Este artículo trata de la relación directa entre arte plástico -en este caso acuarela- y cine. Los directores cinematográficos, los de fotografía, llegan más lejos cuanto más saben de arte, y lo mismo sucede con cualquier artista plástico, que se nutre de la realidad circundante. Mientras más sepa acerca de la técnica cinematográfica y sea capaz de observar la realidad como un director de fotografía, mas allá podrá llegar en su obra.
Eso me pasó a mí con esta acuarela, que parte del mundo del cine.
© Macarena Márquez Jurado
Si tuviera que reducir esta escena de la película "Cape Fear" a una frase, diría que Leavitt me dejó la luz, como si se pudiera coger con la mano.
Macarena Márquez
Estaba viendo una serie de clásicos del cine en Filmin, en concreto una película estadounidense llamada: Cape Fear rodada en 1962. El director es J. Lee Thompson y está basada en una novela de John D. MacDonald.
La película atrapa. Es un thriller psicológico en
el que el abogado, Sam Bowden, pierde la paz de su vida, cuando un criminal
sale de la cárcel después de haber cumplido ocho años de condena. El criminal,
Max Cady, está representado por Robert Mitchum en un papel inolvidable. La
música fue dirigida y compuesta por Bernard Herrmann, quien, al año siguiente,
en 1963, pondría música también a la mítica película: Los Pájaros,
de Alfred Hitchcock y en 1976 a Taxi Driver. Imposible no
recordar: The Main Theme, de Taxi Driver.
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| De la película Cape Fear. J. Lee Thompson. Acuarela: Macarena Márquez |
El Cabo del Miedo, Cape Fear, fue llevada
posteriormente al cine por Martin Scorsese en 1991. En la versión de Scorsese,
el papel de Max Cady lo inmortalizaría Robert de Niro, aunque prefiero el estilo
Mitchum.
Pero volvamos a la versión de 1962, en blanco y negro. Aunque está
considerada como un clásico, hay críticos de cine que no le dan la excelencia
absoluta, salvo a la actuación de Robert Mitchum, que mantiene en tensión al
espectador desde que entra en juego. La fotografía, en blanco y negro, fue lo
que a mí más me llamó la atención de esta película. Los contrastes, poderosos,
sin grandes matices, con claroscuros en bloque que parecen sacados del barroco
italiano más grandilocuente, me tenían con los ojos bien abiertos a lo largo de
toda la película.
El director de fotografía, Sam Leavitt, utiliza en esta película
luces de alto rendimiento, lo que produce contrastes sin tregua. El efecto de
oscuridad lo obtiene a base de mucha luz. Todo ello se basa en el principio de
que no hay luz sin sombra. Lo mismo sucede cuando pintamos. Si esbozamos una figura en la arena cuya sombra proyectada apenas produce contraste, es que el sol no irradia luz de mediodía, ni de estío. O que, simplemente, está nublado.
Cuando el sol es nítido y abrasa, la sombra que proyectan los cuerpos es muy
oscura. Esos contrastes de alto voltaje utilizados por Leavitt contribuyen a
algunos ambientes de sobresalto, de miedo.
Y no digamos ya con las escenas de exterior. El claroscuro es de
tal potencia, que tuve que parar la película varias veces para poder
deleitarme. Me dejó tan fascinada esta escena de exterior, que la reproduje con
acuarela, algo distorsionada en los personajes, pero con la misma vibración de
luz que el efecto de Leavitt produjo en mí.
Decidí trabajar en monocromo. Podía haber traducido a colores.
Pero ya no hubiera tenido el mismo efectismo.
Material empleado:
Cuaderno de bocetos: Algodón 100% 21,5X21,5. 300 g/m2
Acuarelas de tubo: Azul Ultramar
Tinta china: Azul Ultramar
Pinceles:
Redondos del 2, 4, 6 y 18
Plano del 10
Roller Pen de Tinta Líquida resistentes al agua:
Signo. Pigment Ink White. Mitsubishi Pencil. Co. Ltd.
Roller Pen water and fade
proof. Pigment Ink
Uni Pin Fine Line 0.4
Lápiz: Portaminas 2HB
Goma de borrar de miga de pan
La falta de sutilidad en los matices, la ausencia de valores
medios en el tono, contribuyen a ese efecto de calor sin humedad, de luz de
verano vibrante. Me encanta esa época, los sweter de rayas,
los zapatos blancos, la estética de los sesenta. Le pasa a mucha gente, y es
porque somos muchos los nacidos en esa década.
Las primeras imágenes, la moda, las fotos, el cine, la música,
todo lo que entra por nuestros sentidos en los primeros años de nuestra vida es
de un valor inconmensurable, que a veces no sabemos descifrar, al menos no
hasta que somos adultos y ciertas imágenes nos devuelven lo que algún día nos
deleitó sin palabras. Quizá esto se produce porque en los primeros años de vida
sólo tenemos capacidad para percibir, para dejarnos impactar por el mundo
circundante, sin explicaciones, sin raciocinios ni metáforas, sin definiciones.
Después vino el color. Y para eso tenemos toda la paleta y su
combinatoria. Pero trabajar en monocromo tiene sus atractivos, porque la sensación
al ver esa película, la luz que te queda, racional y sin artificios, no puede
ni debe ser traducida al mundo technicolor. Reducir la realidad a
un solo color tiene un valor de síntesis, de concretar la luz y sus
efectos.
Si tuviera que reducir esta escena a una frase, diría que Leavitt
me dejó la luz, como si se pudiera coger con la mano.
macuarela20@gmail.com
Macarena Márquez Jurado Wikipedia
Libros de la autora:
Treinta y siete minutos en el atasco - Novela
Bárbara de Braganza - Biografía Histórica
