6: Violeta + Oro www.macuarela.com

En cuanto al oscurecimiento del Violeta, lo podemos hacer con Azul Ultramar o con Carmín de Alizarina en mayor o menor medida. Con todo, es uno de los pocos colores que me gusta oscurecer con negro. El negro no desvirtúa el carácter del violeta. Fotos 7, 8 y 9.


<alt="Oscurecimiento del Violeta"/>
Foto 7: Oscurecimiento del Violeta de Cobalto con Azul Ultramar www.macuarela.com


<alt="Oscurecimiento del Violeta"/>

Foto 8. Oscurecimiento del Violeta de Cobalto con Carmín www.macuarela.com

<alt="Oscurecimiento del Violeta Acuarela"/>
Foto 9. Oscurecimiento del Violeta de Cobalto con Negro www. macuarela.com

Por último, presento una muestra del Lila, color resultante de mezclar el Violeta de Cobalto con Blanco.


<alt="Color Lila"/>

Foto 10: Color Lila www.macuarela.com

Como hemos podido comprobar, el Violeta de Cobalto es un color muy versátil, que sorprende cuando somos audaces en las mezclas. Y que, en su vertiente más pura, sólo mezclado con agua, tal y como se muestra en la foto número 1, llega a tonalidades de amplio espectro. Se puede aplicar tanto para una noche de verano, como para una flor que acaba de abrir, pasando por las montañas que se divisan a lo lejos y por un amanecer en el Polo.  Como decía Monet, el aire es violeta.

 

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