El líquido enmascarador para acuarela es un producto de goma líquida impermeable que sirve para reservar algunos blancos del papel. De ese modo, podemos aplicar con facilidad los colores sin temor a que determinadas líneas, letras, o claros se manchen.

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Mi contenido tiene algunos enlaces de afiliados para determinados materiales. Son productos que conozco, que están probados en mi mesa de trabajo o a lo largo de horas impartiendo clases sobre Acuarela. Están seleccionados cuidadosamente para este blog especializado que lees. Al hacer clic sobre alguno de los enlaces de este artículo o realizar una compra a través de ellos, recibiré alguna comisión. Dicha comisión no me permitirá vivir, pero si me permitirá seguir investigando y probando materiales en un mundo en que cada día salen nuevos productos al mercado. Gracias por comprenderlo.

Tutorial. Cómo pintar un RETRATO EN CLAVE CUBISTA

Hasta llegar a Picasso, cualquier artista que pintara la cara de una niña con el pelo recogido en una cola de caballo desde un punto de vista frontal, pintaba dicha cara con: Dos ojos, una boca, una nariz, una frente y dos cejas. Sin embargo, no pintaba su cola de caballo, situada detrás de la cabeza.

A partir del cubismo, y de Picasso, esa misma cara de niña se pintará con todos sus elementos, los que se ven. Pero también los que no se ven y sí se saben. Por tanto, la cola de caballo la traeremos al primer plano y la pintaremos entera.

Eso es cubismo

Para desarrollar y comprender este pequeño resumen de la visión cubista, recomiendo observar la figura 1 paso a paso. En el retrato realista superior, la modelo, está pintada de frente. En el retrato cubista, que es un segundo desarrollo del anterior, Sofía vuelve a tener el punto de vista frontal. Pero se han añadido un segundo y un tercer punto de vista. La persona que pinta, en este caso yo, está plasmando a la modelo desde delante, desde el lateral y desde detrás.

Observar desde tres puntos de vista es algo imposible para el ojo humano, que sólo puede abarcar uno. Si intentamos ver un semáforo, al mismo tiempo desde el frente, con sus colores, y desde la parte trasera, con el tono único del metal, seguramente tengamos un accidente. Es un imposible. Pero se puede pintar en clave cubista y, desde aquí, os animo a hacerlo como ejercicio.

Figura 1 Retrato Cubista de Sofía - Diferencias entre un retrato realista y otro cubista
Acuarela. Macarena Márquez. www.macuarela.com

En la realidad, Sofía lleva un pendiente. En la versión cubista, el cubo que conforma dicho pendiente se ha desplegado, se ha abierto como un recortable de papel. Y lo podemos plasmar porque lo sabemos, no porque lo veamos. El cubo del pendiente ha sido extendido en todas sus partes.

Fijémonos a continuación en la nariz. Se han pintado tres narices. Dos de perfil. La de la izquierda es la más realista. La de la derecha, es una nariz que está constreñida en un espacio excesivamente pequeño en el que se encuentra junto con los ojos. Se ha hecho así para dar fuerza a los labios de la modelo, más importantes en el conjunto de su cara, y también para hacer una pequeña contribución al tipo de nariz. En cuanto a la tercera nariz, está pintada desde el frente, con una línea de dibujo esquemática, resaltando las pronunciadas aletas. Con todo, a pesar de esta visión desde el punto de vista frontal, las fosas nasales se han pintado desde abajo, cosa imposible de ver al mismo tiempo, pero no de saber. Sabemos cómo son las fosas nasales, aunque desde la visión frontal solo percibamos una línea oscura. Y, como lo sabemos, lo pintamos. Haz la prueba. Observa la cara de una persona que tengas cerca, desde el frente, con tus ojos a la altura aproximada de sus ojos. Comprueba que apenas puedes ver las fosas nasales. Tendrías que sentarte en el suelo y mirar desde abajo para ver lo que yo he plasmado.

Pasemos a la boca. Está pintada desde dos puntos de vista, frontal y de perfil. Los dos reflejan la personalidad de la modelo, de sonrisa amplia, con comisuras hacia arriba y de una importancia que llega a ser mayor que la de sus ojos desde el punto de vista formal.

Observemos ahora el elemento que mejor define el cubismo en este retrato: el pelo. ¿Por qué? Porque la cola de caballo apenas es un indicio en la realidad, y, sin embargo, en el retrato cubista se ha pintado de perfil y en todo su desarrollo, entera, esquematizada en esas aperturas de blanco que se ondulan verticalmente como si fuera una pintura bizantina.

Por último, hay que decir que en el cubismo se reduce la paleta de color, la explosión colorística de los pintores impresionistas. Los colores se agrisan, se utilizan los tonos medios, azules o sienas apagados, todo para focalizar la plasmación de la realidad, en el análisis de las estructuras, primero, y en la síntesis después; sin colores o luces que distraigan, más bien que ayuden a la nueva comprensión del mundo en un lenguaje único: El Cubismo.

Esa plasmación de la realidad en una fase de análisis, y otra de síntesis, es lo que diferencia a las dos etapas en que se ha dividido el movimiento: El Cubismo Analítico, más concreto, cerrado, ortodoxo en la descomposición de las formas hasta ser difícil el reconocimiento de la realidad; que utiliza colores más apagados y paleta reducida. Y el Cubismo Sintético, o segunda fase del desarrollo, en que el artista, incluye indicios de la realidad formal para acercarnos al mundo en el que nos movemos. Un ejemplo sería la introducción de frases, o de objetos de la realidad como periódicos, trozos de manteles, partituras etc. Es lo que llamamos técnica del collage. En la fase analítica, por último, la paleta se abrirá un poco, sin llegar a los alardes colorísticos del estilo Fauve o el Impresionista.

Material empleado:

Papel: Canson. Vale cualquiera con tal de que tenga el grano fino. A mí me gusta este cuaderno. Son 20 hojas de un papel satinado, que viene muy bien para las manchas de color planas, sin rugosidad excesiva, suave. Estamos hablando de pintura cubista. No es necesaria la formación de los que denominamos "aguas" en acuarela.

Acuarela en pastilla:

Rojo Bermellón - Vermilion red

Carmín de Alizarina - Alizarín Crimson

Siena Tostada - Burnt Sienna

Azul Ultramar - Ultramarine Blue

Azul Cerúleo - Cerulean Blue

Gris de Payne - Payne’s Grey

Pinceles:

Plano del 10. Redondos del 10, 4 y 2.

Serie 7

Hay tratados y tratados que versan sobre cubismo, entendidos, expertos, menos expertos, libros, vídeos, cátedras, artículos, menciones, publicaciones. Seguiremos ahondando, porque es de los movimientos que más me fascinan y en los que más he profundizado. Si leyendo este artículo, consideras que el cubismo no se puede reducir a unos párrafos, habrás acertado, pero si no se facilita la comprensión del cubismo de una forma sencilla, y se empieza a enseñar a VER cubismo a través de un solo elemento, en este caso un rostro: ¿Cómo volar o tener un Síndrome de Stendhal delante del Guernica de Picasso, que reúne todos?

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Libros de la autora:

Tutorial. Cómo pintar un FUTBOLISTA con Acuarela en 15 pasos. Toni Moya. Atlético de Madrid.

Pintar futbolistas con acuarela es pintar coordinación, colorido, movimiento. Todo sobre un campo de futbol verde que gira en torno a una esfera. Macarena Márquez

Para pintar un apunte de este futbolista, Toni Moya, con uniforme del Atlético de Madrid, empezamos dibujando de forma muy simple, sin detalles, captando la fuerza de movimiento al mirar la pelota. Lo único que hay que tener bien definido desde el principio son las rayas rojas y blancas y el resto de blancos del papel. No se trata de un retrato, sino de un apunte, una recreación del movimiento. Ver figura 3.

Apunte de Toni Moya con uniforme del Atlético de Madrid

El lápiz debe ser un H, ya sea en la forma clásica o en portaminas.

El modelo que os dejo a continuación tiene lectura de arriba abajo y de izquierda a derecha.

<alt="Tutorial Cómo pintar un futbolista"/>

Figura 1 - Tutorial www.macuarela.com
Cómo pintar un futbolista

Material utilizado para pintar este boceto:

Papel Fabriano: 14,8 x 21 cms. de gramaje 160 g/m2 O cualquier otro papel de grano fino.

Pinceles: Redondos del 6, 4, 2 y un Rigger para delinear.

Lápiz o portaminas: H

Enmascarador para blancos

Pincel de goma de punta fina para el enmascarador. No utilizar el pincel de pelo, pues este líquido de enmascarar estropea el pelo. Hay buriles diseñados para esto.

Acuarela:
·         Amarillo cadmio oscuro – Cadmium Yellow Deep Hue
·         Ocre Amarillo - Yellow Ochre
·         Siena Tostada - Burnt Sienna
·         Rojo de Cadmio - Cadmium Red
·         Carmín de Alizarina – Alizarín Crimson
·         Azul Ultramar - Ultramarine Blue
·         Gris Payne - Payne’s Grey

Figura 2 - Tutorial www.macuarela.com
Cómo pintar un futbolista

Acuarela Paso a Paso. Proceso

1. Con enmascarador cubrir todo aquello que vaya a quedar blanco siguiendo el esquema: Algunas rayas blancas finas, el recuadro de la publicidad, el logotipo de la marca, el número, el balón etc. En donde pongamos enmascarador, la acuarela no entrará.

Figura 3 - Tutorial www.macuarela.com
Cómo pintar un futbolista

2. Con un pincel redondo del 4, hacer una aguada mezclando Rojo de Cadmio muy rebajado con una punta de Azul Ultramar. Con esta mezcla pintaremos las zonas de piel: rostro, piernas y brazos. Dejar secar perfectamente.(Figura 4)

3. Con un pincel redondo del 6, pintar las zonas más oscuras de las rayas blancas. Hacerlo con azul ultramar rebajado. Son las zonas de la izquierda inferior de la camiseta. El blanco también tiene tonalidades. Dejar secar muy bien.(Figura 4)

Figura 4 - Tutorial www.macuarela.com
Cómo pintar un futbolista

4. Pintar el pelo con Siena Tostada mezclado con Azul Ultramar. Mezclar en la paleta hasta conseguir un tono pardo. Con ese mismo tono pintar la cuenca de los ojos, la boca y oscuros del rostro. No hay que definirlos mucho. Se trata de un apunte, no de un retrato. (Figura 5)

5. Pintar las sombras de brazos, manos y piernas con un segundo nivel de acuarela. Mezclar para ello Rojo de Cadmio con un poco de Azul Ultramar. Seguir el esquema. (Figura 5)

6. Pintar con Rojo de Cadmio bien cargado las rayas rojas de la camiseta (Figura 4), la primera capa de las medias (Figura 2 y 4) y los rojos de la pelota.(Figura 2)

7. Pintar con un anaranjado las zapatillas de deporte.(Figura 5)

8. Pintar la primera capa del pantalón con Azul Ultramar bien cargado.(Figura 4)

Figura 5 - Tutorial www.macuarela.com
Cómo pintar un futbolista

9. Dar profundidad a las rayas rojas y volumen a los calcetines aplicando una segunda capa en algunas zonas, según muestran las fotos. Esa segunda capa será una mezcla de Rojo de Cadmio con bastante Carmín de Alizarina. Con ello daremos intensidad a nuestro rojo sin agrisarlo.(Figura 6)

Figura 6 - Tutorial www.macuarela.com
Cómo pintar un futbolista

10 Pintar oscuros de las zapatillas y del resto de zonas que lo requieran con un gris que se realizará con: Agua+Azul Ulltramar+Una punta de Siena Tostada.(Figura 4)

11 Pintar los oscuros del pantalón con una nueva capa de Azul Ultramar, pero sólo en las zonas oscuras.(Figura 7)

Figura 7 - Tutorial www.macuarela.com
Cómo pintar un futbolista

12 Pintar con Gris Payne rebajado los cordones y algunas líneas del boceto, por ejemplo, en el pelo.

13 Cuando todo esté seco, podemos levantar el enmascarador con la yema de los dedos, nunca con la uña. Quedarán los blancos del papel. Al final del todo podemos borrar los restos de lápiz. Siempre con mucho cuidado para no llevarnos nada de pigmento.(Figura 8)

Figura 8 - Tutorial www.macuarela.com
Cómo pintar un futbolista

14 Ahora podremos escribir marcas o lo que queramos en los recuadros de la camiseta.

15 Podéis firmar. Siempre poniendo a quien hemos recreado, en este caso al futbolista Toni Moya, con uniforme del Atlético de Madrid.(Figura 9)

Figura 9 - Tutorial www.macuarela.com
Cómo pintar un futbolista

Espero que hayáis disfrutado. En próximos posts pintaremos bocetos de futbolistas de otros equipos. No sólo porque hay muchas aficiones, también porque es la forma de trabajar toda la gama de colores en sus equipamientos. Y también la fuerza, el cuerpo en movimiento.

<alt="Toni Moya con uniforme Atletico de Madrid Recreacion Acuarela"/>

Figura 10 - Tutorial www.macuarela.com
Cómo pintar un futbolista

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Libros de la autora:

Cómo pintar con café – Acuarelables

¿Se puede pintar con café soluble?

La respuesta es sí.

Esfinge de Guizeh - Nescafé y Agua - Macarena Márquez

El café soluble es una maravilla del mundo de los acuarelables. Sólo añadir una gota de agua y ya podremos pintar, bien en monocromo, o bien añadiendo tintas de colores.

Sólo necesitamos un bote o sobre de café soluble. Puede ser de cualquier marca, aunque también en esto, como en todo, intervienen las diferentes tonalidades que se pueden conseguir. No obtendremos las mismas si utilizamos café soluble lacteado, café soluble descafeinado, o si solo aplicamos el polvo de un clásico negro. Y también interviene, y mucho, si utilizamos un café con mucho azúcar, u otro que no tenga tanta.

El azúcar es un aglutinante poderoso. En la base de composición de las acuarelas está un tipo de solución o jarabe de azúcar, e incluso miel, que contribuye a hacerla más deslizante con el pincel cuando se añade agua. Además, confiere brillo a los pigmentos. Por eso el café soluble, cuando contiene azúcar, es un prodigio de acuarela. El efecto al secar, si lo aplicamos muy puro, es decir, añadiendo poca agua, es esmaltado y brillante. No hay que olvidar que algunas pinturas, como el gouache, tienen almidón o azucares para retrasar el secado, permitiendo así que la mezcla no se solidifique a mitad de pincelada. El café soluble, aunque su objetivo primordial no es pintar, al igual que el gouache, también contiene azucares.

Al pintar con estas mezclas, estaremos utilizando, además de un pigmento con gran poder de tinción como el café, un material que servirá de conservante de nuestras producciones.

Os animo a probar.

En este primer post os dejo una muestra. Y, también un boceto de la Esfinge de Gizeh realizada con dos o tres pinceladas de café en polvo. Primero dibujé con una perspectiva desde abajo. Alargando sus patas delanteras, intenté darle algo que no tiene, velocidad. De ese modo la traigo a nuestro mundo sin que la esfinge pierda su carácter de esfinge parada en el tiempo. Utilicé papel couché, muy satinado y de gran gramaje, es lo que llamamos papel fotográfico. Al no absorber, se obtiene una calidad cercana al esmalte. Aquí os dejo un enlace a ese tipo de papel, es adecuado para esta técnica y también para la tinta china. Resulta una gozada comprobar cómo se escurre por la superficie acharolada.

Muestra de tonalidades adquiridas con NeSCAFÉ

Pintar con café es algo que se hacía desde la Antigüedad, no es nuevo. Desde la Prehistoria se utilizaban pigmentos naturales para expresar y plasmar la realidad. En concreto, las tonalidades que aporta el café son el sepia. Este tipo de obras son a la acuarela lo que aquellas maravillosas fotos de color sepia fueron y son al mundo de la fotografía en general. Podemos reducir nuestra paleta a un único color, lo que hace nuestra composición más interesante. A veces más artística. Es igual que cuando realizamos una fotografía en blanco y negro. La realidad es en colores, por eso para reducirla a un único tono tenemos que dar un salto, entrar en el mundo del arte y la teoría estética. Para realidad está la propia realidad.

Pintando con Nescafé - Macarena Márquez

En países como Ecuador, por ejemplo, se pinta con café y caña. Y ya hay artistas que se han consagrado gracias a esta técnica. Recomiendo seguir la obra de un artista como Fabián Ortega, quien, valiéndose de los residuos del café molido, empezó a pintar aves autóctonas de Ecuador. Se vale de estos residuos y de agua más o menos caliente para realizar sus composiciones. Su obra empieza a ser valorada y es digna de admirar. Antiguamente, el recurso de la caña era algo común. Yo os aconsejo probar también con pinceles de agua. Tienen un cargador, y para aguadas mayores es muy práctico.

En mi caso utilizo el café como un recurso más. Además, utilizo café soluble Nescafé, que en ocasiones mezclo con tinta china creando efectos muy impactantes, y en otras ocasiones, con acuarela de colores. El Nescafé siempre es la base, de modo que una misma composición participa del trasfondo sepia inconfundible del café.

Animo a todos a insertar la técnica en el mundo actual,

Libros de la autora:

EL AZUL ULTRAMAR

Índice Internacional de los Colores.

Número IC: PB29
Descripción Química: Sulfosilicato de sodio aluminio
Nombre: Azul Ultramar

De los tres colores primarios: Rojo, amarillo y azul, este último es el que al mezclar con negro o blanco conserva mejor su entidad. Os animo a hacer la prueba con acuarelas. El rojo con blanco deja de ser un rojo, un amarillo con negro deja de tener el distintivo amarillo, tan peculiar. Por eso el azul es el color con más carácter, por decirlo de alguna forma. Sigue siendo azul mezclado con negro o blanco. Más o menos claro, más o menos profundo, pero Azul.

En la muestra todos son Azul Ultramar:

1: Azul Ultramar de Tinta China.

2: Azul Ultramar de Acuarela Líquida.

3 y 4: Azul Ultramar de Acuarela en pastillas.

Azul Ultramar - Macarena Márquez Jurado

Colores y emociones están íntimamente relacionados. Kandinsky decía del azul muy oscuro que era como el sonido de un violoncelo. Si relacionamos color, emoción y música, hay que recordar que el azul sugiere una tristeza de tipo poética, pensamientos oníricos, melancolía, y que, por eso, al Blues se le llamó Blues. Aunque hay varía teorías, la más aceptada dice que proviene de las palabras Blue Devils (diablos azules). En el siglo XVIII, cuando una persona tenía uno de esos estados relacionados con la melancolía, y también cuando estaba ebrio, se creía que veía estas figuras azules, o que tenía the blues. Y, aunque el Blues se inició como expresión de los esclavos del sur de Estados Unidos, en las plantaciones de algodón, que lo entonaban como un canto para dar vía libre al sufrimiento y a la tristeza, y que tenía una connotación espiritual, en la base de todo ello está el color azul.

En cuanto a color se refiere, el Azul Ultramar, llamado también azul verdadero, llega desde más allá del mar y por vía marítima, Ultra-Mar, como ya dijo Marco Polo. En concreto, desde unas montañas de Afganistán, en donde se encontraba una gema semipreciosa llamada lapislázuli, ya conocida por los egipcios, que no lo utilizaron como color en sus pinturas por no haber sabido desarrollarlo, aunque sí en tapices, tejidos y joyería.

Fue a partir de la Edad Media cuando el Azul Ultramar llegó a Europa. El noble color obtenido del lapislázuli afgano era muy costoso, por eso los pintores renacentistas lo empleaban de forma contenida en sus composiciones pictóricas, en vestimenta o attrezzo de sus mecenas. Pero, sobre todo, en el manto de la Virgen por su grado de importancia. Lo encontramos en las pinturas de Simone Martini, discípulo aventajado de Duccio di Boninsegna, quien dio un paso adelante en cuanto a recursos pictóricos de la Historia del Arte, al sustituir fondos dorados por azules de ultramar sin parangón en su conocidísima obra: La Maestá del Palazzo de Siena.

Recomiendo observar con detenimiento esta pintura para comprender lo que es el desarrollo en la aplicación de los colores de los maestros del Quattrocento y del Cinquecento italiano. En el siglo XXI, si a un pintor le falta Azul Ultramar, va a la tienda, o lo pide por Internet, y, como mucho lo tiene en su casa en 24 horas listo para su utilización, y no precisamente para pintar el manto de la Virgen, sino para todo.

La segunda obra que no podemos dejar de ver si queremos comprender un poco más la base de este primitivo Azul Ultramar, es la Capilla Scrovegni de Giotto, en Padua. Giotto hizo en ella un alarde de pigmento. Si puedes ir a Padua, no lo dudes. Y, si no, busca imágenes en Internet. Mira la bóveda, detente en las historias y sus fondos. Sumérgete en el Azul. Y volarás.

En cuanto al pintor que te recomiendo para que estudies en él la aplicación de este color, ya en el siglo XVIII, es Vermeer. Sólo hay que observar La joven de la Perla. Su mecenas le proveía del pigmento, y el pintor no escatimaba cuando era él mismo quien tenía que hacerse con el cotizado tesoro.

En cuanto a la aplicación en Acuarela, por norma general el Azul Ultramar es de los colores cuyos pocillos, tubos o botes siempre estarán más desgastados o vacíos en el material de cualquier pintor de acuarelables que se precie. Esto es así, porque es necesario para la formación de grises. Todo lo contrario que sucedía en los inicios de la utilización de este color, en que se intentaba evitar todos aquellos aglutinantes o pigmentos que lo agrisaran.

Uno de los grises base en acuarela se forma a partir de la aguada de Azul Ultramar + Siena Tostada. Yo siempre recomiendo algo más de Azul Ultramar que de Siena. Son grises más fríos, más limpios, y me gustan más. Pero la gama de grises es interminable.

Haced la prueba.

Por último, hay que recordar que este color se comenzó a obtener de forma sintética a partir de que la Société d'encouragement pour l'industrie Nationale, creada en 1801 para promover talentos y fomentar la industria, convocase uno de sus concursos. En la base estaba la obtención del cotizado azul de forma sintética y económica. El ganador fue Jean Baptiste Guimet, un químico francés, que pasó a la historia como el inventor de la fórmula, de ahí el calificativo añadido al Azul Ultramar verdadero, o Ultramar Francés. Eso, a pesar de que también lo consiguiera Christian Gmelin, profesor de química de la Universidad de Tubinga. A partir de su fórmula, se desarrollaría la industria del Azul Ultramar sintético en Alemania.

El Azul Ultramar sintético es más brillante que el original obtenido del lapislázuli. De las marcas actuales, el azul que en la muestra pongo como número 3, algo menos tintado de azul que el resto, sería el que más se parece al original extraído del lapislázuli.

Para terminar, quiero recordaros que el CLASSIC BLUE o Azul Ultramar es el Pantone del año 2020, azul y profundo.

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