Pintar con café – Painting with coffee

¿Se puede pintar con café soluble?

La respuesta es sí.

Esfinge de Guizeh -  Nescafé y Agua - Macarena Márquez

El café soluble es una maravilla del mundo de los acuarelables. Sólo añadir una gota de agua y ya podremos pintar, bien en monocromo, o bien añadiendo tintas de colores.

Sólo necesitamos un bote o sobre de café soluble. Puede ser de cualquier marca, aunque también en esto, como en todo, intervienen las diferentes tonalidades que se pueden conseguir. No obtendremos las mismas si utilizamos café soluble lacteado, café soluble descafeinado, o si solo aplicamos el polvo de un clásico negro. Y también interviene, y mucho, si utilizamos un café con mucho azúcar, u otro que no tenga tanta.

El azúcar es un aglutinante poderoso. En la base de composición de las acuarelas está un tipo de solución o jarabe de azúcar, e incluso miel, que contribuye a hacerla más deslizante con el pincel cuando se añade agua. Además, confiere brillo a los pigmentos. Por eso el café soluble, cuando contiene azúcar, es un prodigio de acuarela. El efecto al secar, si lo aplicamos muy puro, es decir, añadiendo poca agua, es esmaltado y brillante.  No hay que olvidar que algunas pinturas, como el gouache, tienen almidón o azucares para retrasar el secado, permitiendo así que la mezcla no se solidifique a mitad de pincelada. El café soluble, aunque su objetivo primordial no es pintar, al igual que el gouache, también contiene azucares. 

Al pintar con estas mezclas, estaremos utilizando, además de un pigmento con gran poder de tinción como el café, un material que servirá de conservante de nuestras producciones.

Os animo a probar. 

En este primer post os dejo una muestra. Y, también un boceto de la Esfinge de Gizeh realizada con dos o tres pinceladas de café en polvo. Primero dibujé con una perspectiva desde abajo. Alargando sus patas delanteras, intenté darle algo que no tiene, velocidad. De ese modo la traigo a nuestro mundo sin que la esfinge pierda su carácter de esfinge parada en el tiempo. Utilicé papel couché, muy satinado y de gran gramaje. Al no absorber, se obtiene una calidad cercana al esmalte.

Muestra de tonalidades adquiridas con NeSCAFÉ

Pintar con café es algo que se hacía desde la Antigüedad, no es nuevo. Desde la Prehistoria se utilizaban pigmentos naturales para expresar y plasmar la realidad. En concreto, las tonalidades que aporta el café son el sepia. Este tipo de obras son a la acuarela lo que aquellas maravillosas fotos de color sepia fueron y son al mundo de la fotografía en general. Podemos reducir nuestra paleta a un único color, lo que hace nuestra composición más interesante. A veces más artística. Es igual que cuando realizamos una fotografía en blanco y negro. La realidad es en colores, por eso para reducirla a un único tono tenemos que dar un salto, entrar en el mundo del arte y la teoría estética. Para realidad está la propia realidad. 


Pintando con Nescafé - Macarena Márquez

En países como Ecuador, por ejemplo, se pinta con café y caña. Y ya hay artistas que se han consagrado gracias a esta técnica. Recomiendo seguir la obra de un artista como Fabián Ortega, quien, valiéndose de los residuos del café molido, empezó a pintar aves autóctonas de Ecuador. Se vale de estos residuos y de agua más o menos caliente para realizar sus composiciones. Su obra empieza a ser valorada y es digna de admirar. Antiguamente, el recurso de la caña era algo común. Yo os aconsejor probar también con pinceles de agua. Tienen un cargador, y para aguadas mayores es muy práctico. 

En mi caso utilizo el café como un recurso más. Además, utilizo café soluble Nescafé, que en ocasiones mezclo con tinta china creando efectos muy impactantes, y en otras ocasiones, con acuarela de colores. El Nescafé siempre es la base, de modo que una misma composición participa del trasfondo sepia inconfundible del café. 

Animo a todos a insertar la técnica en el mundo actual, En siguientes entregas, mostraré la maravilla de mezclar café con colores 


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EL AZUL ULTRAMAR

Índice Internacional de los Colores.
Número IC:  PB29
Descripción Química: Sulfosilicato de sodio aluminio
Nombre: Azul Ultramar

De los tres colores primarios: Rojo, amarillo y azul, este último es el que al mezclar con negro o blanco conserva mejor su entidad. Os animo a hacer la prueba con acuarelas. El rojo con blanco deja de ser un rojo, un amarillo con negro deja de tener el distintivo amarillo, tan peculiar. Por eso el azul es el color con más carácter, por decirlo de alguna forma. Sigue siendo azul mezclado con negro o blanco. Más o menos claro, más o menos profundo, pero Azul.

© Macarena Márquez Jurado – www.macuarela.com

En la muestra todos son Azul Ultramar:

1: Azul Ultramar de Tinta China.

2: Azul Ultramar de Acuarela Líquida.

3 y 4: Azul Ultramar de dos marcas distintas de Acuarela en pastilla. 

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Azul Ultramar - Macarena Márquez Jurado

Colores y emociones están íntimamente relacionados. Kandinsky decía del azul muy oscuro que era como el sonido de un violoncelo. Si relacionamos color, emoción y música, hay que recordar que el azul sugiere una tristeza de tipo poética, pensamientos oníricos, melancolía, y que, por eso, al Blues se le llamó Blues. Aunque hay varía teorías, la más aceptada dice que proviene de las palabras Blue Devils (diablos azules). En el siglo XVIII, cuando una persona tenía uno de esos estados relacionados con la melancolía, y también cuando estaba ebrio, se creía que veía estas figuras azules, o que tenía the blues. Y, aunque el Blues se inició como expresión de los esclavos del sur de Estados Unidos, en las plantaciones de algodón, que lo entonaban como un canto para dar vía libre al sufrimiento y a la tristeza, y que tenía una connotación espiritual, en la base de todo ello está el color azul.

En cuanto a color se refiere, el Azul Ultramar, llamado también azul verdadero, llega desde más allá del mar y por vía marítima, Ultra-Mar, como ya dijo Marco Polo. En concreto, desde unas montañas de Afganistán, en donde se encontraba una gema semipreciosa llamada lapislázuli, ya conocida por los egipcios, que no lo utilizaron como color en sus pinturas por no haber sabido desarrollarlo, aunque sí en tapices, tejidos y joyería.

Fue a partir de la Edad Media cuando el Azul Ultramar llegó a Europa. El noble color obtenido del lapislázuli afgano era muy costoso, por eso los pintores renacentistas lo empleaban de forma contenida en sus composiciones pictóricas, en vestimenta o attrezzo de sus mecenas. Pero, sobre todo, en el manto de la Virgen por su grado de importancia. Lo encontramos en las pinturas de Simone Martini, discípulo aventajado de Duccio di Boninsegna, quien dio un paso adelante en cuanto a recursos pictóricos de la Historia del Arte, al sustituir fondos dorados por azules de ultramar sin parangón en su conocidísima obra: La Maestá del Palazzo de Siena.

https://artsandculture.google.com/asset/maest%C3%A0/zwF3haL1RjxMeg?hl=es.  

Recomiendo observar con detenimiento esta pintura para comprender lo que es el desarrollo en la aplicación de los colores de los maestros del Quattrocento y del Cinquecento italiano. En el siglo XXI, si a un pintor le falta Azul Ultramar, va a la tienda, o lo pide por Internet, y, como mucho lo tiene en su casa en 24 horas listo para su utilización, y no precisamente para pintar el manto de la Virgen, sino para todo.

La segunda obra que no podemos dejar de ver si queremos comprender un poco más la base de este primitivo Azul Ultramar, es la Capilla Scrovegni de Giotto, en Padua. Giotto hizo en ella un alarde de pigmento. Si puedes ir a Padua, no lo dudes. Y, si no, busca imágenes en Internet. Mira la bóveda, detente en las historias y sus fondos. Sumérgete en el Azul. Y volarás.

En cuanto al pintor que te recomiendo para que estudies en él la aplicación de este color, ya en el siglo XVIII, es Vermeer. Sólo hay que observar La joven de la Perla. Su mecenas le proveía del pigmento, y el pintor no escatimaba cuando era él mismo quien tenía que hacerse con el cotizado tesoro.

En cuanto a la aplicación en Acuarela, por norma general el Azul Ultramar es de los colores cuyos pocillos o botes siempre estarán más desgastados o vacíos en el material de cualquier pintor de acuarelables que se precie. Esto es así, porque es necesario para la formación de grises. Todo lo contrario que sucedía en los inicios de la utilización de este color, en que se intentaba evitar todos aquellos aglutinantes o pigmentos que lo agrisaran.

Uno de los grises base en acuarela se forma a partir de la aguada de Azul Ultramar + Siena Tostada. Yo siempre recomiendo algo más de Azul Ultramar que de Siena. Son grises más fríos, más limpios, y me gustan más. Pero la gama de grises es interminable.

Haced la prueba.

Por último, hay que recordar que este color se comenzó a obtener de forma sintética a partir de que la Société d'encouragement pour l'industrie Nationale, creada en 1801 para promover talentos y fomentar la industria, convocase uno de sus concursos. En la base estaba la obtención del cotizado azul de forma sintética y económica. El ganador fue Jean Baptiste Guimet, un químico francés, que pasó a la historia como el inventor de la fórmula, de ahí el calificativo añadido al Azul Ultramar verdadero, o Ultramar Francés. Eso, a pesar de que también lo consiguiera Christian Gmelin, profesor de química de la Universidad de Tubinga. A partir de su fórmula, se desarrollaría la industria del Azul Ultramar sintético en Alemania.

El Azul Ultramar sintético es más brillante que el original obtenido del lapislázuli. De las marcas actuales, el azul que en la muestra pongo como número 3, algo menos tintado de azul que el resto, sería el que más se parece al original extraído del lapislázuli.

Para terminar, quiero recordaros que el CLASSIC BLUE o Azul Ultramar es el Pantone de este año 2020, azul y profundo.


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Acuarela Líquida

Me encanta pintar con Acuarela Líquida. Sus colores son vibrantes, y las tintas resultan más parecidas a la Tinta China de colores. Las utilizo siempre, bien aguada para composiciones de acuarela clásicas, o apenas sin aguar en temas más arriesgados. Aunque, en realidad, lo más recomendable es utilizar estas acuarelas cuando hacemos trabajo de diseño e ilustración, en los que podemos necesitar bloques de color con menos progresión de tonos. En determinados trabajos de prediseño, antes de publicar, o de pasar a lo digital, necesitamos manchas que resulten compactas y en las que no se note la pincelada.

Material:

Papel: 14,8 x 21 cms. de gramaje 160 g/m2

Puede ser cualquier marca, pero en la gama de grano fino.

Pinceles: Redondos del 12, 10 y 4.

Lápiz o portaminas.

Paleta de mezclas redonda.

Acuarela Líquida:

·          Amarillo cadmio oscuro – Cadmium Yellow Deep Hue

·          Verde Oliva – Olive Green

·          Rojo Bermellón - Vermilion Red

·          Rojo Naranja – Orange Red

·          Rojo Intenso – Deep Red

·         Carmín de Alizarina – Alizarín Crimson

·          Azul Ultramar - Ultramarine Blue


Protector Spray 680 Talens

 

 

Actualmente es lo que llamamos color block, un concepto que ha traspasado el mundo del arte pictórico para instalarse en la decoración y en la moda en general. Para conseguir este efecto block, o de color saturado cuyo efecto es la planitud, utilizo siempre la acuarela líquida. El iniciador de esta línea de color block a la hora de pintar fue Piet Mondrian, quien utilizó los colores básicos en su formato block, sobre todo al final de su evolución artística. Las colecciones permanentes del Museo de Arte Reina Sofía y de la Colección Thyssen de Madrid albergan cuadros de este pintor, creador del neoplasticismo, movimiento artístico en cuya base no está la imitación de la realidad, sino la trascripción a partir de los tres colores primarios: Amarillo, RojoAzul, a lo que se añade el blanco y el negro. Es un arte sin profundidad, sin símbolos, sin atmósfera. Marca el inicio del color block al que me refiero, un color al que el acuarelista puede llegar mucho mejor, si lo hace con la acuarela líquida. También con tinta china.


<alt="Acuarela Líquida"/>
Tomates - Acuarela Líquida
Título: Rojo Rojo Rojo
Autora: Macarena Márquez Jurado
www.macuarela.com

Su textura, al secar, es mucho más satinada que la acuarela en pastilla o la de tubo. Resulta más brillante. En cuanto a su nivel de permanencia, ahí es en donde hay que decir que, si se expone a la luz del sol, o excesiva, y también a la luz fluorescente, puede perder tono. Sus colorantes son resistentes, pero no soportan tanto como otro tipo de acuarelas una gran exposición a la luz. Hay barnices que protegen los trabajos con este tipo de acuarelas. Son incoloros. Por ejemplo, yo uso Protecting Spray 680 de Talens, aunque hay muchas marcas. Se trata de una resina que no amarillea y que protege la acuarela, no solo en su color, sino también en el grado de humedad. Recomiendo hacer una pequeña prueba en un papel en el que se haya pintado algo inservible. No se puede pegar excesivamente el bote al papel. Hay acuarelas, sobre todo las oscuras, como verdes, azules o carmines, que al secar pierden brillo. Al hacer la prueba se puede comprobar cómo el color vuelve a ser el que era en su origen, recuperando su esencia.


En cuanto a otra de las peculiaridades que me seducen de estas acuarelas, con la que he trabajado y trabajo a menudo, es que, una vez finalizada la sesión, dejo en la paleta de mezclas los colores. Cuando retomo el trabajo que esté desarrollando pasados unos días, añado unas gotas de agua en cada pocillo, y la acuarela vuelve a su ser, líquida y vibrante, sin haber perdido un ápice de luz. Ni brillo.

 

Para los aficionados al aerógrafo, trabajar con estas acuarelas es toda una fiesta. Al no estar hechas con pigmentos, y sí con colorantes, no taponan las salidas del aerógrafo. También las recomiendo para teñir o variar la tintada, por ejemplo, de una mezcla de gouache o témpera. Como explico, los colorantes de estas acuarelas son muy potentes.

 

Para los que prefieren pigmentos orgánicos, más resistentes a la luz, la marca Dr. Martins ofrece este tipo de acuarelas con excelentes resultados. Se pueden utilizar indistintamente. Aunque tengo que confesar que yo adoro mis Acuarelas Vallejo, que están en mi base de material siempre. Y, por añadidura, todas las demás. Hay que ir eligiendo marca, o marcas.


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Tomates con Acuarela Líquida-Macarena Márquez


Acompaño este artículo sobre acuarela líquida con uno bocetos de tomates realizados con las mismas. En algunos casos, como se puede observar, he dado unos toques de acuarela en pastilla, pero la líquida siempre se sobrepone.

 

Animo a todos a probarla. 


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Desarrollo de Amarillo: Pintar con acuarela un Membrillo. Paso a Paso

Animo a todos aquellos que quieran hacer desarrollo y ejercicios con amarillos a pintar membrillos. Un solo membrillo es un alarde de este color. Como podéis comprobar, decir amarillo, es decir el pigmento amarillo y múltiples tonalidades.

A Antonio López

Pintar un membrillo paso a paso -  Macarena Márquez Jurado

Material:

Papel Canson: 21 x 29,7 cms. de gramaje 300 g/m2 O cualquier otro papel rugoso de gramaje alto.

Pinceles: Redondos del 12, 10, 6, 4, 2 y un Rigger para delinear.

Lápiz o portaminas: H

Acuarela:

 

He seleccionado el membrillo, porque así podréis mezclar con ocres y azules y ver cómo se va transformando lo que al principio nos parece manzana o limón, en esa textura envejecida y casi sucia del amarillo que llamamos membrillo.

Empezamos dibujando el membrillo de forma muy somera, es suficiente con una especie de circunferencia achatada y sinuosa. El lápiz debe ser un H (Hard). Estamos hablando de amarillos, que, con su transparencia, dejarían ver el dibujo si marcamos mucho.

El modelo que os dejo tiene lectura de izquierda a derecha y está numerado. Arriba a la izquierda tenéis unas líneas de color, son los colores utilizados.

 

1.  Pintar con amarillo cadmio claro, muy rebajado con agua. Más claro, es decir, más agua mientras más arriba y a la derecha, se supone que por aquí tendremos la entrada de luz. Dejar secar perfectamente.

 

2.  Con un pincel redondo del 12 dar una segunda capa de amarillo de cadmio oscuro con una punta de siena tostada, pero ya no entramos en toda la superficie del membrillo, sólo en la parte exterior tal como muestra la figura 2. Mover el pincel haciendo sinuosidades, o el membrillo será una manzana. Es importante pensar que no es una fruta de superficie lisa, sino muy rugosa, Ese efecto hay que tenerlo presente desde el principio. Dejar secar perfectamente.

 

3.   Con un pincel redondo del 10, volver a pintar la zona exterior, sin llegar ya a abarcar la superficie pintada en el número 2. Es la forma de ir alcanzando volumen, y de ir entrando en las tres dimensiones, evitando toda planitud.  Pintaremos con amarillo de cadmio oscuro mezclado con un poco de ocre amarillo. Siempre más cantidad en la zona inferior izquierda, que es a donde llega menos luz. Antes de que seque, en la parte inferior, pondremos un poco de siena tostada muy rebajado con agua.

 

4.   La figura 4 muestra cómo quedarían estas capas. En la parte central sólo se vería el cadmio claro inicial, en la parte superior se verían dos capas: cadmio claro y oscuro, en la parte inferior, las tres capas de cadmio claro+oscuro+ocre amarillo+siena tostada muy rebajado.

 

5.  El paso 5 no lo hagáis. Lo dejo aquí porque hice una prueba. Es sólo para que también vosotros os animéis a hacer comprobaciones siempre. Id observando la figura. Pinté un poco de fondo y hoja con Verde Hooker. Con ese mismo Verde Hooker muy rebajado con agua, entré desde la parte inferior derecha -tal y como muestran las flechas-, con el agua verdosa en el membrillo, e hice las sinuosidades que podéis ver. Antes de que secara ese verdoso, puse una punta de Rojo Bermellón en la parte central (Húmedo sobre húmedo, para que se difuminara). Es lo que defino en la figura 5 como 4a. Dejé secar, era una prueba. Al comprobar el resultado, vi que se iba pareciendo más a un tomate que a un membrillo, por lo que hice uno nuevo cambiando de tonalidad, para oscurecer. Por eso os pongo que este paso número 5 es sólo para que veáis la diferencia y la razón de que pintar no es hacer una división, o una multiplicación. No son ciencias exactas, es experimental, y hasta que no se pinta y se prueba, no se aprende. Por tanto, pasamos a la figura 6. Yo no quiero llegar a tomate, ni a manzana, ni a pera. Quiero llegar a membrillo.

 

6. Habíamos dejado nuestro proyecto de membrillo en el punto 4. Ahora pasamos al 6. Pintamos el fondo de verde, esta vez, cambio el Hooker, por un Verde Cinabrio o un Sap. Si no tenéis, podéis añadir al Hooker un poco de Ocre amarillo y de Siena tostada y ya lo tenéis. Con esa aguada he entrado en el membrillo haciendo entrantes, oquedades, revueltas. Cuando todavía estaba húmedo, he puesto una punta de Rojo Bermellón en la parte central (Húmedo sobre Húmedo) He dejado secar perfectamente. A continuación, he dado otra capa azul ultramar muy rebajado, desde el verde del fondo hasta dentro del membrillo. Como podéis observar, ahora sí voy consiguiendo efecto de piel envejecida aterciopelada, tal y como tiene el membrillo. Esperad a que seque.

 

7.  Una vez todo seco, dejamos caer con el pincel una gota de agua limpia en el centro. Trabajamos húmedo sobre húmedo. Volvemos a dejar caer un poco de Gris Payne, muy rebajado, pues es un color que mancha mucho. Y un nuevo punto de Bermellón. Estas dos gotas son para dar profundidad. Recomiendo que, si os va quedando bien, hagáis pruebas del húmedo sobre húmedo en otro papel. En cuanto a la parte inferior, delineamos un poco con el Rigger y con Azul Ultramar Puro. Un poco más arriba lo hacemos con Siena Tostada.

  

8.  Por último, y una vez que está seco, seguimos dando unos pequeños toques para refinar delineando o para conseguir esos pequeños orificios oscuros, que se reducen a mínimas pinceladas con un pincel del número 2 o 3 de Siena, Gris Payne o incluso Azul Ultramar. Podemos delinear levemente los verdes para que parezcan las hojas del membrillo. Abajo del mismo, siempre una pincelada oscura y plana para asentar la pieza al suelo, y que no tenga el efecto de una pelota que rueda.

 

9.  No os olvidéis de firmar. Pero sólo si merece la pena. Si únicamente habéis aprendido cosas, no firméis una acuarela hasta que realmente estéis contentos con ella. Hay unos mínimos, que iréis comprendiendo y a los que iréis accediendo.

  

Espero que hayáis disfrutado.

 

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