Tutorial. Cómo pintar un boceto rápido. Sketcher Irlanda.

Un boceto rápido es un apunte realizado sobre un momento y espacio concreto, que se plasma para no olvidar. Suele contener la visión emotiva y particular del artista que lo ejecuta. Sirve para recordar dicha situación o experiencia estética. A veces, el pintor lo utiliza para desarrollarlo en un soporte mayor, cuando regresa a su estudio. Aquí dejo un Sketcher de un viaje a Dublin.

Cuando voy de viaje, me ocurre a menudo que me fijo más en lo que hay alrededor de los monumentos que en el monumento en sí. Soy apasionada estudiosa de la Historia del Arte, y profundizo en lo que voy a conocer antes de conocerlo, sobre la mesa.

Material empleado:

Papel Acuarela. 14,8x21 cm. Gramaje: 160 gr/m2

Pastillas de Acuarela

Amarillo de Cadmio – Cadmium Yellow pale

Rojo de Cadmio - Cadmium Red

Rojo Coral – Coral Red

Ultramar Francés - French Ultramarine

Azul Ultramar – Ultramarine Blue

Pinceles:

Redondos del 12, 4, 2, 1

Bolígrafos de tinta líquida para Diseño Gráfico – 0.2 y 0.7 – Roller Pen

Para un artista, el hecho de viajar a menudo es descubrir paisajes, monumentos en sus lugares, atmósferas desconocidas, personas que miran, que comen, que hablan o escuchan. La mayoría de las veces escucho, pero el monumento en sí es algo que me sé de memoria. Las obras de arte están en las dendritas más profundas y alegres de mi cerebro. Entonces observo. A quienes escuchan, a quienes miran como yo. Y a la vez retengo cosas, o fotografío y después recreo, como hacen los escritores, los pintores y escultores, arquitectos e ilustradores, todos aquellos que nos dedicamos y amamos el mundo del Arte.

 

En este boceto todos miran, pero hay una mujer que se ha despistado y que se encuentra con quien hace la foto. El boceto es actual y muy simple. Se trata de recoger una instantánea, que, en vez de haberse hecho con una foto, se ha realizado con acuarela. Lo hice sentada tranquilamente en un banco, en verano del Norte de Europa.

 

El boceto es simple, pero el recurso pictórico no. Esto es lo que me gusta enseñar a ver. El que todos miren hacia un lado, y un personaje mire al espectador es algo que ya hizo Velázquez en Las Lanzas, y Goya en San Bernardino de Siena predicando ante Alfonso V de Aragón, lienzo que se conserva en la Basílica de San Francisco el Grande de Madrid. En Arte, es muy difícil innovar, aunque esto es algo que no todos aprecian. Pensamos que somos originales, y lo somos, pero el acerbo cultural, el armario de un artista, si no es profundo, revuelto y múltiple, a veces puede contribuir a que se desvanezcan registros. Esos registros son importantes a la hora de expresar cosas, de recrearlas.

 

Aquí no he sido original ni contemporánea, aunque el boceto es de estilo contemporáneo. Es decir, la forma, el estilo es contemporáneo, pero no los recursos. Esos recursos los he extraído del armario de lo que conozco, del Arte y sus maestros mientras todos miran a algún lugar, en este caso era Dublín, el exterior de la universidad más antigua de Irlanda, El Trinity College.

 

El Trinity College de Dublín fue y será motivo de otros bocetos. Es un lugar telúrico que atrapa. Aquí de lo que he tratado es de reflejar un momento más que un monumento. Me encanta pintar personas. No me interesa tanto conocerlas como pintarlas. Aunque pintar, como escribir, es una forma de conocimiento. Gracias a que los he pintado, este momento y todos ellos están en la parte feliz de mi memoria.

 

 Proceso - Boceto de Viaje paso a paso

Pongo todas las fotos a continuación del proceso.

1.- Hacer un dibujo muy elemental.

2.- Dar una aguada azul con un pincel del número 12 a toda la masa de gente. Es la forma de no distraerse aun con detalles. Además, para las personas que se están iniciando, o que no dibujan muy bien, es la forma de no tener miedo a estropear nada. Empezar con un borrón de grupo. Lo que importa de momento es el grupo. Dejar secar.

3.- Pintar con colores más fuertes la figura que mira de frente. Apuntar algunas señas de identidad. Por simples que sean los bocetos, siempre hay algún detalle que identifica a las personas. En este caso es el corte de pelo tipo bloc, y las gafas de colores. Lleva dos. Eso es lo que he resaltado en este caso, pero puede ser una mochila, un sombrero, unos zapatos, una expresión distinta, una postura.

4.- Con tonos muy reducidos, apenas más azul ultramar, un poco de carmín y rojo de cadmio, ir plasmando las masas de matices del resto del grupo. Es importante utilizar tonos muy tenues, que nada sobresalga a excepción de lo que nosotros queremos que sobresalga. En este caso la mujer de las gafas rojas.

5.- Observad las fotografías, el proceso.

6.- Cuando seque, con un roller pen, siluetear contornos y firmar. Es interesante que esos contornos sean transgresores, que se salgan de las masas de color y sus formas definidas.

Boceto de viaje Paso 1 y 2

Boceto de viaje Paso 3

Boceto de viaje Paso 4

Boceto de viaje Paso 4 Detalle

Boceto de Viaje Paso 4 Primer plano

Boceto de Viaje Paso 5 y 6

 

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Miles Davis - Técnica: Nescafé y Acuarela

¿Se puede pintar la música?

A todos mis alumnos. Los de Madrid. Los de Valladolid. Los del mundo global Internet.

A aquellos que han estudiado y aprendido conmigo otras cosas, porque todo está en lo que pintamos.

A Nescafé.

A las horas de mesa: Las mejores.

Miles Davis So What - Macarena Márquez Jurado Técnica: Nescafé y Acuarela

Material empleado:

Canson. Papel de Acuarela 29,7x21 cm. Gramaje: 160 gr/m2

 Nescafé Classic Black Roast

 Pastillas de Acuarela:

Amarillo de Cadmio – Cadmium Yellow pale

Rojo de Cadmio – Cadmium Red

Verde Esmeralda - Esmerald

Azul Intenso – Intense Blue

 Acuarela Metálica - Oro - Gold

 Pinceles:

Redondos del 12, 10, 6, 1

Plano del 10

Líquido Enmascarador

A veces intento pintar la música, si es que la música se puede pintar.

Kandinsky ya hablaba de ello. Para él, la obra de arte plástica encerraba una partitura. Este concepto lo desarrolló en un libro sin desperdicio que tituló: Lo Espiritual en el Arte, que cualquier pintor debe tener en su base cultural. Porque pintar no sólo es técnica. Ahora mismo podemos encontrar cientos, y más que cientos, cientos de miles de tutoriales que nos enseñan técnica, por ejemplo, de la Acuarela. No hay que ir ni siquiera a clases para aprenderla. Pero insisto, hay algo que no se aprende en los tutoriales. La base cultural, esa hucha de conocimientos atesorada a lo largo de la vida, sea la vida la que sea y más o menos larga, es la que se despliega y esparce su buen aroma cuando pintamos.

Eso al margen del olor del Nescafé, la verdad. Me encanta pintar con este olor. El café limpia nuestras papilas olfativas y tras la limpieza podemos apreciar nuevos registros, por eso en muchas perfumerías encontramos pequeños tarros con café. Como veis, las analogías no son solo musicales, las hay olfativas, gustativas, visuales, táctiles. Nuestros sentidos son las ventanas al mundo. Para un artista son doblemente necesarios. Porque todo aquello que registramos confluye en un instante artístico. Los artistas necesitamos la técnica para no morir de instantes artísticos, para poder ex presar, lo que nos presiona desde dentro. Pero todo va unido. No solo arte, no solo técnica. Son las dos cosas.

Con todo, estábamos en los colores. ¿O también en los olores, en los sonidos? Todo va a la vez.

Hay pinturas planas. Reflejan muchos recursos, técnicas muy depuradas. Pero no encierran ninguna novedad. En ellas no se puede ver al artista, su self, como diría Jung. Son planas por mucha perspectiva que manifiesten. Esto lo aprendía pintando. Y también escribiendo. Me lo enseñaron en la Escuela de Escritores de Madrid. Había creado un personaje que era antipático y maleducado, hiriente. Ese era el personaje. Sin embargo, al actuar, al meter su diálogo entre guiones y plasmarlo en una novela, el personaje era educado y no hería la sensibilidad de nadie. Me costó darle profundidad, la mala educación, esa sinceridad mal entendida de los que por desgracia no quieren hacer suyas otras formas más evolucionadas. Ese carácter no estaba en mi cultura. Pero lo desarrollé para escribir. Es técnica.

Y lo mismo pasa al pintar. Al escuchar So What, ese hito musical de Miles Davis, la fosa téctonica que alberga todo lo aprendido, aquello que durante horas de mesa y experiencia acumulé a lo largo de la vida, y que también alberga a las personas, esos seres que acumularon cultura cerca de mí, esa fosa tectónica se abrió y dejó pasar, no al pincel cargado de acuarela y café soluble de mi marca predilecta. También me dejó pasar a mí en cuanto a ser fusionado a un músico. Tuvo lugar la analogía Aquí está. El pincel lleva, no años de técnica, que declina de la forma ortodoxa por todos lados, sino que me lleva directamente y ya no pinta la técnica. Pinta un trocito de alguien fundido en la música. Y experiencias.

Según Kandinsky, claros y oscuros, unas longitudes de onda u otras, producen diferentes vibraciones psicológicas dentro de nosotros, eso lo saben en el momento actual muy bien los neurocientíficos.

Goethe decía que el hombre lleva la música en sí mismo.

Y yo os sugiero, poned So What de Miles Davis, haced un dibujo de contorno, muy simple. Enmascarar blancos. En este caso no he matizado la línea inferior de debajo de los ojos porque quería resaltarlos, ni tampoco las uñas y sortija. Es algo que dejo así de claro y mal matizado de forma intencionada. Después de enmascarar, poned Nescafé en el centro de un plato, y azules, amarillos y verde esmeralda en los exteriores. Agua, pinceles y mezclar.

 

No tengáis miedo. Don´t be afraid.

No copies. Es imposible hacerlo por dos motivos. El primero, porque el café reacciona con la acuarela y la tinta de forma no matemática, no conmutativa. Importa el orden, el orden de los factores -tinta o acuarela- altera el producto. El segundo motivo y más importante eres tú. En tu forma de llevar el pincel estás tú. Original siempre que no quieras ser otro.

Plasmarás Miles Davis, pero también te dejarás una parte de ti.

Ánimo.

Es vivir, pero de forma plena. Y a base de pintar, acabarás adquiriendo técnica.

Os dejo las fotos de todo el proceso. 

 

 

 

 

 

Miles Davis by Macarena Márquez Jurado. Técnica: Nescafé y Acuarela

                  

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Cómo pintar ROSTROS con Acuarela en 28 pasos. Tutorial.

Consideraciones antes de empezar

“La Azafata” es un tutorial para empezar a pintar rostros con acuarela. 

Es una pintura paso a paso, que, por su fin pedagógico, resta algo de frescura a lo que es la técnica de la acuarela. 

Hay muchas formas de pintar rostro, muchos rostros y muchas personalidades pintándolos. Pero si a veces has sentido que no sabes cómo abordar la técnica del retrato, o no te atreves a pintar a tu amigo, a tu hermana, o a tu hijo, te recomiendo que sigas estos pasos. 

Dibuja una cara de forma sencilla, apuntando los elementos del rostro sin detalles, y después sigue el tutorial.

Cuando te hayas soltado en el método, aflorará tu personalidad. Lo que quiero decir es que ahora, en este momento de mi vida, yo hago otro tipo de acuarela, menos clásica, más contemporánea. Me gusta más, y todo depende de las épocas y momentos. Pero con estos tutoriales he enseñado a miles de alumnos a empezar. Atrévete. Y luego sigue tu camino.

Tutorial: LA AZAFATA. Pintar rostros con Acuarela.

Material empleado:

Papel de Acuarela 29,7x21 cm. Gramaje: 160 gr/m2. Este tutorial está pintado en este gramaje, pero recomiendo 300 gr/m2 por la cantidad de capas que requiere el aprendizaje. Lo dejo en este papel para que se pueda observar que a base de agua, el papel se arruga en exceso. 

Pastillas de Acuarela

Amarillo de Cadmio – Cadmium Yellow pale

Rojo de Cadmio – Cadmium Red

Ocre amarillo – Yellow Ochre

Siena Tostada – Burnt Sienna

Sombra Tostada – Burnt Umber

Verde Esmeralda - Emerald

Azul Ultramar – Ultramarine Blue

Azul de Cobalto – Cobalt Blue

Pinceles:

Redondos del 12, 10, 4, 2

Plano del 10

Líquido Enmascarador

Cómo pintar rostros con Acuarelas en 28 pasos. Tutorial.
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Proceso

1.- Dibujar según esquema

2.- Reservar con líquido enmascarador: El blanco de los ojos, un toque en el centro de las mejillas, en la punta de la nariz, los pendientes, los dientes, debajo de la ceja derecha según modelo, algunos mechones. La modelo es rubia.

3.- Con una aguada rojo de cadmio muy claro se le da a todo el rostro, el cuello y los lóbulos de las orejas, lo que es la piel. En el único lugar en donde no entraremos con ese color es en el pelo, cuello, iris de los ojos, glóbulos oculares (lo blanco de los ojos), labio superior y dientes. El labio inferior sí se pinta con este color. 

4.- Dar una aguada a todo el pelo. La aguada se mezcla en la paleta: Amarillo de Cadmio Oscuro + un poquito de Siena Tostada. Tener presente al darlo que irán otras capas encima. Ése es el tono más claro del pelo. Vendrán otros. En acuarela, pintamos de claro a oscuro. La guinda de nuestro pastel es el oscuro. No queramos correr, ni ponerla antes de haber horneado todos nuestros colores.

5.- Iris de los ojos: Hacer una aguada con azul ultramar al que se le pone una punta de Siena Tostada y otra de Verde Esmeralda. Más azul que Siena y Esmeralda. El azul resultante debe ser grisáceo y claro. Muy importante, antes de que seque ese tono, se pone una gotita de amarillo cadmio oscuro en el centro del iris y se deja que interactúe con el papel y con la mezcla húmeda.

6.- Ir situando segundo nivel de oscuros de la piel con una mezcla de: Rojo de Cadmio + Siena tostada. Los tonos de la piel cuando está cerca del pelo suelen ser bastante cálidos por tratarse de una zona más irrigada. No es lo mismo esa zona que la parte central de la frente o el cuello, mucho más fría. Con ese tono entraremos en toda la zona de cara, cuello y lóbulos de las orejas a excepción de los claros, que están en el centro de la frente, en la parte prominente de las mejillas y de la barbilla, encima del ojo derecho y en la parte central de la nariz. En este momento del trabajo, la nariz tiene que empezar a tomar relieve, a sobresalir de la cara.

7.- Mientras que seca la piel, trabajamos con el pelo. Montar varios tonos de rubio oscuro con: Amarillo de Cadmio Oscuro + Siena tostada + Sombra tostada + Azul ultramar. Es importante no olvidar que estamos trabajando un rubio, no debe cargarse mucho la sombra tostada. Muy importante dar las primeras pinceladas bordeando el rostro y el cuello. Normalmente, mientras más cerca del rostro habrá más oscuridad en el pelo. Estas pinceladas oscuras hacen que el rostro resalte y a la vez lo perfilan. Importante ver las fotos del proceso.

8.- Debajo del ojo habrá que resaltar la ojera. Dar una pincelada suave debajo del ojo, no quiere decir avejentar, ni que la modelo está cansada. Es una muestra de que el ojo es un globo, no es plano, y para dar volumen a las cosas necesitamos los tonos y las sombras. La modelo es joven, por lo que esa pincelada que va a dar expresión a los ojos, no hay que saturarla de pigmento, es solo algo indicativo de la sombra que proyecta el ojo. Nada más.

9.- Pintar todo el labio, el inferior y el superior con un Rojo de Cadmio. Equilibrarlo con una punta de Siena Tostada. La aguada no debe ser ni muy intensa ni tan clara que no se note.

10.- Cuello. Los tonos del cuello siempre son más grisáceos, no son tan encendidos como los de la cara. Para conseguir el efecto mezclar: Siena Tostada + Rojo de cadmio + Azul ultramar. Probar siempre en una hoja de pruebas siempre. Es muy importante. No tiene que parecer ni un lagarto, ni un cangrejo.

11.- Aprovechar que ya se habrá secado el rostro y abordar párpados. Hacer una mezcla de Azul cobalto + Siena tostada y pintar las zonas más oscuras de los párpados.

12.- Boca. Ya habrá secado el labio. Trabajar el labio superior y nuevamente el inferior. Montar mezcla con carmín de alizarina y rojo de cadmio. No muy saturado de pigmento, o parece irreal. El labio es piel, no es una muñeca. Antes de que haya secado, poner una punta de carmín de alizarina para dar volumen y para levantar un poco las comisuras de los labios. La modelo está sonriente, sin pasarse.

13.- Ya habrán secado los párpados, volvemos a los ojos. Con un pincel fino pintamos pestañas. La mezcla será: Azul Ultramar + Siena Tostada. La resultante es un gris. Hacer una línea con el pincel cargado con esa mezcla y tirar del agua hacia fuera. No debe aparecer el efecto muñeca. Cuando se observa un ojo, nunca se ven las pestañas separadas una a una. Las pestañas son una masa de tonalidad para un pintor, al que lo que más debe importar es que sirvan para dar volumen y profundidad a los ojos, pero sobre todo a la mirada. Sin olvidar nunca pestañas y cejas, que dan más profundidad a una mirada que el propio ojo. Observad mucho a las personas, sus ojos. Imaginadla sin cejas, sin pestañas. No caemos en la cuenta de la importancia que tienen ambos elementos en nuestra expresión. Los ojos son las ventanas al mundo, pero cejas y pestañas son nuestras contraventanas. En este paso del proceso observaréis que los ojos aparecen demasiado abiertos. Habrá tiempo de cerrarlos. No hemos acabado. El proceso de acuarela es capa sobre capa y no hay que tener prisa. Dejar secar.

14.- Dientes: Comprobar que ya han secado los rojos. Levantar el enmascarador. Hacer una aguada muy rebajada de pigmento con una punta de Azul Ultramar + Siena Tostada. Saldrá un gris muy claro. Pintar toda la zona de los dientes. Dejar secar.

15.- Pintar cejas: Con Azul Ultramar + Siena tostada + Una punta de Ocre Amarillo. No olvidar que es rubia, aunque la ceja es más oscura en general que el cabello, tampoco debe resultar muy oscura. Y tampoco amarilla. Rubio no quiere decir Amarillo. Tened en cuenta que, cuando seque, habrá que dar en alguna parte un segundo nivel de oscuro.

16.- Utilizar esta mezcla añadiendo un poco más de Azul Ultramar para resaltar pestañas y el borde de los ojos con Rigger. Sólo si es necesario.

17.- Levantar el enmascarador del blanco de los ojos, el de las mejillas y la ceja. Con la misma mezcla que hemos dado en las cejas, dar algunas pinceladas oscuras en el pelo. Mirad el modelo y dar oscuros hasta que la cabeza tome volumen.

18.- Pintar nuevo nivel de oscuros para la piel. Mezclar Siena Tostada + Azul Ultramar+ Una punta de Rojo de Cadmio. Muy importante los oscuros del párpado cercanos al lacrimal para dar profundidad a la cuenca ocular. Con esa aguada gris dar a la zona de dientes, pero sin entrar ya en toda la superficie. Y también, con un pincel fino, matizar un poco el blanco de los ojos, sobre todo en los extremos. Observad modelo. Aplicar también en las zonas más cercanas al pelo para dar volumen al rostro y que no se nos quede plano.

19.- Ojos. Podéis observar que, aunque bonitos de color, a estas alturas del proceso nuestra modelo está como espantada. Es la hora de cerrar el ojo un poco y de corregir ese efecto. Hacer un azul cobalto más intenso y aplicar en alguna zona del iris. El iris nunca es un color plano, tiene tonalidad más o menos intensa. Hacer, además, un negro con Sombra Tostada + Azul Ultramar, y, antes de que seque el azul, dejar una punta en las pupilas y dejar actuar al agua. Ver el modelo.

20.- Con mezcla de Rojo de Cadmio+Azul Ultramar Siena Tostada, pintar la parte más oscura del cuello y pómulos.

21.- Aplicar ese mismo gris por encima de los lacrimales en una vertical que subiría hasta la ceja. El objetivo es conseguir que ese punto sobre las cejas sea el más oscuro. Son los que están pegados a la nariz.

22.- Matizar el pelo y poner algún tono intermedio del cabello si es necesario con Siena tostada + Ocre Amarillo + Punta de Sombra Tostada. La primera aguada amarilla debería quedar como los toques de luz o reflejos del pelo.

23.- Con Rojo de Cadmio+ Una punta de Carmín de Alizarina + 1 Punta de Azul Ultramar, matizar los extremos de los labios, y cerrar si es necesario.

24.- Levantar reservas de blanco que quedan: Los aros y alguna mecha en el pelo.

25.- Matizar las reservas de blanco, solo si es necesario.

26.- Los pendientes. Dejar solo en el centro el blanco puro del papel. El resto hay que matizarlo.

27.-Redibujar con rigger algunas zonas si lo pide nuestro retrato. Mechas del pelo, pestañas, óvalo de la cara etc.

 28.- Firmar

Pintar rostros con Acuarela -  Macarena Márquez

                 

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La Cuestión 106 - Novela

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El Fantasma de Cervantes

Qué es la noche americana. Veladuras con Acuarela.

En este artículo se explica cómo se puede obtener el efecto noche al pintar con acuarela a partir de técnicas que son cinematográficas. Tuve la suerte de volver a ver La Noche Americana de Truffaut en Filmin y ahí recordé por qué me gusta dar veladuras sobre algunas de mis acuarelas.

Material empleado:

Papel de Acuarela 29,7x21 cm. Gramaje: 160 gr/m2

Pastillas de Acuarela

Amarillo de Cadmio – Cadmium Yellow

Verde Windsor - Windsor Green

Verde Sap – Sap Green

Rosa Permanente – Permanent Pink

Ultramar Francés - French Ultramarine

Azul Cerúleo - Cerulean Blue

Azul Ultramar – Ultramarine Blue

Azul Sennelier – Sennelier Blue

Pinceles:

            Redondos del 12, 10, 4, 2, 1

            Plano del 10 y del 24

No sé si recordáis algunas películas de los años 70 en que aparecían unas escenas de noche azules que después me ha costado encontrar en la realidad, incluso en las noches más calurosas de verano planetario.

Me encantaba ver a los personajes en la escena moviéndose en la noche a través de sombras y luces de una luna que proyectaba más luz que el propio sol, aunque azul.

Se trataba de la técnica cinematográfica que se llamó “La noche americana”. Era una técnica de iluminación utilizada para aparentar que era de noche en una escena rodada a plena luz del sol. De ese modo no había que rodar de noche, con el consiguiente abaratamiento del rodaje. La escena de nocturno, a lo mejor se había grabado a las doce del mediodía, después, mediante esta técnica, que aplicaba filtros azules, se reducía y enfriaba la iluminación hasta parecer de noche, con sus luces y sus sombras, pero noche.

La noche americana - Macarena Márquez

Hay una película francesa: La nuit américaine, de Truffaut, de 1973, que precisamente toma su título de esta técnica de filtro oscuro sobre la lente, que consigue el efecto noche cuando se rueda de día. Es una película que recomiendo porque en ella, además de aprender de luces y sombras, el cine es el protagonista. En algunas escuelas cinematográficas: La Noche Americana de Truffaut, es el mejor ejemplo para explicar qué es un rodaje.  Fue ganadora de un Oscar en 1974 a la mejor película de habla no inglesa.

Y cine aparte, en el caso de esta acuarela quise aplicar la sensación de filtro azul de esas “noches americanas” que yo recordaba. Pinté el boceto rápido de unas adelfas blancas sobre cielo radiante turquesa de verano mediterráneo. Pensé que el tema ya se había pintado muchas veces. Dejé secar perfectamente, y fui aplicando un filtro de Azul Cerúleo mezclado con Azul Sennelier a pincel seco sobre lo que tenía pintado.

Y ¿Qué quiere decir “a pincel seco”? Quiere decir que el pincel va cargado de muy poca agua. Si fuese muy cargado, la capa inferior de nuestro papel se aguaría y desaparecería lo ya pintado. No hay que olvidar que la acuarela es una pintura de carácter no permanente, que en cuanto mezcla con agua, se diluye.

Así pues, a pincel seco, entré con los azules y con mucho cuidado sobre las adelfas de mediodía, al sur de España, a 40 grados al sol. Utilicé un pincel plano del número 24 para hacerlo, de pelo natural, ya que la pincelada que describe es algo más suave que la del pincel sintético. También porque, con este tipo de pincel, resulta más fácil controlar el agua. Cuando quiero hacer veladuras, cargo el pincel solo hasta la mitad de mechón de forma homogénea. La mezcla de color, agua y pigmento, deben estar perfectamente ligadas antes de aplicar la pintura. Y la pincelada debe ser segura, sin titubeos. Insistir con el pincel sobre una pintura que está casi acabada a falta de veladura, estropea nuestra obra si volvemos a aplicar una y otra vez sobre el objeto pintado.

El resultado es la técnica de Noche Americana, pero con acuarela y un resultado de Noche de verano española.

El arte de la pintura y el del cine beben uno de otro. Los registros que un ojo educado en materia artística capta de una obra maestra cinematográfica, nos son los mismos que los que capta un ojo no educado en ello. Y también sucede al revés. Todas las artes se retroalimentan.

Os animo a buscar este recurso de nocturnos a plena luz del día en el cine de la segunda mitad del siglo pasado, y a aplicarlo con cuidado en vuestras acuarelas. Más o menos filtro azul dependiendo de que queráis obtener noches más o menos profundas.

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